LA IMAGEN DE LA FEMME FATAL EN TODOS LOS AMBITOS D

ALBERTO GARCIA ALIX

2008-12-09T16:41:00.000-08:00

ALBERTO GARCIA ALIX TRAS VER SU OBRA LE COLOCARIA EN MUCHOS LUGARES EN EL APARTADO DE FOTOGRAFIA POR LAS MUJERES FATALES REPRESENTADAS , PERO EL TB ES UN HOMBRE FATALE POR MUCHOS MOTIVOS , ES EL ANTIHEROE , PERO A LA VEZ ES EL PERSONAJE QUE CON SU FUERZA , CON SU YO INTERIOR , CON SU PERSONALIDAD , CON SU PENETRANTE MIRADA NOS SEDUCE Y NOS ATRAPA
UN RESUMEN DE UN ARTICULO QUE ENCONTRE EN UN APARTADO DE OPINION DEL DIARIO DE LEON
REFLEJA EXACTAMENTE LO QUE YO SENTI CUANDO ME TOCÓ ANTESDEAYER CUSTODIAR POR PRIMERA VEZ UNA SALA DE ESTE GRAN MAESTRO DE LA FOTOGRAFIA

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lo que mas me impactorn son las miradas SE ME HA QUEDADO CLAVADA EN MI SER ESA FUERZA , INTERIOR , ESA ANGUSTIA Y TODA ESENCIA DE LA QUE SE HABALA EN ESTE ARTICULO
MOTEROS, músicos, bohemios posmodernos, habitantes de la noche y travestis con el cuerpo tatuado, estrellas del cine porno, dos yonquis chutándose heroína ante el cadáver de un amigoes que en esas imágenes duras y contundentes, mientras el blanco y negro gradúa y potencia la atmósfera dramática, vemos con un nudo en la garganta como está ahí completa la hoja de servicios de un sobreviviente. Sí, he ahí la poética de quien aún es capaz de tapar las cicatrices con medallas para seguir en pie, pero igualmente encontramos en la belleza amenazante de esos retratos, descrito con minuciosidad psicológica, el testimonio del pionero, del digno derrotado, del santo con una fe totalmente improvisada...

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Ahí está, con todos esos tatuajes que son ya el mapa de un camino sin retorno, posando igual que un místico diabólico que sin palabras confiesa: oh, juro que algunas noches moriría con la única lástima de no poder contarlo después en una foto...

Pero él aún sigue en pie mirándonos desde la ciudad amurallada de su obra como quien en realidad no puede renunciar. Aún sigue en pie y uno lo observa ahora igual que se mira a las ruinas de un imperio. De hecho reparamos en él, ya sea con admiración, con piedad o sin juzgarle, y vemos a un hombre que se adentró desnudo pero armado en la selva de la vida y ha vuelto maltrecho aunque cargado de tesoros¿

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Sí, hay quien figuradamente se quema a lo bonzo, como Nietzsche, por el bien de su obra pero Alberto García-Alix es solamente un vividor radical, y la grandeza de su arte es un efecto secundario de esa audaz opción de vida.

Sin embargo, más allá de los tatuajes, la noche, las motos y demás efectos lo más impactante de sus retratos es la atmósfera, la luz como de cárcel, y esa mirada absorta, inquietante y desorientativa que posee cada personaje en primer plano. La expresiva mirada hace pues de cada instantánea no un espejo sino una denuncia de nuestro decadente conformismo, y también un argumento para quienes, antes de decidirse por la libertad, se fijan primero en los riesgos.

La fotografía como emblema. Unos retratos a los que miras y los cuales además te miran. Obras maestras del documentalismo emocional que te hacen sentir desnudo, frágil, confundido por los destellos como quien se asoma a un pozo lleno de diamantes¿

En efecto la fotografía -como bien nos enseña cada día en este periódico Jesús F. Salvadores, acaso el discípulo más desobediente e impactante de García-Alix- nos inquieta porque nos muestra principalmente lo que no vemos y, así, nos educa la mirada. Qué admirable la valentía y el talento de quien es capaz de retratar la bala que le quitará la vida!

FEMME FATALE EN LA FOTOGRAFÍA

2008-12-09T16:25:00.000-08:00

SALLY MANN

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Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sinó también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.

Entre otras instituciones el Museo Metropolitano de Nueva York y la colección Corcoran[1] poseen obra entre sus fondos.

En julio de 2001 Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana.
David Hamilton (Londres, 1933) es un fotógrafo autodidacta famoso desde la década de los 70s por sus series de retratos de mujeres adolescentes desnudas o semidesnudas.

Posee un estilo característico en el que suelen predominar los colores suaves y el grano grueso, que acabó llamándose hamiltoniano.

Jock Sturges (n. 1947, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense conocido sobre todo por sus fotografías de playas nudistas en California, España, y Francia.
Muchos de los trabajos de Sturges muestran chicas jóvenes desnudas. Por lo tanto, algunos críticos claman que su trabajo es pornografía infantil, pretendiendo ser obra artística.

Por tales razones, en 1990 agentes de la FBI ingresaron a su estudio, confiscaron equipo y obras, y presentaron cargos por pornografía infantil. El mundo del arte y las comunidades de naturistas lo defiendieron públicamente. Después de un año de investigación, el caso fue desachado por un gran jurado. Finalmente Sturges recuperó la mayor parte de su trabajo y su equipo.

El mismo año recibió otros ataques de organizaciones civiles. Sturges recibió apoyo de asociaciones artísticas, y se ha defendido a sí mismo a través de una serie de comunicados y entrevistas.

aLBERTO GARCIA ALIX

Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña. Amante de las motocicletas y de los retratos sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionles. Las motos Harley Davidson, los tatuajes, la música y la noche han sido sus musas de inspiración.

FEMME FATALE EN EL COMIC Y LA ILUSTRACION

2008-12-09T16:22:00.000-08:00

Natalie shau
Esta artista Oscura Natalie Shau, es una joven autodidacta de 23 años, que combina la fotografía con la ilustración y cuyas imágenes de estilo gótico son creadas digitalmente con toques de 3d y digital painting. Nacida en Lituania, Natalie cita a los siguientes artistas como principal inspiración: Klimt, Modigliani, Dali, Magritte, J. P.Witkin, Trevor Brown, R Caesar, Mark Ryden, Seth Siro Anton, Tim Burton, Sally Mann, Ervin Olaf, Simen Johan.

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Mijn Schatje. Su trabajo une lineas suaves con algo de oscuridad, cierto toque oriental y el arte pop en caras femeninas que recuerdan a las muñecas Blythe.
taramcpherson

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Esta Guapa Ilustradora Nació en San Francisco en el año 1976 se gradúa en el Art Center de Pasadena California, y en la actulidad vive en NY, mientras estudiaba trabajo junto a Matt Groening en Futurama, esta ilustradora fue coronada como la princesa de los carteles por la revista ELLE. En este rubro ha creado carteles para artistas como Beck, Modest Mouse, Depeche mode entre otros, además ha echo historietas para DC Vertigo, y artes para Pepsi, Spin magazine además Dark Horse publico su libro llamado Lonely Heart, su arte se caracteriza por la aparición de personajes aparentemente inocentes pero con mucha fuerza en su mirada y actitud pero mejor véanlo por ustedes mismos, Tara ha incursionado en los artoys colaborando con kid robot y dark horses y ahora colabora con Ron English y Toofly en un proyecto llamado Colorize un proyecto que intenta llevar el arte a las calles de la ciudad de Nueva York por algunas marcas representativas del Gabacho. Si pusierón antencion la pelicula Juno sus carteles forman parte de la escenografia de la recamara de la chavita. Y ahí estaba Tara acomodando sus cosas y vendiendo directamente ella.
www.myspace.com/taramcpherson

Ella es una de las ilustradoras más poderosas del mercado editorial que, a la hora de dibujar mujeres, logra su mejor performance. La artista canadiense Jody Hewgill viene ilustrando las páginas de las mejores revistas de estados Unidos. Entre ellas se pueden citar Spin Magazine, Entertainment Weekly, Time y Rolling Stone USA.
En esas páginas, Hewgill ha mostrado ciertas versiones terriblemente sensuales de las actrices contemporáneas Halle Berry y Kristen Dunst, y la cantante de jazz Billie Holiday (Lady Day). Esta última ha ganado la medalla de oro de la Society Of Illustrators de Nueva York.
Aunque su obra supera lo editorial y reconoce una segunda vida como artista plástica, los retratos que ha trabajado para distintas editoriales muestran una visión única.
Una de las ilustradoras históricamente más importantes es Kate Greenaway

Valérie Moigne, Misstigri. Sus pinturas de "mujeres de curvas armoniosas" son un combinación entre la fantasía, el pudor y la coquetería, lo que las hace extremadamente sensuales y femeninas. Todas sus obras están influenciadas por el Art Noveau y el manga (las fomas y el color) y por artistas como Milo Manara o Tim Burton

Castle Waiting al mercado español, gracias a la barcelonesa Norma Editorial. Una obra de la autora Linda Medley, que nos narra una nueva versión de los clásicos cuentos europeos, en parte en clave de humor, como La Bella Durmiente; el primer relato del tomo, de los dos que se han publicado; tras este, el siguiente estará protagonizado por la bella Lady Jain Solander, condesa de Carabas, la cual tiene que huir de su hogar, tras sufrir maltratos físicos por parte su marido. Para ponerse a salvo y no perder al hijo que lleva dentro, tendrá que partir de incógnito durante la noche, con la ayuda de un mayordomo, con dirección a un reino lejano, un lugar mágico, la fortaleza de Castle Waiting. Habitado por una serie de personajes muy peculiares, como un herrero con el corazón enjaulado (Iron Henry), un mayordomo cigüeña (Rackam Ayudante) o el un caballo armado caballero (Ajedrez). Allí será capaz de criar a su hijo, con la ayuda económica que sustenta al castillo, unas gallinas que ponen huevos de oro, que ellos mismos transforman en monedas para comprar las provisiones en el mercado del pueblo. Un lugar donde Rackam y Ajedrez vivirán una nueva aventura, con no pocos problemas, encontrando en el camino a niña sacada del mismo cuento de La Cenicienta.

Linda Medley (Stockton, California) sabe como nadie plantear un cómic lleno de buenos momentos, divertido, con un dibujo sencillo y a su vez bonito, sabiendo captar la esencia de los cuentos en todo momento, con un lenguaje más moderno. Donde los personajes que aparecen, tantos humanos como animales, están dotados de todas las cualidades de las bellas fábulas aparecidas en los cuentos Una autora que proviene del cómic independiente, que se inició en el oficio en 1985, ilustrando numerosos libros infantiles, y algunos trabajos para DC Comics, como La Liga de la Justicia o la Patrulla Condenada. También ha realizado numerosas ilustraciones para la extinta sello editorial Paradox Press (Family Man, Stuck Rubber Baby).

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Actualmente está preparando para Fantagraphics Books, nuevas entregas de Castle Waiting, además de una serie, de nueve novelas gráficas, basadas en las historias del Mago de Oz de L. Frank Baum.

Cris Ortega (1980),

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una joven ilustradora que ha colaborado con revistas como Minani, Micro Dingo y Blue Joven; para editoriales extranjeras, como Wham Comics; portadas para diversas editoriales, como el recopilatorio del cómic Shade; discos, libros de rol (In Dark Alleys), y libros de ilustración como Exotique o Wicked Rgb. Actualmente compagina su trabajo como directora de arte en una agencia de publicidad, con su carrera de ilustradora, en el tiempo libre que le queda. Forgotten (olvidados), es su primer libro recopilatorio de relatos ilustrados, donde muestra todo su talento en estado puro. He creído conveniente ponerme en contacto con la autora, para que nos cuente su trayectoria profesional, proyectos y su técnica gráfica A modo de curiosidad, el escenario del “Reino Sin Nombre” que aparece en Forgotten se me ocurrió al observar una planta que tenía algunas hojas marchitas cuando estaba en un bar con unos amigos.

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"Supongo que lo que realmente ha influido en mis obras es la gran cantidad de libros que he leído desde muy pequeña. En especial, relatos de terror de maestros como Lovecraft, Poe, Shelley, Bacon o Machen, por citar algunos. Las historias de estos escritores, junto con las de otros grandes maestros de la literatura, son las que han asentado las bases en las que ahora desarrollo mis obras".

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Tara macperson

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la ilustradora Marta DAHLIG tiene dibujados los 7 pecados capitales,

su temática principal es la mujer. Marta recorre elementos y temáticas encontrando el cuerpo y la expreción correspondiente para cada una de ellas. El color y la figura humana se acoplan en excelentes composiciones plasmadas con una gran técnica que no solo se focaliza en el elemento destacado sino que se aplica en el 100% de la imágen.

melanie delon

Mujeres, mujeres y más mujeres conforman la galería de Mélanie Delon, artista digital francesa. Sus obras hacen acordar a pinturas clásicas de figuras inertes pero con alma. En general sus retratos son fríos y muy pacíficos y casi todos econden un misterio o guiño para el espectador. Mélanie trabaja exclusivamente con Painter y Photoshop y por lo que podemos ver es una verdadera experta, tanto es así que ha protagonizado varios números de la serie de libros Digital Painting

Autumn Whitehurst
es una ilustradora nacida en New Orleans que reside ahora en Brooklyn, New York, y que trabaja en publicidad para una extensa lista de clientes. Desde revistas a portadas de CD, Autumn combina su trabajo con su pasión por los pájaros o la lectura de la historia de las ballenas. Su obra está cargada de sensualidad, ilustraciones que a primera vista parecen sencillas pero que tienen un trabajo muy elaborado como un proceso inverso de la fotografía que en primer lugar ocupó la imagen. Autumn realiza sus ilustraciones en el estudio, donde la tecnología le permite culminar todo el proceso que se ha gestado en su mente. Poco más que decir de una artista que hace de la sencillez un complejo arte que entra sin fisuras y te deja satisfecho.

[URL=http://img155.imageshack.us/my.php?image=brideflatiz3.jpg][IMG]http://img155.imageshack.us/img155/3719/brideflatiz3.th.jpg[/IMG][/URL]

Trevor Brown es un ilustrador de los más “políticamente incorrectos” que nos podamos encontrar. Nacido en Londres acudió a la escuela de arte y trabajó en estudios de diseño, en agencias de publicidad y como ilustrador independiente, hasta que en 1985 comienza a realizar sus propias ilustraciones que distribuirá de forma underground o via email en paquetes de 100 o de media docena. En 1991 se desarrolla su interés por el arte y la cultura japonesa. En 1993 realiza su primera exhibición fetichista en el club Torture Garden de Londres, y es entonces cuando cansado y frustrado de la represión del gobierno inglés decide trasladarse a Tokio donde empezará a publicar en diversas revistas y donde crea el denominado bay art, una extraña combinación de la inocencia de las muñecas con el sadomasoquismo y el fetichismo más diverso que ya le llevarán desde entonces a diversas publicaciones tanto en Japón como en el resto del mundo. Trevor Brown es sin duda uno de los ilustradores mas”bestia” y descarado del momento, y a pesar de su crudeza no deja de tener su encanto, aún a riesgo de parecer algo depravados, cosa que a estas alturas a muchos ya no nos preocupa demasiado.
[URL=http://img131.imageshack.us/my.php?image=bikerschoolgirltrevorpf0.jpg][IMG]http://img131.imageshack.us/img131/3423/bikerschoolgirltrevorpf0.th.jpg[/IMG][/URL]

[URL=http://img131.imageshack.us/my.php?image=toilettrevorqd4.jpg][IMG]http://img131.imageshack.us/img131/2812/toilettrevorqd4.th.jpg[/IMG][/URL]

AQUI PODEMOS ENLAZAR CON EL TEMA DEL FETICHISMO y tb este ilustrador encaja con el fetichismo

uno de los blogsde los que he sacado la infooo
http://cid-f1d8c5c8fd707a51.spaces.live.com/blog/cns!F1D8C5C8FD707A51!219.trak

Samael Noircissant es un artista ruso
sus ilustraciones aterradoramente hermosas, parecen sacadas de alguna película de extraterrestres o de alguna pesadilla de noches de tormenta. Blanco y negro con algunos toques de color en algunas de ellas que le dan aún más un aspecto siniestro y perturbador

Manabu Hassegawa - Erotico Grotesco

Manabu Hassegawa es un ilustrador japonés que nos trae unas ilustraciones entre lo grotesco y lo erótico de una manera muy personal y con cierto aire de caricatura.

KATSUKA MAKO

nació en 1983 y que es una ilustradora que hace unos dibujos en blanco y negro de lo más brillante, con un trazo muy fino y un aspecto melancólico y algo decadente.

Noizi Ito (いとうのいぢ, Itō Noiji?, Hyōgo, 9 de agosto de 1977) es una ilustradora de videojuegos y manga japonesa. Es empleada de UNiSONSHIFT, perteneciente a la compañía SOFTPAL, dedicada a los juegos eroge. También preside el círculo de artistas Fujitsubo-Machine.

Realmente, Noizi Ito es su seudónimo y está romanizado de manera oficial en la forma Kunrei-shiki; el origen de su seudónimo proviene del bajo de la banda SEX MACHINEGUNS llamado NOISY, y del cual tomó el nombre “Noizi”; el apellido “Ito” lo tomó del guitarrista de la banda SIAM SHADE, DAITA, cuyo nombre verdadero era Daita Itō. Finalmente, dispuso su seudónimo en el sentido occidental, en vez de nombrarlo en el sentido japonés, en donde el apellido precede al nombre.

imagen de la mujer fatal en la historia

2008-10-05T07:04:00.001-07:00

LA MUJER FATAL EN LA HISTORIA REAL Y SAGRADA

EVA

Historia de Eva según la Biblia [editar]Su historia se encuentra en el libro de Génesis, desde el versículo 27 del capítulo 1 hasta el versículo 2 del capítulo 5.

Fue creada por Dios en el huerto de Edén como ayuda idónea de Adán, a partir de una costilla de éste. Su nombre, en hebreo, significa "madre de los vivientes" o "dadora de vida". En el libro de Génesis, relata que Dios mandó a Adán y su esposa fructificar y multiplicarse, llenar la Tierra y gobernarla (Génesis 1:28). Se relata que también les mandó comer de todos los árboles del huerto, excepto árbol de la ciencia del bien y del mal y del árbol de la vida; para no morir (Génesis 2:16–17). Pero, leemos, Eva fue engañada por la serpiente (Diablo), y vio "que el árbol era bueno para comer, y que era agradable a los ojos, y árbol codiciable para alcanzar la sabiduría", por lo que ella comió del fruto prohibido y dio a su pareja, el cual comió también. Como consecuencia, de acuerdo con la Biblia, Dios informó a Eva que como castigo sus embarazos y partos serían dolorosos (Génesis 3:16), que Adán debería trabajar para comer (Génesis 3:19) y que ambos morirían.

Después Dios dijo: "El ser humano ha llegado a ser como uno de nosotros, pues tiene conocimiento del bien y del mal. No vaya a ser que extienda su mano y también tome del fruto del árbol de la vida, lo coma y viva para siempre." (Génesis 3:22) Por esa razón Adán y Eva fueron echados del jardín de Edén (Génesis 3:24),

En la Biblia encontramos que Eva fue madre (se mencionan Abel, Caín y Set, y en Génesis 5:4 se dice que Adán fue padre de otros hijos e hijas)

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Igualmente cabe mencionar que en la mitología (o del folclor) judío, producto de leyendas y una reinterpretación del génesis; igualmente algunos postulan que en la historia del génesis, Eva no fue la primera mujer, y que habría sido una figura legendaria llamada Lilith.
CLEOPATRA

Cleopatra Filopator Nea Thea, Cleopatra VII (en griego: Κλεοπάτρα Φιλοπάτωρ), fue la última reina del Antiguo Egipto de la dinastía Ptolemaica también llamada dinastía Lágida, aquella que fue creada por Ptolomeo I Sóter, general de Alejandro Magno, y también la última del llamado Periodo helenístico de Egipto. Nació hacia el año 69 a. C. y murió en el año 30 a. C.

Era hija de Cleopatra V Trifena y de Ptolomeo XII Auletes, de quien heredó el trono en el año 51 a. C., en torno a la edad de 17 años, junto con su hermano Ptolomeo XIII, que contaba tan sólo doce años, y que sería además su esposo (hecho frecuente en los matrimonios regios ptolemaicos)

.

Cleopatra tenía varios hermanos: Berenice IV, y Cleopatra VI como hermanas mayores -ésta última desapareció no se sabe cómo durante el reinado de su hermana Berenice-, una hermana menor llamada Arsínoe IV y dos hermanos menores llamados Ptolomeo XIII y Ptolomeo XIV, con los que se casó sucesivamente, según la ley de los Lágidas, a cuya dinastía pertenecían, y que permitía el matrimonio entre hermanos. La educación de todos ellos fue puramente griega, según costumbre ptolemaica. Cleopatra fue el primer miembro de esta dinastía que aprendió a hablar el idioma egipcio; pero no sólo conocía este idioma sino también el griego, hebreo, sirio y arameo y quizás también el latín. Aprendió así mismo literatura, música, ciencias políticas, matemáticas, astronomía y medicina. Además tenía fama de poseer modales dulces y refinados y una sugerente voz, cosas que hacían de ella una mujer muy seductora según Plutarco.

Sus orígenes
Cleopatra nació en el año 69 a.C. Pertenecía a la dinastía de faraones ptolomeos, procedentes de Macedonia (norte de Grecia), que gobernaban en Egipto en ese momento. La capital era Alejandría, ciudad fundada por Alejandro Magno en el año 332 a.C. que había prosperado bajo el mandato de esta dinastía. Tenía uno de los mejores puertos comerciales del Mediterráneo, y se convirtió en un gran centro cultural, cuna de las ciencias modernas: retórica, filosofía, medicina, geometría, hidrostática, geografía, astronomía, etc., pues poseía la mayor biblioteca del mundo.
Pero en ese momento, la tierra de Egipto vivía amenazada por su gran rival, Roma. Y a Cleopatra le tocó vivir una época rodeada de conflictos que hicieron que el reino egipcio se debilitara; aunque esta reina siempre demostró su fortaleza actuando con astucia y valentía.
El faraón Ptolomeo Neo Dionisio Auletes -Ptolomeo XIII- era el padre de Cleopatra VII Filópator, pero no era muy querido por los egipcios ya que recaudaba grandes impuestos que irían a parar a las arcas romanas. De este modo, el pueblo de Egipto no aceptó su alianza con Roma, y en el año 58 a.C. se sublevó expulsándolo del país. Ptolomeo huyó a Roma y Berenice IV (su hija, hermana mayor de Cleopatra) fue proclamada reina. Pero en el 55 a.C., apoyado por el general romano Pompeyo, Ptolomeo regresó a Egipto quitándole el trono a su hija.

Ptolomeo tuvo dos hijos: Ptolomeo XIV Dionisio II y Ptolomeo XV Filópator; y cuatro hijas: Berenice IV, Cleopatra Trifene VI, Cleopatra VII (de la que hablamos en este texto ) y Arsinoe.
Cleopatra en el trono de Egipto
Los escritos antiguos cuentan que Cleopatra gobernó con su padre durante un corto período de tiempo, hasta que éste murió en el año 51 a.C.
Queriendo conservar el poder, y siguiendo la tradición familiar, se casó con su hermano Ptolomeo XIV (de 12 años). Los ptolomeos no podían casarse con alguien de rango inferior, y es por ello por lo que se unían entre hermanos.
Con tan sólo 18 años, Cleopatra quería reinar sola, pues consideraba que su hermano era demasiado joven para gobernar Egipto. Aunque se encontraba con el problema de que muchos funcionarios y nobles apoyaban a su hermano. Además, el general Pompeyo, poderoso aliado de su padre, planeaba anexionar Egipto al Imperio Romano. Tendría que superar muchos obstáculos.
cleopatra y su reinado

Desde niña estudió muchísimo (literatura, aritmética y geometría, astronomía, medicina) y aprendió varios idiomas, como el egipcio (su familia sólo hablaba griego), lo que le sirvió de mucho a la hora de gobernar Egipto. Para ello, intentó ganarse el favor de los cortesanos poderosos. Rindió culto a los dioses egipcios proclamándose “hija del dios sol”, y entregó generosos regalos a los templos más importantes, ganándose el apoyo de los sacerdotes. Asimismo se interesó por la política internacional, sobre todo para evitar conflictos con Roma, y por la economía, facilitando las exportaciones necesarias para el bienestar de su país.Los dos primeros años de su reinado fueron muy difíciles. Por una parte, el Nilo no se desbordó, las cosechas se perdieron y muchas personas murieron de hambre. Por otra parte, seguía teniendo enemigos poderosos como era Poteinos, el consejero de su hermano Ptolomeo.
En el año 48 a.C. Cleopatra descubrió que su hermano y Poteinos conspiraban contra ella. Querían secuestrarla y matarla, por lo que tuvo que huir de Egipto acompañada de su hermana Arsinoe. Navegaron por el Mediterráneo refugiándose cerca de Siria, y con el tiempo, volvió con su ejército para reconquistar su tierra.

Julio César y Cleopatra
Mientras tanto, Julio César y Pompeyo se enfrentaron por el poder de Roma, provocando una guerra civil, venciendo Julio César. Pompeyo se dirigió a Egipto en busca de ayuda, pero cuál fue la sorpresa que los seguidores de Ptolomeo le asesinaron al desembarcar en Alejandría.
Cuatro días después, César llegó a Egipto y vio lo sucedido. Deseaba mantener la paz y solicitó reunirse con Ptolomeo y Cleopatra para alcanzar un acuerdo. La reina no confiaba en su hermano y necesitaba la protección de César. Con la ayuda de su intendente Apolodoro, a escondidas y al anochecer, llegó hasta él, quien quedó fascinado por su encanto e inteligenciaPero esto no le gustó nada a su hermano Ptolomeo. Hasta oídos de Julio César llegaron los planes de conspiración contra él por parte de Poteinos, y ordenó que lo ejecutaran. Perdonó la vida a Ptolomeo y le dejó salir de la ciudad, reuniéndose con Arsinoe, su hermana, quien había logrado escapar y lideraba un ejército egipcio contra César. Ambos finalmente fueron vencidos en una dura batalla. Poco tiempo después Ptolomeo apareció muerto en el puerto de Alejandría. Arsinoe fue enviada como prisionera a Roma.

Ahora Cleopatra, con 22 años, reinaba junto a su hermano Ptolomeo XV Filópator (de sólo 11 años) y se sentía más segura bajo la protección y el amor de César, quien en el año 46 a.C. regresó a Roma triunfante por su victoria. Tras él, llegó Cleopatra pretendiendo un tratado de paz entre Egipto y Roma, llevando consigo a Ptolomeo XVI Cesarión, hijo de César, y a su hermano Ptolomeo XV. No obstante, la relación entre Julio César y Cleopatra no agradó en Roma, sobre todo por la posibilidad de que en el futuro el hijo de ambos pudiera gobernar.
A pesar de todo, César obtenía cada vez mayores reconocimientos, siendo nombrado dictador vitalicio. Sin embargo, en el año 44 a.C., tras una reunión en el Senado, Julio César fue apuñalado.

Marco Antonio y Cleopatra
Cleopatra regresó a Egipto. Su protector había sido asesinado y su reino volvía a estar en peligro. Este hecho provocó una guerra civil en Roma que duraría tres años, liderada por tres importantes hombres que lucharon contra los líderes de la conspiración: Octavio, Marco Antonio y Lépido. Tras derrotarlos firmaron un tratado de paz en el que acordaron gobernar Roma juntos durante cinco años.

A partir de ese momento, Marco Antonio controlaría Egipto. Pero necesitaba el apoyo de Cleopatra que ahora reinaba junto a su hijo Cesarión. Precisaba del oro de Egipto para pagar a los ejércitos que velaban por su parte del Imperio, y el trigo para alimentar a sus hombres. Por su parte, la reina egipcia pretendía la protección del romano.
Marco Antonio y Cleopatra se dieron cita en Tarso (Turquía). La reina apareció deslumbrante y tras varios encuentros consiguió lo que se proponía. Marco Antonio se unió a ella impresionado por sus encantos.
Antonio pasó una temporada en Alejandría junto a Cleopatra, quedando embarazada de gemelos. Pero el romano no pudo verles nacer ya que a comienzos del año 40 a.C. tuvo que regresar a Roma pues Fulvia, su esposa, participaba en una conspiración contra Octavio. A finales de año, su esposa murió, y firmó un acuerdo de paz con Octavio; y en señal de amistad, se casó con la hermana de éste, Octavia.
Cleopatra siguió reinando Egipto. Cuatro años después regresó Marco Antonio. Su protección seguía ayudándola a mantener la independencia de Egipto. Tuvieron su tercer hijo, Ptolomeo Filadelfo.
Durante un tiempo, Antonio no tuvo éxito en sus conquistas perdiendo muchos soldados y muchas tierras. Hasta que finalmente, invadió Armenia y regresó triunfante a Alejandría. Cleopatra fue coronada “Reina de reyes” y todos sus hijos también recibieron títulos reales.

- Cesarión, de 13 años, fue proclamado “Rey de reyes”.
- Alejandro Helios, de 6 años, fue nombrado rey de Armenia.
- Cleopatra Selena, reina de Cirenaica y Creta, también con 6 años.
- Y Ptolomeo Filadelfo, con sólo 2 años, rey de Asia Menor.

Marco Antonio y Cleopatra eran fuertes aliados y tenían grandes ambiciones. Recuperaron algunos de los territorios que la familia de la reina había controlado en el pasado. Pero Octavio se enteró de la ambición de ambos e informó al Senado romano tratando a Marco Antonio de traidor. Además, el divorcio de su esposa romana se tomó como ofensaEl fin de Cleopatra, la última reina egipcia
A finales del 32 a.C. Octavio declaró la guerra a Cleopatra y a Egipto. Marco Antonio actuó en la guerra como aliado de Cleopatra en contra de Roma. Llegaron a Grecia temiendo un ataque que le llevara a perder ese territorio. Pero en realidad, no les fue nada bien, pues los soldados romanos fueron venciendo al ejército de Marco Antonio, capturando sus fuertes y hundiendo sus barcos.
Poco a poco la situación empeoraba, y desesperados Antonio y Cleopatra decidieron atravesar el cerco romano. Aunque ¡no les pudo ir peor! Fueron derrotados en la famosa batalla de Accio (Actium), aunque Cleopatra consiguió huir con su flota regresando a Alejandría, donde entró triunfante como si hubiera logrado una gran victoria, para evitar que sus enemigos en Egipto no la dejaran entrar al saber que había sido vencida por Octavio.

Antonio estaba hundido por la deshonra y decidió ocultarse en la isla de Faros sin querer ver a nadie. Mientras tanto, Cleopatra seguía pensando en la forma de continuar gobernando. Octavio no tenía suficiente oro para pagar a los ejércitos, por lo que de momento no podría atacar de nuevo. Pero sí sabía que volvería tarde o temprano en busca de la necesitada riqueza de Egipto.
Poco tiempo después, Antonio salió de su retiro y de nuevo volvieron las fiestas a palacio.

Un año después se recibió la noticia de la llegada de Octavio, y Cleopatra temiendo su reacción, le envió una carta ofreciéndole Egipto con la condición de que gobernaran sus hijos. Pero Octavio ni siquiera contestó: estaba claro que quería gobernar solo.
Mientras, Marco Antonio reunió a su ejército para enfrentarse a Octavio. Pero sus soldados desertaron huyendo avergonzado y derrotado, y culpando a Cleopatra, quien asustada por la ira del romano se encerró en su mausoleo.
Corrieron rumores de que la reina egipcia había muerto. Marco Antonio enloquecido se clavó su espada, justo en el momento en el que el secretario de Cleopatra llegaba anunciando que estaba viva. Fue llevado junto a Cleopatra y murió en sus brazos.

Poco después en el año 30 a.C., a la edad de 39 años, murió Cleopatra, la última reina de Egipto. Sobre su muerte hay muchas leyendas, pero el cuerpo de Cleopatra no se ha encontrado, por lo que los expertos no han podido estudiar su causa.
Lo cierto es que Cleopatra fue una reina orgullosa que prefirió la muerte antes de someterse a Octavio y humillarse ante los romanos. Se suicidó junto a sus dos fieles sirvientas, pero ¿cómo murieron? ¿Se clavaron una aguja envenenada? ¿Pudo ser la mordedura de un áspid con su veneno la causa de su muerte?

Octavio respetó sus deseos y su cuerpo fue sepultado cerca de su amado Marco Antonio. Su tumba nunca fue encontrada.

¿Qué paso con Egipto?
El país quedó bajo el gobierno de Roma, lo que supuso el fin de la civilización egipcia. Octavio se proclamó nuevo faraón y ordenó la destrucción de muchos monumentos egipcios y documentos oficiales. Alejandría continuó siendo un gran centro cultural y comercial, pero la prosperidad de Egipto fue decayendo.
informacion sacada de http://www.egiptologia.com/component/option,com_frontpage/Itemid,1/

Cleopatra puede aludir a:

última soberana de la dinastía de los Tolomeos y la última gobernante del país del Nilo antes de que se convirtiera en posesión romana;
En la mitología griega, Cleopatra era el nombre de dos personajes: una ninfa hija del dios-viento Bóreas y una hija de Idas y Marpesa; Cleopatra, ópera de Jules Massenet;
'Cleopatra [1891], una ópera de Melesio Morales
Cleopatra, película de 1963 protagonizada por Elizabeth Taylor, donde se narra parte de la vida de Cleopatra VII;
Cleopatra, película argentina de 2003 dirigida por Eduardo Mignogna.

LA GIOCONDA
La Gioconda

Información
Pintor Leonardo da Vinci
Año 1503-1506
Estilo artístico Renacimiento
Técnica pictórica Óleo sobre tabla
Longitud 77 cm
Anchura 53 cm
Localización Museo del Louvre
París , Francia
El cuadro La Gioconda, conocido también como ''La Mona Lisa'', La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre, París.

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506,[1] y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima.[2] Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada.[3] Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas,[4] los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa,[3] las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.
Identidad de la modelo
Diversas hipótesis se han generado en torno a la identidad de la modelo.

El pintor y biógrafo Giorgio Vasari escribió en 1550:

Hizo para Francesco del Giocondo el retrato de su mujer Mona Lisa y, a pesar de dedicarle los esfuerzos de cuatro años, lo dejó inacabado. Esta obra la tiene hoy el rey Francisco de Francia en Fontainebleau.[36]
En 1625, Cassiano dal Pozzo vio la obra en Fontainebleau y escribió sobre ella:

Un retrato de tamaño natural, en tabla, enmarcado en nogal tallado, es media figura y retrato de una tal 'Gioconda'.
En base a estos testimonios se ha identificado a la modelo con Lisa Gherardini, la esposa del acaudalado comerciante Francesco del Giocondo.

Sin embargo, en 1517, antes del escrito de Vasari, Antonio de Beatis visitó a Leonardo en el castillo de Cloux y mencionó tres cuadros suyos, uno de ellos de una dama florentina hecha del natural a petición de Juliano II de Médicis.

Aunque Antonio de Beatis podría haber visto una tabla distinta, este testimonio parece discrepar con los de Vasari y Cassiano del Pozzo, por lo que algunos han supuesto que la modelo fue en realidad una amiga o amante de Juliano II de Médicis.[

Retrato de quien se supone es Isabel de Aragón, elaborado por Rafael Sanzio. Galería Doria, Roma.Algunas otras teorías poco difundidas afirman que podría tratarse de Isabel de Aragón, a quien Leonardo dibujó a lápiz para luego hacer un óleo. También podría tratarse de Constanza d'Avalos, duquesa de Francaville, mencionada en un poema de la época, donde se lee que Leonardo la pintó "bajo el hermoso velo negro".[

E incluso otras propuestas han sido que la modelo pudo ser una amante del propio Leonardo, un adolescente vestido de mujer,[5] un autorretrato del autor en versión femenina[48] o incluso, una simple mujer imaginaria.Al respecto, Sigmund Freud sugirió que la pintura reflejaba una preocupante masculinidad.
NO HA HABIDO CUADRO DEL QUE SE HAYAN HECHO MÁS REINTERPRETACIONES

y que mas ha influido en todos los ambitos esteticos desde el comic hasta el diseño de objetos para la casa etc

BATHORY YA HE HABLADO ANTES PERO AMPLIO PORQUE ES UN PERSONAJE QUE ES FASCINANTE Y ATERRADOR A LA VEZ

según relata el sumario de su juicio y sacado del diario que ella misma escribía, Erzsébet Báthory, conocida como la "Condesa sangrienta", acabó con la vida de 612 mujeres jóvenes de entre 9 y 26 años para poder bañarse en su sangre y así mantenerse joven eternamente.

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Erzsébet(Elizabeth) Bathory nace en 1560 de un matrimonio consanguíneo (entre primos) en una de las familias más poderosas de Hungría. De pequeña sufre ataques epilépticos que posteriormente remiten con la edad. A los 13 años empieza a "dar problemas". Se queda embarazada de un sirviente al que la familia de Elizabeth castran y lo arrojan a los perros. Llegaría a tener el niño aunque se desconoce que fue de él.

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Con 15 años se casa con un Conde de 26 años llamado Ferenc y Elizabeth vive con él y su suegra en su castillo. El joven conde no se pasaba mucho tiempo por allí: la mayor parte del tiempo estaba combatiendo en alguna de las muchas guerras de la zona (empalando a sus enemigos sin compasión), lo que le mereció el apodo de "Caballero Negro de Hungría". Existe registro epistolar de cómo Ferenc y Erzsébet intercambiaban información sobre las maneras más apropiadas de castigar a sus sirvientes, esto era normal entre los nobles de la época.
La leyenda
Pero es a la muerte de su marido cuando se comenzaría a conocer su verdadera cara. Para empezar, despidió a su muy odiada suegra del castillo, junto con el resto de la parentela ; las muchachas a las que ésta protegía en esos momentos fueron llevadas a los sótanos y allí recibieron por fin los castigos que, en opinión de Elizabeth, se merecían.

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Es por esta época que empiezan a escucharse rumores de que algo muy siniestro ocurre en el castillo. Llegan historias de que la condesa practica la brujería (explícitamente, la magia roja) y para ello utiliza la sangre de muchachas jóvenes. Al parecer todo comenzó cuando una sirvienta cepillaba el pelo a la Condesa y le dio un tirón con el cepillo haciéndole daño. Elizabeth se revolvió y le dio un manotazo que rompió la nariz de la sirviente salpicándola de sangre. Fue entonces cuando creyó notar que, allí donde había caido la sangre, su piel parecía más tersa y que habían desaparecido las arrugas.
Desde entonces su mayor obsesión fue la de encontrar mujeres, cuanto más jóvenes mejor y a ser posible vírgenes, para poder bañarse en su sangre y, por supuesto, también beberla. Las muchachas eran raptadas por algunos de sus colaboradores, tan siniestros como ella, destacando a Dorottya, Ilona y Piroska a quienes se les catalogaba de brujas.

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Elizabeth y sus acólitos no se conformaban con desangrar a sus víctimas sino que además éstas eran sometidas a retorcidos suplicios.
La condesa, gracias a su privilegiada situación, actuó con cierta impunidad durante algún tiempo. Principalmente porque las víctimas eran siempre mujeres de las clases bajas que desaparecían y nadie preguntaba. Los problemas le llegaron cuando empezó a no encontrar víctimas propicias entre la plebe. Entonces fue cuando comenzaron a desaparecer muchachas de la nobleza y ese sería el error que acabó con la Condesa sangrienta. Las jóvenes nobles si despertaron sospechas entre la gente poderosa y con recursos y el rey ordenó que se iniciara una investigación.

LEONOR DE AQUITANIA
Nació en la ciudad de Poitiers, en el año 1122, siendo la mayor de los tres vástagos del matrimonio entre Guillermo X, duque de Aquitania, y de Leonor de Châtellerault.

En 1130 murió su único hermano, Guillermo, convirtiéndose en la heredera de su padre. El 9 de abril de 1137, Guillermo X fallece en una peregrinación a Santiago de Compostela, y Leonor toma posesión del inmenso ducado de Aquitania (que se extendía desde el Loira hasta los Pirineos y era mayor que los dominios directos del rey de Francia). El 4 de julio de 1137 contrajo matrimonio a los 15 años de edad en Burdeos, con Luis, futuro rey Luis VII de Francia, un año mayor que ella. Ese mismo año ascendieron al trono francés, a la muerte del rey Luis VI. Ocho años más tarde, en 1145, nace su primera hija, María, futura condesa de Champaña.

Las tensiones entre la pareja empezaron muy pronto, cuando la reina apoya el matrimonio ilegítimo de su hermana Petronila con el conde Raul I de Vermandois, mientras que el rey enviaba a su hermano Roberto a invadir Vermandois en castigo por la bigamía del conde. Además, su comportamiento emancipado y liberal fue duramente criticado por la curia eclesiástica -especialmente por Bernardo de Claraval y el abad Suger- y, al parecer, por su propia suegra, Adelaida de Saboya. Pero nada de esto le importaba al soberano francés, que estaba locamente enamorado de su esposa.

En 1147, la joven pareja marchó a la Segunda Cruzada movidos por la predicación de Bernardo de Claraval. El rey no permitió de buen grado que su esposa lo acompañara, pero Leonor, en su calidad de duquesa de Aquitania, y por tanto la mayor feudataria de Francia, insiste en partir como los demás señores feudales.

Durante su estancia en Antioquía, la relación de la reina con su tío Raimundo de Poitiers, príncipe de la ciudad, dio lugar a toda clase de murmuraciones, que provocaron el alejamiento entre el rey y la reina. Luis obliga a su mujer a volver con él a la fuerza, aunque parten separadamente. En su camino a Francia, se detienen en Roma, donde el Papa trata de reconciliar a la pareja real -el resultado de la gestión papal fue su segunda hija, Alix, futura condesa de Blois, nacida en 1151-. Pero la pareja estaba irremediablemente distanciada: el 21 de marzo de 1152 consiguieron la anulación de su boda, basándose en el parentesco entre ambos. El precio que puso Leonor a esta separación fue la conservación de sus dominios.

El 18 de mayo de 1152 Leonor contrajo matrimonio, en la catedral de Saint Pierre de Burdeos, con el que pronto sería Enrique II de Inglaterra, uniendo sus vastos dominios en Francia a los que ya poseía el heredero al trono inglés (dueño de Anjou, Maine y Normandía, aparte de Inglaterra y Gales). De este modo se formaba el llamado Imperio Angevino, en el cual los reyes de Inglaterra, aun siendo vasallos del rey de Francia, controlaban un territorio ocho veces superior al dominado por Luis VII. De este matrimonio nacieron ocho hijos, cinco varones y tres mujeres. En su corte, establecida principalmente en Poitiers, tuvo gran auge la lírica caballeresca, siendo mecenas de numerosos trovadores.

La existencia de una amante de Enrique II provocó el enfrentamiento entre Leonor y el rey, y a partir de 1173 Leonor promovió la rebelión de tres hijos del rey contra su padre. Tras reprimir la rebelión, el rey encarceló a Leonor, primero en Chinon y luego en Salisbury, donde permaneció bajo arresto hasta la muerte del rey Enrique en 1189.

Recuperada la libertad, Leonor se convirtió en regente de los dominios angevinos durante las ausencias de su hijo Ricardo. Tras la vuelta de este rey de la Tercera Cruzada, Leonor se retiró a la Abadía de Fontevrault. La muerte de Ricardo el 6 de abril de 1199 hizo que Leonor abandonara de nuevo su retiro hasta conseguir la coronación de otro hijo, Juan, relegando a su nieto, el duque Arturo I de Bretaña, al que prácticamente no conocía.

En 1200, y contando con casi 80 años, da muestras de una fortaleza impresionante cuando decide viajar hasta Castilla, cruzando los Pirineos, para escoger entre sus nietas, las infantas de Castilla -hijas de su hija Leonor y de Alfonso VIII de Castilla- a la que se convertiría en la esposa del hijo de Felipe II Augusto, el futuro Luis VIII. La escogida sería Blanca, una de las reinas de Francia más célebres, regente del reino en tres ocasiones y modelo de virtud y habilidad política.

Murió el 1 de abril de 1204 en la Abadía de Fontevrault, a los 82 años de edad, siendo sepultada allí mismo junto a su esposo Enrique y su hijo Ricardo.

LUCRECIA BORGIA
Lucrecia Borgia (en valenciano Lucrècia Borja, en latín Lucretia Borgia, en italiano Lucrezia Borgia) (18 de abril de 1480 - 24 de junio de 1519) fue la hija de Rodrigo Borgia, el poderoso renacentista valenciano que más tarde se convertiría en el Papa Alejandro VI, y de Vannozza Cattanei. Uno de sus hermanos fue el notorio déspota César Borgia. Más adelante la familia de Lucrecia representó como ninguna las impopulares políticas del maquiavelismo y la corrupción sexual comúnmente asociadas a los papados renacentistas. No se conoce ningún retrato auténtico de Lucrecia, aunque una serie de pinturas, como el fresco de Pinturicchio o los retratos de Bartolomeo Veneto, se cree que la usaron de modelo. A menudo estas imágenes no son más que una parte del mito de Lucrecia.

Demasiado poco se conoce de Lucrecia para tener la certeza sobre la veracidad de las historias que le atribuyen una participación activa en los crímenes de su padre y de su hermano. Su padre o su hermano con seguridad le concertaron una serie de casamientos con hombres importantes o poderosos de la época, siempre con las ambiciones políticas de la familia en mente. Lucrecia se desposó con Giovanni Sforza (Señor de Pésaro), Alfonso de Aragón (Duque de Bisceglie), y con Alfonso d'Este (Príncipe de Ferrara). Los rumores sobre Alfonso de Aragón hablaban de que era un hijo ilegítimo del Rey de Nápoles y de que César Borgia pudo haberlo asesinado cuando su valor político empezó a eclipsarse.

PRINCESA DE EBOLI
Ana de Mendoza y la Cerda (1540-1592), era hija única de Diego de Mendoza, Príncipe de Mélito y nieto del Gran Cardenal Mendoza. Diego se casó en 1538 con Catalina de Silva, hermana del entonces Conde de Cifuentes. Ana nació en Cifuentes y murió en Pastrana, por lo que puede considerarse propiamente como alcarreña. Más datos.
Por su educación tuvo un caracter dominante y altivo. Pero también voluble, rebelde y apasionado, como el de los antiguos Mendozas. No hay noticias destacadas de su infancia, salvo la leyenda referente a la pérdida de un ojo por causa de una caida o de la esgrima. Pero este dato no es claro, quizá no fuera tuerta sino bizca. Ciertamente alabaron su belleza, a pesar del parche que la adornaba. El caso es que cuando su boda se la describe como que la novia era "bonita aunque chiquita". Su educación fue nuy influida por las peleas y separaciones entre sus padres, en gran parte debidas al caracter mujeriego de Diego. Ana tomaría partido por su madre.
Esta rica heredera fue casada muy joven en 1552 con Rui Gómes de Silva (1516-1573), noble segundón portugués mucho mayor que ella.Con el favor de Felipe II, Rui entroncó por matrimonio con los poderosos Mendoza. Como la novia era muy jóven, y la familia Mendoza muy poderosa, la novia permanecería unos años en casa de sus padres hasta la consumación del matrimonio. Desde la boda, el padre de Ana les cedió el título Condes de Mélito, permaneciendo él como Duque de Francavilla. Ana acompaña a su madre en 1557 a la Corte que en Valladolid tiene la princesa Regente Juana, y allí se producen nuevos escándalos entre su madre y su padre, el cual tuvo una hija ilegítima (que llamó María de Mendoza) y otra nueva amante después. Ello durante el primer embarazo de Ana, que no hacía mas que padecer y llorar, aunque se dijo de ella "que tiene mas seso que todos ellos".
El matrimonio no se consumó hasta 1557. Ana y Rui vivieron definitivamente juntos desde la vuelta de éste en 1559 y tuvieron seis hijos vivos en los trece años de matrimonio. Rui, aunque tuvo algunos pleitos con su suegro, había logrado entretanto que éste fuera nombrado miembro y Presidente del Consejo de Italia en 1558 y virrey. Los puestos parece que se eligieron principalmente con el objetivo de alejar lo más posible a Diego de su hija y yerno, incluso con el riesgo de provocar una revuelta entre sus gobernados por su caracter.
En su intento, truncado por la muerte, de lograr un poderoso mayorazgo para sus hijos, Rui compró a su suegro Éboli en el reino de Nápoles. Felipe II le nombró Príncipe de Éboli en 1559. Luego compró las villas de Estremera y Valdeacerete, siendo nombrado Duque de Estremera, y para finalizar compró la villa de Pastrana (1569) siendo nombrado en 1572 por Felipe II Duque de Pastrana con Grandeza de España. Por tanto Ana fue la primera Princesa de Éboli y la primera Duquesa de Pastrana. Rui gastó en las compras el equivalente a cuatro años de la renta anual del Duque del Infantado!
En los cuatro años que restaron desde la compra de Pastrana hasta su muerte, mejoró y amplió los cultivos en Pastrana, trajo a moriscos que iniciaron allí una floreciente industria, logró una feria anual con privilegios especiales y fundó, con su esposa, la Iglesia Colegial de Pastrana y favoreció la fundación por Santa Teresa de Jesús de dos conventos Carmelitas en Pastrana en 1569.
Durante el periodo de su matrimonio la vida de Ana fue estable y no se le conocen andanzas ni problemas. Rui la trato tanto como un padre (por la diferencia de edad) como marido, dando estabilidad a esta parte de su vida hasta su repentina muerte. A partir de entonces, su caracter, los problemas de la infancia ya contados y la falta de la única persona que le había dado estabilidad en la vida hicieron que Ana tuviera una existencia problemática
Muerto su marido en 1573, se instaló la desconsolada Princesa en el convento que había fundado Santa Teresa en Pastrana tras llamarla para ello la propia princesa ("la princesa monja, la casa doy por deshecha!", dijo la abadesa) logrando que las carmelitas huyeran de allí trasladandose el convento a Segovia en 1574. Ana mantuvo en el convento una vida rodeada de sirvientas que atendian sus gustos, poco acorde pues con el caracter riguroso que había impuesto Santa Teresa. Ana no fue buena administradora del patrimonio de sus hijos menores de edad.
Para complicar las cosas, en su afán por lograr un heredero varón (o por perjudicar a su hija, no está claro), tras morir su mujer Catalina en 1576, Diego se casó enseguida con Magdalena de Aragón, hija del Duque de Segorbe. Murió en 1578 dejando a su mujer embarazada, para susto de su hija Ana (viuda por aquel entonces), quien no perdió la herencia pues Magdalena tuvo una hija que murió a poco de nacer. Lógicamente todo esto afectaría al equilibrio emocional de Ana.
Volvió a la Corte madrileña por ello e intentó ascender rápido intentando preservar su herencia paterna e intereses. Tuvo gran habilidad en la intriga, heredada de su madre y de los Mendoza. Gran enemiga del partido de la Casa de Alba (el partido opuesto al antaño liderado por su marido y ahora dirigido por Antonio Pérez, nuevo Secretario de Felipe II), la leyenda dice que fue la supuesta amante de Felipe II (lo que niegan Marañón y otros autores) y de su Secretario Antonio Pérez a la vez. De Antonio parece ser que sí lo fuera. Antonio era seis años mayor que ella y no se sabe realmente si lo suyo fue simplemente una cuestion de amor, de política o de búsqueda de un apoyo que le faltaba desde que muriera su marido.
La leyenda (pues cierto no fue) de sus amores con Felipe II ha sido muy usada en la literatura y, por supuesto, en la "leyenda negra". Lo que sí fue cierto era que Escobedo había descubierto sus amores con Antonio, logrando que Ana odiara por ello a Escobedo. La posible denuncia debida a la lealtad de Escobedo al marido muerto seguramente enfurecería por el escándalo al riguroso Felipe II. Parece probable también una intriga compleja de Ana y Antonio acerca de la sucesión al trono vacante de Portugal y contra D. Juan de Austria en su intento de casarse con María Estuardo. El caso es que junto con Antonio, Ana instigó el asesinato de Juán de Escobedo (secretario de D. Juán de Austria) en 1578, logrando la aquiescencia del Rey al convencerle de unas supuestas intrigas de Escobedo.
Felipe II conoció los manejos políticos de Antonio Pérez y, con paciencia, fue preparando su caida. Finalmente Ana fue arrestada con Antonio en 1579, desterrada por Felipe II a Pinto, Santorcaz y luego a Pastrana en 1581, donde morirá atendida por su hija menor Ana de Silva (llamada Ana como la hija mayor de la Princesa, se haría monja luego) y tres criadas. En 1582 Felipe II despoja a Ana de la custodia de sus hijos y de la administración de sus bienes. Es curioso que mientras la actitud de Felipe hacia Ana podría tildarse de cruel, siempre protegió y cuidó de los hijos de ésta y su antiguo amigo Rui. Felipe II nombró un administrador de sus bienes y más adelante llevaría las cuentas su hijo Fray Pedro ante la ausencia de sus hermanos.
Tras la fuga de Antonio Pérez a Aragón en 1590, Felipe II mandó poner rejas en puestas y ventanas del palacio Ducal de Pastrana. La Princesa de asomaba una sola hora al día por la reja que daba a la Plaza, que se llama desde entonces Plaza de la Hora. No está tampoco muy claro el porqué de la mencionada actitud cruel de Felipe II para con Ana, quien en sus cartas llamaba "primo" al monarca y le pidiera en uno de ellos "que le protegiera como caballero". Felipe II se referiría a ella como "la hembra". Ana y Rui están enterrados en juntos en la Colegiata de Pastrana.
Ana favoreció en la herencia a su segundo hijo Diego frente al primogénito Rodrigo. La leyenda negra decía que el segundo Duque de Pastrana, era hijo de Felipe II (algo difícil pues cuando su concepción la madre estaba de postparto, y por tanto en casa, y el Rey Felipe II de luna de miel con la Reina Isabel de Valois, de la que estaba enamorado).
La Princesa de Éboli ha logrado captar el interés de españoles y extranjeros, pero aunque sobran las novelas y abundan los artículos históricos sobre la misma, se echa de menos una biografía actualizada sobre la misma pues la de Gaspar Muro data del siglo XIX.

BLOODY MARY

Bloody Mary es el sobrenombre popular que los ingleses dieron a la reina María I de Inglaterra,

María Tudor, por la dura represión de que hizo objeto a los protestantes en su intento de restaurar el catolicismo.

En la actualidad ha dado nombre a un coctel Cocktaill hecho a base de tomate y vodka cuya atracción reside en las salsas picantes.
Historia
Nadie se pone de cuerdo en quién fue el creador de tan célebre cocktail.

Una de las historias lo atribuye a Fernand Petoit (en 1920), un norteamericano que trabajaba de barman en el Harry’s New York Bar de París, en los años veinte. Lo reivindican también George Jessel y al menos otros dos barmanes neoyorquinos. Otra de las historias, se le atribuye a la Reina María de Inglaterra, la cual en su intenta por "re - catolizar" el Reino, mandó a matar a miles de anglicanos.

MATA HARI

Pocas mujeres han despertado tantas pasiones y sembrado tanto misterio a su alrededor como Mata-Hari, la más legendaria espía de nuestro siglo. Ella misma se encargó durante años de urdir la inextricable red de rumores y fantasías que envolvieron en una nebulosa a aquella bailarina exótica, apasionada, amante de un batallón de caballeros influyentes y arriesgada espía, hasta que las biografías han podido demostrar que la famosa bailarina hindú, aclamada en París, en Berlín y en Montecarlo, no era más que una mentirosa patológica y una aventurera caída en desgracia. Pero lo malo no es que Mata-Hari, o mejor, Margaretha Geertruida Zelle, fuera una impostora, una bailarina abominable y una espía de medio pelo, dispuesta a venderse al mejor postor. Lo peor fue que a causa de sus muchos embrollos se vio condenada a morir a los 41 años ante un pelotón de fusilamiento en el castillo de Vincennes.

Mata-Hari nació en Leeuwarden, Holanda, el 7 de agosto de 1876, y no era más que la hija de Adam Zelle, un modesto sombrerero al que sus vecinos apodaban el Barón, por sus delirios de grandeza y sus costumbres extravagantes. A los 6 años de edad, Margaretha fue matriculado en el colegio más caro de la ciudad y enviada a clase, el primer día de clase, en una carreta dorada tirada por dos cabritas blancas ataviadas como para unos esponsales principescos. Las burlas de sus compañeros no hicieron mella en la futura Mata-Hari, que descubrió pronto el placer de verse convertida en el centro de todas las miradas. Cuando tenía 13 años, el negocio de sombreros de su padre se fue a la bancarrota, como era de esperar, el matrimonio de sus padres se echó a perder, y en menos de dos años, su madre murió minada por las disputas conyugales.

La fama de seductora de Mata-Hari se inició a los 15 años, en la Escuela Normal de Lyden,
donde fue enviada junto con sus hermanos, en vista de la incapacidad del padre para
educarlos con sensatez. La mayor parte de sus años en Lyden la pasó huyendo del acoso sexual y de los castigos del director de la institución, Wibrandus Haanstra, quien, a pesar de estar casado, llegó a arrastrarse a sus pies, a gimotear en público y a escribir horrendas poesías con tal de conseguir sus favores.

En 1895 respondió a un anuncio de solicitud de esposa publicado por Rudolf John McLeod, un oficial holandés conocido por su apego al alcohol y a los burdeles de Ámsterdam. Se casaron ese mismo año cuando ella tenía 19 años y su esposo 39. se trasladaron ya con su primera hija hacia las Indias Orientales, lo que le permitió un contacto directo con la cultura de ese continente. La relación con su marido se colapsó después de perder a su segundo hijo, Norman, el cual murió envenenado aparentemente por una niñera desequilibrada de quien nunca más se supo. A su retorno a Ámsterdam, donde el militar fue absorbido por el alcoholismo y la vida mundana, dejó a su hija y marchó hacia Paris. En ese momento no se volvió a saber más de Margaretha Geertruida Zelle.
Fracasó como modelo de un artista y la mayoría de historias sobre su vida coinciden en que su primer benefactor fue el Barón de Marguerie. El la introdujo a la sociedad como una adolescente oriental. Fue aquí cuando nacieron sus fascinantes historias: Margaretha cambió su acento, y ayudada por su colección de pulseras y adornos de las bailarinas javanesas, además de su increíble imaginación, continuó con la mítica historia de Mata-Hari.

“Mi madre, gloriosa bayadera del templo de Kanda Swandi, murió a los 14 años, el día de mi nacimiento. Los sacerdotes me adoptaron y me bautizaron bajo el nombre de Mata-Hari, que quiere decir “Pupila de la Aurora”, contaba impávida. Decía que en la pagoda de Siva aprendió los sagrados ritos de la danza.

Con este currículo completamente amañado, unas contorciones sensuales y misteriosas, y un cuerpo prácticamente desnudo a excepción de las cúpulas de bronce que cubrían los senos ( en unas declaraciones explicó que no los mostraba porque su ex marido, en un ataque de furia le había arrancado el pezón izquierdo de un mordisco), se dispuso Mata-Hari a conquistar el mundo desde el Museo de Arte Oriental de París.

Durante los primeros años del siglo, Mata-Hari bailó en los refugios de soldados y políticos de todo el globo. A medida que pasaba el tiempo, ella fomentaba su leyenda relatando su biografía de mil maneras diferentes, hasta que nadie sabía muy bien quién era ni de dónde salía.

Tuvo la mala suerte de estar actuando en Berlín cuando estalló la guerra del 14. y lo que es peor, tuvo la mala suerte de ser por esas fechas la amante del jefe de policía de la ciudad, y un poco más tarde de Kraemer, cónsul alemán en Ámsterdam y jefe del espionaje de su país. Los franceses no se lo perdonarían.

Lo cierto es que Kraemer piensa en ella para sonsacar información a los militares franceses. A cambio, naturalmente, de sumas considerables. Tras el regateo, Mata-Hari acepta y se convierte en la agente H-21. Pero la bailarina era ambiciosa e inconstantes en sus afectos, y tal como había hecho siempre en sus amores, decidió jugar a dos barajas y convertirse en agente doble. Ni corta ni perezosa se ofrece en París al capitán Ladoux, a quien sabe al frente del Servicio de Espionaje y Contraespionaje francés.

En un momento en que se combate encarnizadamente en todos los frentes, la obsesión por la traición y por el espionaje se exacerba. Los servicios secretos franceses e ingleses sospechan que Mata Hari trabaja para Alemania. En agosto de 1916, el famoso "deuxieme bureau", la división francesa de contraespionaje, decide ponerla a prueba, confiándole una misión en Holanda. Por un conjunto de circunstancias, no puede llegar a ese país y se dirige a España, centro del espionaje y del contraespionaje internacional. Allí, por propia iniciativa, llega a intimar con el agregado militar alemán, el capitán Von Kalle. Obtiene de él información sobre las maniobras alemanas, que transmite al servicio secreto francés; pero éstos siguen sospechando de ella, pensando que es una agente doble que trata de hacerles creer que apoya la causa francesa.
Este temor se ve confirmado al interceptar mensajes codificados, enviados por Von Kalle al estado mayor alemán, en los que se informa de las misiones y de los movimientos del agente alemán H-21, que coinciden exactamente con los desplazamientos de Mata Hari. De ahí en adelante, el agente H 21 y Mata Hari son una sola persona para la policía francesa y la bailarina es detenida cuando regresa a París, después de su misión, el 13 de febrero de 1917.

Al principio, Mata Hari niega toda actividad en favor de Alemania y pretende haber hecho contacto con el enemigo con el único fin de entregar información a Francia. Después, termina por reconocer que su juego es mas complejo y que, atraída por el afán de lucro, se dedicaba efectivamente a entregar información a los alemanes desde el comienzo de la guerra, aunque afirma haberse burlado de ellos, transmitiéndoles sólo información sin valor. A pesar de todo, el consejo de guerra que juzga el caso la encuentra culpable, ya que considera que los mensajes interceptados y las grandes sumas que Alemania le ha entregado son pruebas abrumadoras, Mata Hari es condenada a muerte.

Su ejecución solo dio más fuerza a la mitología. Una multitud parisina se reunió la mañana del 15 de octubre de 1917. Ese día, vestida de negro, con un sombrero de ala ancha y botas, momentos antes de que un pelotón de fusilamiento del Ejército francés acabara con su vida, la exótica bailarina levantó un brazo para despedirse coquetamente de los soldados que le dispararían. También se dice que rehusó venda y atadura y que miró sin rencor a estos soldados, e incluso hay quien cuenta que no vestía más que un abrigo de piel, del cual se despojó para persuadir a sus ejecutantes. Lo cierto es que murió de los 12 disparos que le fueron destinados y que nadie reclamó su cadáver.

En ese instante nació el enigma de Mata-Hari: “¿Era verdaderamente una agente secreta esta seductora con la que la alta sociedad parisina de principios de siglo se había encaprichado?

Es claro que la joven mantenía continuas relaciones con oficiales alemanes. Para obtener dinero, seguramente les prestó algunos servicios y les transmitió mensajes, cosas que son graves en un período de conflicto, aun si no pudo entregar información importante, susceptible de cambiar la suerte de la guerra. Pero su juego era inaceptable en ese tiempo de guerra y de sufrimiento. Por ello, fue condenada doblemente, como mujer escandalosa y como espía.

Lo único cierto con seguridad es que Mata-Hari sentía una gran obsesión por los uniformes militares, como se puede apreciar en alguna de sus biografías: ”Amo a los militares. Los he amado siempre y prefiero ser la amante de un oficial pobre que de un banquero rico”. Se dice que las pruebas de la investigación que la llevó a juicio y a la muerte permanecerán cerradas por cien años. Sus defensores aseguran que al abrirse, la vida de la "espía más peligrosa de todos los tiempos", dejará al descubierto la historia de una mujer fascinante, por cierto, que trató de sobrevivir en medio de una cruel guerra.

MARGARET TACHER

Margaret Hilda Thatcher /'mɑ:grət 'hɪldə 'θæʧə/, Baronesa Thatcher, OM, LG, PC, FRS, llamada la «Dama de Hierro», nació bajo el nombre de Margaret Hilda Roberts el 13 de octubre de 1925 en Grantham, Reino Unido. Fue elegida primera ministra del Reino Unido en 1979, cargo que ejerció hasta 1990.

Además de haber sido la única mujer en ejercer dicha función, la ocupó por el período más largo que se conoce desde Lord Salisbury y en forma continua desde Lord Liverpool. También ha sido una de las dos únicas mujeres en liderar un partido político importante en esa nación o en ser titular de una de las cuatro Great Offices of State (puestos principales de un gobierno). Es una de los políticas más significativas de la historia reciente, tanto en el Reino Unido como a nivel mundial.

Durante su mandato como Primera ministra del Reino Unido se acuñó el término de thatcherismo para referirse a los puntos ideológicos principales que guiaban su política. Así, el thatcherismo ha sido definido como

una combinación de libertad económica, valores cristianos y conservadores tradicionales, patriotismo británico y una firme adhesión a Estados Unidos y a otros países de la misma cuerda ideológica dentro del mundo angloparlante
Iron Maiden (en inglés: doncella de hierro) es un grupo británico de heavy metal del área de Leyton en East End de Londres. La banda se formó en 1975, por el bajista Steve Harris, un antiguo miembro de Gypsy's Kiss y Smiler. La banda recibio el Premio Ivor Novello en el año 2002, también se les introdujo en el Hollywood's Rock Walk Sus influencias han sido Thin Lizzy, UFO y Deep Purple, entre otros. En la actualidad ha vendido más de 75 millones de álbumes mundialmente.

Iron Maiden ha encabezado varios eventos durante su carrera, en especial Rock in Rio; Donington;[3] "Monstruos del rock"; Festivales de Reading y Leeds y Ozzfest 2005 (siendo este año el único para Maiden, por un altercado que tuvo Dickinson con Sharon Osbourne (esposa de Ozzy y organizadora del evento). Al final del concierto la señora Osbourne tomó el micrófono e informó al público que ellos (Ozzfest) amaban a Iron Maiden y a todo su equipo, pero que Bruce Dickinson era un imbécil
El nacimiento de la doncella [editar]Tras unos cuantos conciertos con esta banda (todos ellos ante escaso público), Steve decidió abandonar el grupo y se unió a "Smiler". Los otros miembros de la banda eran varios años mayores que él, lo cual le sirvió a Steve para acumular una valiosa experiencia, pero no era suficiente para él. Finalmente se dio cuenta de que la única manera de hacer lo que él quería era crear su propia banda y así en 1975, nació Iron Maiden. A Steve se le ocurrió el nombre al ver un objeto de tortura en una vieja película llamada "El hombre de la máscara de hierro". Era un ataúd de metal con multitud de pinchos en su interior donde metían a sus víctimas y las encerraban hasta morir
Iron Maiden es una de las bandas más influyentes en el género de heavy metal, ya que el enfoque melódico de su música ha incitado a muchas bandas a crear sonidos similares. El estilo de canto de Bruce Dickinson presenta una tendencia de voces grandilocuentes, en momentos agudas, que ahora son una norma en el power metal. Además, su estilo armónico ha sido ejecutado por una infinidad de bandas de todas las ramas de metal. Por ejemplo, las bandas de death metal melódico a menudo utilizan armónicos riffs combinados con voz dura. Esto es más evidente en las bandas como Dark Tranquillity e In Flames. Opeth (banda de death metal y progresivo) también hace un amplio uso de este tipo de armonías. En la lista de artistas que Iron Maiden ha influenciado se podrían indicar Therion, Dragonforce, Angra, Sonata Arctica, Trivium, Iced Earth, Children Of Bodom, Cradle of Filth , Testament, Megadeth, Death (en su época más progresiva), Mägo de Oz, Blind Guardian y muchos otros grupos de todos los estilos de metal.

EL CONCEPTO DE MUJER FATAL COMO HEROINA

2008-08-25T11:17:00.001-07:00

EN Este caso el significado de femme fatale adquiere un matiz distinto se refiere a mujeres poco corrientes que se enfrentaron contra el poder y la sociedad
Mujeres excepcionales que lograron cambiar la mentalidad de su tiempo
JUANA DE ARCO

Juana de Arco (c. 1412 – 30 de mayo de 1431)[1] , también conocida como la Doncella de Orléans (o, en francés, la Pucelle), fue una heroína y santa francesa. Su festividad se celebra el día del aniversario de su muerte, como es tradición en la Iglesia Católica, el 30 de mayo.

Nacida en Domrémy, pequeño poblado situado en el departamento de los Vosgos en la región de la Lorena, Francia, entre 1407 y 1412, ya con 17 años encabezó el ejército real francés. Convenció al rey Carlos VII de que expulsaría a los ingleses de Francia y éste le dio autoridad sobre su ejército en el sitio de Orléans, la batalla de Patay y otros enfrentamientos en 1429 y 1430. Estas campañas revitalizaron la facción de Carlos VII durante la Guerra de los Cien Años y permitieron la coronación del monarca. Como recompensa, el rey eximió al pueblo natal de Juana de Domrémy del impuesto anual a la corona. Esta ley se mantuvo en vigor hasta hace aproximadamente cien años. Posteriormente fue capturada por los borgoñones y entregada a los ingleses. Los clérigos la condenaron por herejía y el duque Juan de Bedford la quemó viva en Ruán.

Imagen de un videojuego

La mayoría de los datos sobre su vida se basan en las actas de aquel proceso pero, en cierta forma, están desprovistos de crédito pues, según diversos testigos presenciales del juicio, fueron sometidos a multitud de correcciones por orden del obispo Cauchon, así como a la introducción de datos falsos. Entre estos testigos estaba el escribano oficial, designado sólo por Cauchon, quien afirma que en ocasiones había secretarios escondidos detrás de las cortinas de la sala esperando instrucciones para borrar o agregar datos a las actas.

El grupo de heavy metal le dedicó en su album Sangre de Reyes una cancion

Veinticinco años después de su condena, el Rey Carlos VII instigó a la Iglesia a la revisión de aquel juicio inquisitorial, dictaminando el Papa Nicolás V la inconveniencia de su reapertura en aquellos momentos, debido a los recientes éxitos militares de Francia sobre Inglaterra y a la posibilidad de que los ingleses lo tomaran, en aquellos delicados momentos, como una afrenta por parte de Roma. No obstante la familia de Juana también reunió las pruebas necesarias para la revisión del juicio y se las envió al Papa, pero éste se negó definitivamente a reabrir el proceso. A la muerte de Nicolás V, fue elegido papa el español Calixto III (Alfonso de Borja) el 8 de abril de 1456 y es él quien dispuso que se reabriera el proceso. La inocencia de Juana Domrémy fue reconocida ese mismo año en un proceso donde hubo numerosos testimonios y se declaró herejes a los jueces que la habían condenado. Finalmente, ya en el siglo XX, en 1909 fue beatificada y posteriormente declarada santa en 1920 por el Papa Benedicto XV. Ese mismo año fue declarada como la Santa Patrona de Francia.[2]

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Su fama se extendió inmediatamente después de su muerte: fue venerada por la Liga Católica en el siglo XVI y adoptada como símbolo cultural por los círculos patrióticos franceses desde el siglo XIX. Fue igualmente una inspiración para las fuerzas aliadas durante la Primera y la Segunda guerra mundial.

Popularmente, Juana de Arco es contemplada por muchas personas como una mujer notable: valiente, vigorosa y con una gran fe. Hoy en día es objeto de especial interés en la República de Irlanda, Canadá, Reino Unido y los Estados Unidos. En el movimiento del Escultismo es la Santa Patrona de las guías (rama femenina).
El misticismo de Juana [editar]«Yo tenía trece años cuando escuché una voz de Dios», declaró Juana en Ruán el jueves 22 de febrero de 1431. Eso fue sobre el mediodía en el jardín de su padre. Añadió que la primera vez que la escuchó notó una gran sensación de miedo. A la pregunta de sus jueces, añadió que esta voz venía del lado de la iglesia y que normalmente era acompañada de una gran claridad, que venía del mismo lado que la voz.

La Iglesia Católica y la inmensidad de fieles, reconoció como verdaderas estas apariciones.

Cuando le preguntaron cómo creía que era aquella voz, ella respondió que le pareció un voz muy noble de tal manera que creyó que era enviada de parte de Dios («y yo creo que esta voz me ha sido enviada de parte de Dios»). Así pues, cuando la escuchó por tercera vez le pareció reconocer a un ángel. Y aunque a veces no la entendía demasiado bien, primero le aconsejó que frecuentara las iglesias y después que tenía que ir a Francia y en este sentido la empezó a presionar. Además esta voz la escuchaba unas dos o tres veces por semana. No mucho después, reveló otro de los mensajes clave que le envió, que sería el que ella levantaría el asedio en que estaba sometida Orleans: «Ella me decía que yo levantaría el asedio de Orleans».

Juana de Arco recibiendo el mensaje del arcángel Miguel por Eugene Thirion (1876).El 27 de febrero, Juana identificó estas voces: se trataba de la voz de Santa Catalina de Alejandría y de Santa Margarita de Antioquía, las santas más veneradas del momento, si nos atenemos a la iconografía anterior a Juana.[5] Catalina, es definida a veces como una figura apócrifa a caballo de los siglos III y IV que murió a una edad similar a la de Juana; también erudita (patrona de muchas especialidades intelectuales) y habiendo persuadido al emperador Maximiliano II de que dejase de perseguir cristianos. Después sería condenada a morir en la rueda (un sistema de tortura que fractura los huesos), aunque se dice que ella al tocar la rueda la rompió y finalmente acabó decapitada. Por otro lado, la leyenda de Margarita dice que fue una doncella despreciada por su fe católica a la que ofrecieron matrimonio a cambio de la renuncia a esta fe. Ante su negación, fue torturada de manera que se escapó milagrosamente diversas veces, hasta su muerte definitiva. Así pues, además de morir virgen fue mártir.

Juana, afirmó que las había reconocido gracias a que ellas mismas se habían identificado, algo que ya había declarado en Poitiers cuando la interrogó la corte del Delfín sobre las visiones. Se negó a dar más explicaciones, emplazando a los jueces a ir a Poitiers si querían conocer más detalles.

Sobre el año en que sucedió, primero había dicho que fue cuando tenía trece años y luego detalló que hacía siete años que estas voces le aconsejaban y la protegían; por lo tanto, restando siete años al día del interrogatorio, se encuentra que en 1424 se le habrían aparecido por primera vez las visiones.

Juana, explicaría entonces, antes de mencionar el nombre de las santas, la misión que la voz le encargó. Pero después de mencionar a éstas, los jueces le preguntaron de quién era entonces la primera de las voces que había escuchado, aquella que le había causado tanto miedo siete años atrás. Ella, que todo lo que iba respondiendo, lo hacía con muchas reservas y a cuentagotas resistiéndose varias veces, respondió que fue San Miguel (San Miguel, protector del reino de Francia), al que vio con sus propios ojos y no solo, sino acompañado de ángeles del cielo. Así, por orden de Dios partió a liberar Francia.

MANUELA MALASAÑA
Manuela Malasaña Oñoro (Madrid, 10 de marzo de 1791 - Madrid, 2 de mayo de 1808) fue una de las víctimas del Levantamiento del 2 de mayo de 1808 reprimido por las tropas napoleónicas destacadas en la capital española, cuya memoria es honrada como una de las heroínas populares de aquella jornada y de la posterior Guerra de la Independencia Española.

Era hija del panadero francés Jean Malesange, españolizado "Malasaña", y de su esposa Marcela Oñoro. De profesión bordadora, vivía en la calle de san Andrés nº 18.

Las circustancias de su muerte son discutidas. Según una versión de los hechos, a imagen de otras jóvenes, se incorporó a la defensa del Parque de Artillería de Monteleón, situado en la posteriormente bautizada como Plaza del 2 de Mayo, liderada por los oficiales Luis Daoíz y Pedro Velarde, facilitando el suministro de pólvora y municiones.[1] Según otras versiones, Malasaña habria quedado en su taller al abrigo de la lucha, pero al cruzarse con una patrulla de soldados, estos habrían intendo abusar de ella mientras la registraban, y al defenderse, habría dejado al descubierto las tijeras propias de su profesión que en ese momento portaba. Acusada entonces de ocultar un "arma", fue ejecutada y su cuerpo registrado con el nº 74 en la relación de 409 víctimas que se conserva en los archivos militares y municipales de Madrid, estudiados en 1908.

Fue enterrada en el Hospital de la Buena Dicha en la calle de Silva que había sido fundado en 1594 y que acogía a la gente pobre. En este lugar fueron atendidos muchos de los heridos en este día del 2 de Mayo y fueron enterrados muchos de los caídos.

Su retrato se encuentra en la Sala de Heroínas del Museo del Ejército.

Manuela debía ser famosa en su barrio por su juventud y simpatía, y el hecho de morir tan joven y entregando su vida a la causa de la libertad hizo que se creara en torno a su memoria una gran leyenda de heroína. Madrid dedicó a su memoria un barrio: el barrio de Malasaña. Móstoles le dedicó tiempo después una calle y una estación de metro en la Línea 12.

AGUSTINA DE ARAGON

Durante el asedio de Zaragoza, Agustina llevó a cabo la acción heroica que la hizo célebre. Tras haber caído heridos o muertos todos los defensores de la puerta llamada del Portillo, las tropas francesas se aprestaron a tomarla al asalto. La situación era desesperada y entonces Agustina, que formaba parte de un grupo de mujeres que atendía a los numerosos heridos, consiguió disparar un cañón sobre las tropas francesas que corrían sobre la entrada aparentemente indefensa. Los asaltantes franceses, temiendo una emboscada, se batieron en retirada y nuevos defensores acudieron a tapar el boquete, defendiéndose la ciudad una vez más.

Agustina de Aragón murió en Ceuta, el 20 de mayo de 1856, a los 71 años de edad. Hasta 1870 no fueron trasladados sus restos a Zaragoza, descansando primero en el Pilar y, desde el 14 de junio de 1908, en la capilla de la Anunciación de la Iglesia de Nuestra Señora del Portillo, donde son venerados como los de una gran heroína que con valor y decisión repelió las adversidades y venció al enemigo. Se la considera como uno de los símbolos más representativos de la resistencia española contra los invasores napoleónicos.

V DE VENDETTA
Tras la tercera guerra mundial, Inglaterra es tomada por la ultraderecha fascista Norsefire y se sume en un régimen totalitario, que controla a la población mediante los métodos habituales (policial, propagandístico, etc) y otros tecnológicos (cámaras, micros, etc). Sin embargo, un terrorista subversivo que se autodenomina V y que se oculta disfrazado de Guy Fawkes, no piensa permitir que ese régimen perdure mucho más. Al inicio de su campaña, V se encuentra la joven Evey Hammond, la cual se convierte en su más fiel aliada contra Norsefire.

El tema principal de la historia es la batalla convulsiva entre la anarquía y el fascismo, como las únicas formas de vida política frontales.

La historieta se divide en tres libros, y un interludio:
Evey Hammond es un personaje ficticio de la novela gráfica V for Vendetta creada por Alan Moore y David Lloyd, quien se involucra en la vida de V cuando ésta es rescatada por él de un grupo de policías secretos de Londres.

Orígenes [editar]Evey creció en Shooters Hill al sudeste de Londres. De niña quedó huérfana al morir sus padres; su madre murió durante una guerra nuclear a comienzos de los 80 y su padre fue arrestado y ejecutado por el régimen dictatorial de Norsefire que tomó el poder tras la guerra, debido a sus tendencias políticas socialistas. Enviada a una institución para menores, fue forzada a trabajar empaquetando fósforos en cajas para exportación y luego comenzó a trabajar en una fábrica de municiones.

Sumida en la pobreza, Evey se convirtió en prostituta. El primer cliente que apareció fue uno de los "Señaladores", un miembro de la policía secreta de Norsefire. A punto de violarla, fue salvada por un misterioso hombre que utilizaba una máscara de Guy Fawkes y una capa negra haciéndose llamar "V". V permite que Evey pueda ser testigo de su atentado al Parlamento y al Big Ben.

El enmascarado lleva a la chica a su escondite subterráneo secreto al cual llama "La Galería de las Sombras", y le venda los ojos para que pueda reconocer le trayecto por el cual llega a ese lugar. Evey confía en V, contándole sobre la muerte de sus padres y éste le consuela, acto que lleva a la secuestrada a depender de él por su seguridad. Cuando Evey se ofrece para pagar la deuda con V, éste la disfraza de niña pequeña para que sirva de anzuelo en complicidad al asesinato de uno de los antiguos miembros de Norsefire, un arzobispo pedófilo. Esto le produce una sensación de culpa por tomar parte del asunto y se da cuenta de que V es más siniestro de lo que sospechaba.

Versión fílmica Evey fue interpretada por Natalie Portman en la adaptación cinematográfica de 2006. En la película, Evey no es una prostituta pero de todas formas es capturada por los "Señaladores" durante el estado de sitio en la ciudad. Sus primeras apariciones no indican la inocencia de los 16 años del cómic sino el carácter de una joven más grande, independiente y libre pensante.

TB HAY UN GRUPO ESPAÑOL DE ROCK AND ROLL QUE TIENE UNA CANCION LLAMADA VENDETTA
SE LLAMAN GUITAR MAFIA Y EN SUS CANCIONES APARECEN TODOS LOS TIPOS DE MUJER FATALE REFLEJADAS POR MEDIO DE SU ROCK AND ROLL TATUADO COMO LO LLAMAN ELLOS
Sus conciertos estan basados en un derroche constante de energia, actitud, y espectaculo. En referencia a esta puesta en escena es una de las bandas con mas desarrollo escenico desprende, tanto en imagen, parafernalia y musica, todo ello por supuesto equilibrado en su justa medida

CANCIONES COMO KATE MOSS , VENDETTA, Niña Diablo O MY MEGASPLAHS DE LOS MOTOSIERRA
Y ELLOS SI QUE SON EL REFLEJO MASCULINO O SEA SE LOS HOMBRES FATALES
BUEN ROCK AND ROLL DIRECTO AL TIMPANO

las femme fatale del arte contemporáneo

2008-08-24T15:20:00.000-07:00

martes 5 de junio de 2007
Marina Abramovic (Belgrado, 1946)
“Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora.”

Hija de guerrilleros yugoslavos, Marina Abramovic es una artista de largo recorrido lo que la ha convertido en uno de los performers más veteranos y poderosos del panorama artístico contemporáneo con base en su propio cuerpo y su propia mente, además de la relación con los espectadores a los que, en ocasiones, convierte en actores necesarios para el correcto desarrollo de la performance.

Su trabajo ha ido evolucionando con el paso del tiempo, desde unos primeros trabajos en los que buscaba fundamentalmente rebelarse contra una educación que sentía como una losa que le impedía desarrollarse como persona, inmersa en el triste ambiente cultural de la Yugoslavia de Tito, hasta llegar a unas propuestas en las que explora el aspecto espiritual del sexo como hace en la serie Balkan Erotic Epic (Épica Erótica Balcánica).

Lo que no ha perdido por el camino es la simbiosis que siempre busca entre el arte y la vida, uniendo sus propias experiencias vitales con el mundo de la creación entrando de lleno en el mundo del body art (arte corporal o del cuerpo) para llegar hasta los límites más extremos, tanto desde el punto de vista psíquico como mental, hasta llegar incluso a poner su vida en peligro.

A pesar de lo que pudiera parecer en un primer golpe de vista, el trabajo de Marina huye del sensacionalismo; es un trabajo de un profundo trasfondo filosófico donde el miedo, la incomunicación o la soledad, algo aparentemente (pero sólo en apariencia) contradictorio con la necesaria presencia del público, que llega a ser una parte activa con la que la artista dialoga y obliga a enfrentarse a las mismas sensaciones que Marina experimenta en muchos de sus trabajos.

Algún crítico ha definido las performances de Abramovic como “una verdadera radiografía de una sensibilidad intensa y emocional a la búsqueda de una profunda espiritualidad que le confiera el equilibrio vital y un estado de conciencia superior.”

En un buceo introspectivo carente de prejuicios o de complejos, encuentra Marina Abramovic el material fundamental que luego se fundirá con referencias multiculturales fruto de sus contactos con la cultura tibetana, con tribus africanas o de sus estancias en los desiertos del Sahara o del Gobi.

Fundamental en el desarrollo de su trabajo fue la relación tanto personal como artística con el artista alemán Ulay, que se extenderá entre 1975 y 1988, relación que se cerrará con la performance titulada Lovers (Los amantes) que fue la que puso fin a la relación entre ambos. Para ello recorrieron 2.000 kilómetros a lo largo de la Gran Muralla China en 90 días para llegar, partiendo cada uno desde un extremo distinto, a la población china de Er Lang Shan un 27 de junio de 1988. Caminaron hasta encontrarse e inmediatamente volver a separarse ya para siempre. “Esta puesta en escena de una geometría del amor hizo que la dolorosa separación de sus biografías individuales pareciera el inevitable resultado de las leyes de la vida”, ha escrito Petra Löffler.

Uno de sus trabajos más recientes es Balkan Erotic Epic, una serie en la que se incluyen diferentes obras grabadas en video o con soporte fotográfico, en la que indaga en torno a la relación entre el sexo y la muerte. Para ello investigó en torno a los antiguos rituales paganos, que todavía hoy perviven en la cristiana Serbia, y que se utilizan con el fin de “propiciar la fertilidad de la tierra, para pedir lluvias, para la sanación... La energía sexual era transformada para el contacto con las energías invisibles.”, tal y como ella misma explicó en una entrevista en el periódico El País.

Sus obras tienen mucho de ritual, de trascendencia más allá del miedo al dolor físico, de lograr un estado mental y físico que le permita entrar en una dimensión en la que esas limitaciones ya no proyecten ninguna sombra sobre su mente ni sobre su vida. La vida.

Videos de sus performances se pueden encontrar en Youtube. No son aptos para todos los públicos.

MARINA NUÑEZ pOR JOSE JIMENEZ SACADA DEL APARTADO DEL MUNDO DEDICADO A ARTISTAS DEL SIGLO XXI

¿Quién soy yo? La pregunta, persistente, insidiosa, se desliza como una de las interrogaciones más intensas en los espacios de incertidumbre de nuestra cultura. ¿Quién soy yo? Me pregunto. Nos preguntamos, tras el final de la era de las certezas, en la que el varón europeo blanco se veía a sí mismo como la cima de la civilización
Inteligencia y compromiso, en lugar de superficialidad y cinismo. Sin pretender reasumir la propuesta de una transformación global de la sociedad a través del arte, característica de la vanguardia clásica, Marina Núñez se sitúa en una línea de "transformación de lo simbólico", de lucha "en el terreno de la representación". Que puede, nos dice, "no ser una transformación política en sí misma, pero evidentemente está implicada en transformaciones políticas".

Desde que hacia 1992 empezó a introducirse en los terrenos simbólicos e imaginarios de la exclusión, Marina
Núñez ha sabido crear un lenguaje de una gran potencia plástica, uno de los más personales y característicos en
nuestro arte actual, en el que resuenan la duda y la ironía: ¿estamos seguros de lo que excluimos y de por qué lo excluimos? Imágenes densas, desdobladas, que en su fluir han ido articulándose en series: Locura, Muerte, Monstruas, Medusas o, la última, Ciencia-ficción.

La figura de la mujer ocupa un espacio central en ese mapa de exclusiones, una forma de resaltar en la imagen el lugar relegado que tradicionalmente se le ha asignado en la historia de nuestra cultura. Pero lo decisivo es el desdoblamiento. Las locas que retornan desde el drama de la histeria se duplican en un espejo flotante, sin marco ni perfil. Objetos colgantes sobre figuras, cráneos superpuestos en cabezas, incisiones en la carne, un cuerpo dentro de otro. La cara que nos mira fijamente desde el fondo del cerebro del cyborg.AQUI SE PUEDE ENGANCHAR CON EL APARTADO ANTERIOR

Marina Núñez nos muestra aquello que habitualmente no sabemos ver, pero que sin embargo nos configura como verdaderamente somos. Porque, evidentemente, la proyección del otro negado brota de nosotros mismos. El monstruo germina en nuestra mente, Frankenstein es nuestra criatura. Algo que el movimiento romántico constituyó en uno de sus temas centrales: no hay yo sin su doble.

Lo más interesante es el giro poético, el tono personal. A pesar de sus anomalías, las figuras de excluidas y excluidos de Marina presentan siempre una claridad, una pureza de líneas, una belleza quizás inquietante pero serena, nunca convulsa o desgarrada. Se trata, en realidad, de mostrar cómo la exclusión se sustenta sobre todo en la ignorancia. Pero también en el deseo reprimido.

MONA HATOUM
Mona Hatoum nació en 1952 en Beirut, de padres palestinos, pero creció en Londres por esas cosas del azar: estando de vacaciones en la isla, estalló la guerra civil en el Líbano y Hatoum se vio obligada a quedarse allí por tiempo indeterminado. Nunca más regresó a su casa. La distancia y la idea de estar en el camino marcarían para siempre su trabajo. Entonces, Hatoum centrifugó la experiencia del desplazamiento y el exilio más la sensación de vulnerabilidad ante las estructuras de poder para crear una obra que oscila entre el deseo y la repulsión, el miedo y la fascinación.

“Crecí rodeada por la guerra y mi identidad fue conformándose por fragmentos, piedritas que fui recogiendo acá y allá”, explicó Hatoum. Uno de esos fragmentos tiene que ver con la destrucción de la idea del hogar como un lugar seguro, apacible y estable. Las cosas que un minuto antes nos resultaban familiares, en Hatoum se vuelven amenazantes. En Sous tension, una tabla de madera exhibe varios utensilios de cocina conectados por medio de una enmarañada red de cables que los ilumina. A su vez, la instalación está separada del espectador por un alambrado eléctrico. En la soledad de la sala se escucha el zumbido de la electricidad circulando por el ambiente. Es una imagen de cuento de hadas, las cucharas, cacerolas y sartenes parecen luciérnagas en un jardín nocturno y a la vez, si lográramos tocarlas, nos darían una descarga mortal. Es una obra que hace del hogar, una prisión; de la cocina, núcleo de la felicidad familiar, un infierno de neurosis. “Y sin embargo –dice Hatoum–, el arte no debería predicar. Intento hacer objetos lo suficientemente ambiguos y abiertos para que hoy sean esto y mañana otra cosa.”

La inestabilidad de Hatoum arrasa con todo lo que dábamos por seguro: unas muletas chorrean como chocolate derretido; un mapa de Jerusalén aparece perfectamente dibujado en el suelo de la sala, pero cuando uno pisa el parquet, el diseño de desarma, descomponiéndose en mil bolitas que corren por el piso volviendo al territorio, no sólo caótico sino, también, peligrosamente resbaladizo; en una habitación, una bombita de luz se bambolea del techo lentamente, haciendo que las sombras nos mareen hasta paralizarnos. Como explica ella: “Una obra de arte primero se siente físicamente; las asociaciones, ideas y conceptos vienen después de ese choque inicial”.
Pero probablemente haya sido el crítico literario y defensor de la causa palestina, Edward Said, quien mejor definió el trabajo de la artista: “Mona Hatoum ve el mundo entero como una tierra extranjera. El exiliado sabe que en un mundo secular y contingente, los hogares son siempre provisionales. Las fronteras y las barreras que nos encierran en la seguridad de un territorio que nos es familiar, pueden, en un abrir y cerrar de ojos, convertirse en nuestra peor pesadilla. Lúcidamente en Hatoum, la idea del hogar como un paraíso mítico ha sido barrida literalmente del mapa”.

Aunque palestina, nace en Beirut, ciudad a la que tuvieron que emigrar sus padres en 1948 abandonando Haifa y a la que, posteriormente, ella misma no puede regresar cuando, de viaje en Londres, estalla en 1975 la guerra civil libanesa. Tras unos primeros años en la Byam Shaw School of Art, pasa a la Slade School of Art, también en Londres, donde estudia con Stuart Brisley, una de sus primeras influencias, a comienzos de los años 80, cuando empieza a realizar performances y vídeo.

Tras un primer tiempo de experimentación formal en el que establece la que sería una relación duradera con el Minimalismo, su paso por la Slade la politiza llevándola a un terreno más conceptual en el que primaría su preocupación por el funcionamiento de las estructuras de poder.

Es en este contexto en el que lleva a cabo la mayoría de sus performances cargadas a menudo de un denso contenido político. En un segundo momento, pero también dentro de esta primera etapa en la que su trabajo aparece marcado por acciones temporales, tiene lugar la elaboración de vídeos, entre los que nos encontramos con obras tan significativas como Measures of Distance (1988), que trata temas como la representación de estereotipos femeninos o las relaciones materno-filiales, dentro, eso sí, de un encuadre marcado por el sentimiento de pérdida y desorientación que trae consigo el exilio y la comunicación en el desplazamiento.

Su trabajo en los años 90 ha evolucionado hacia obras menos narrativas que permiten, por tanto, un mayor nivel asociativo. A través de las esculturas y las instalaciones, Hatoum realiza obras que parecen hacer referencia al Minimalismo, aunque tan sólo desde un punto de vista puramente formal y de utilización de materiales. En ellas hay una continua negociación con el cuerpo del espectador, al que implica física y emocionalmente en un espacio del que paradójicamente el cuerpo humano permanece ausente y que él/ella con su presencia está llamado a sustituir. Sus instalaciones nos trasladan, a menudo, a un espacio de fantasía en el que, como sucede en Corps étranger (1994), nos enfrentamos al poder metafórico del cuerpo en general a través de conceptos como lo público y lo privado en la imagen del cuerpo femenino.

En los últimos años, la ambivalencia simbólica que otorga a los objetos cotidianos ha ido tomando cada vez más peso en sus instalaciones. Todo aquello que en teoría nos resultaba conocido y acogedor, se metamorfosea en algo remoto y, a menudo, espeluznante. El "hogar", en las obras de Hatoum, ya no puede proporcionarnos esa sensación de sosiego y refugio con el que antes lo asociábamos. Las alteraciones introducidas por la artista rompen constantemente esas expectativas. Ya sólo nos queda un espacio inquietante en el que pensar una nueva definición de "hogar".

CHRISTINE BORLAND

Chistine Borland. De ésta, oriunda de Glasgow, aprecié los vínculos que quiere establecer entre el arte y la ciencia médica. Vínculo que establece desde una postura ética, mostrándonos las repercusiones de los fenómenos médicos. Esto supone adentrarse en la forma de entender el cuerpo humano como manifestación social o representación humana. La obra que me sorprendió se titula After a true Story- Giant an Fairy Tales (1997) . En ésta, como se puede ver en la imagen, se muestra la silueta, hecha en polvo, del esqueleto de un gigante. Sobre esta silueta se proyecta una luz que dibuja la sombra del esqueleto sobre la pared. El planteamiento de la obra se hace más interesante por el hecho de que junto a la silueta del gigante se presenta la página de un libro de anatomía en la cual se cuenta la historia del gigante al cual corresponde el esqueleto dilucidado. La presentación de la historia se hace sin la intención puramente médica, lo cual nos extraña, se hace resaltando lo extrambótico del caso médico así como el hecho de que el gigante, apodado “The Irish Giant”, fuera un espectáculo de una feria ambulante.

La incluisión de esta historia en la obra de arte nos da a entender dos cosas. En primer lugar, la artista es conceptual: lo que en su obra destaca es la idea y la historia más allá de la propia ejecución de la obra. La obra es tenue: una silueta en polvo y en sombra; sin embargo está cargada de significado. Siendo éste el segundo elemento a entender, en mi opinión. La obra se establece como una reflexión que vincula la causistica médica con el espectáculo. Lo grotesco del tamaño del individuo, Charles Byrne, a causa de una enfermedad, gigantismo, se convierte en una representación lúdica para el espectador. La obra de Borland hace lo mismo pero mostrándonos el anverso de la historia. La sombra que proyecta la silueta de polvo es la misma que en su día proyectaría la figura del gigante siendo también un espectáculo pero, esta vez, comentado por la propia historia personal del individuo, algo que en su día no encontrarían los espectadores. La historia del individuo está cargada de dramatismo, se destaca su alcoholismo, lo cual nos muestra el lado personal, más allá de la mera figura de 2 metros con 49 centímetros.
The velocity of Dreps (2004). Ésta es también una fotografía. En ella contrasta el color rojo de una sandía reventada con el verdoso marrón del suelo. El contraste es fuerte dándole tensión a la fotografía. Es esta la intención de la autora la cual se aprecia aún más si atendemos a su explicación. La sandía se utilizan en medicina forense porque openen la misma resistencia a la caída que el craneo humano. Por tanto de simples sandía pasamos a la escena tal vez de un asesinato, de un suicidio o un accidente. La obra se tensa aún más desde su significado. El arte de Christine Borland abraza pensamiento científico y de investigación para explorar la todavía frágil naturaleza resistente de la vida humana.. Los métodos y materiales Christine Borland elige para su arte (como la araña de dragalina de filamentos, china de hueso, bronce y vidrio) contrastan con la gravedad de las cuestiones que aborda: la genética, la identidad individual, la ética médica y la mortalidad. Christine Borland inmersión en el ámbito de la ciencia nos permite ver las cuestiones controvertidas y avances significativos en singular y formas inesperadAS En el núcleo de la práctica de Borland es una fuerte curiosidad por los supuestos subyacentes que guían la investigación científica y siguen inexploradas.. Durante la última década ha colaborado con osteologists para analizar los huesos, los expertos en reconstrucción facial para reconstruir rostros en las calaveras, los genetistas para estudiar las pruebas prenatales y bioquímicos para explorar la estructura celular.

"El corazón de lo que estoy tratando de discutir es muy oscuro, muy fuerte y apasionada, y si se puede llegar bastante que a través de un proceso racional, creo que se vuelve más poderoso, y, sobre todo, más personal para el espectador".

NAIZA H KHAN

[url=http://img206.imageshack.us/my.php?image=naiza2qi0.jpg][img=http://img206.imageshack.us/img206/382/naiza2qi0.th.jpg][/url][url=http://g.imageshack.us/thpix.php][img=http://img206.imageshack.us/images/thpix.gif][/url]

Naiza H. Khan, artista pakistaní que dentro de un mes presenta su primera exposición europea en solitario, The Skin She Wears. Proyecto que comenzó hace una década como una estrategia de exploración del contenido emocional de la anatomía femenina a través de sus atavíos: algunos anacrónicos, como los cinturones de castidad, otros, como el corsé, no tanto; siempre algún cliché, lencería; apropiaciones de género, la armadura medieval de Juana de Arco; diseños asexuales, camisas de fuerza…

En los dos últimos años muchos de sus dibujos se han metalizado en faldas-armadura, cuerpo y ropa al mismo tiempo. Símbolos, para Naiza, de seducción y opresión. Prendas que ocupan un espacio ambiguo entre el amor y la guerra. Según la propia artista, esta obra es una respuesta armada, pero discreta, a la agresividad con la que muchas compatriotas defienden vestimentas asociadas a creencias religiosas. ¿El hábito de monja? No, el hijad. De hecho, su reciente instalación en ArtDubai 2008, The Crossing, causó un cierto revuelo. Con esta obra (un barco de madera, armaduras galvanizadas, telas y cuero), Naiza daba a entender como en su país, de alguna forma, aún se vive en la edad media. Ahora, lo hace con esta exposición, un pequeño ejército de 15 armaduras (esculturas en acero, dibujos y acrílicos). Las obras, disponibles en ediciones de tres, oscilan entre 1.000 y 10.000 libras esterlinas (haz tú mismo el cambio); pero, siempre te quedará el catálogo. La expo es en Londres, en la Rossi & Rossi.

jueves 21 de junio de 2007
Nacida en 1982, natural de San Francisco y graduada con distinciones en la Universidad de Arte de la misma ciudad, la capacidad artística de Sylvia Ji parece pertenecer a otro tiempo. Su trabajo encapsula una belleza fascinante que compite con su técnica.
Algunas de sus pinturas son reflexiones simbólicas de sí misma, retratos de gente que conoce o caras anónimas, sin nombre, encuadradas en paisajes de efímera belleza, donde la provocación sexual se mezcla con la consternación.

Sacado de la siguiente web http://paraisohibrido.wordpress.com/2007/11/06/silvia-ji/

Bello y provocativo, asi son las obras de Silvia Ji.

Chica asiatica, nacida en el decadente San Francisco … ayudandose de su medio entorno como inspiracion, expresando todo lo que ve por medio de un pincel y pintura … plasmando como la realidad se amolda a su imagnacion.

Una mezcla de culturas, tomando en cuenta la Mexicana; con temas sociales fusionados con un erotismo provocativo.

STREET QUEEN ( INFO SACADA DE LA WEB UNO DE LOS NUESTROS)

se da a conocer en deviantArt como streetQueen´s y firma como uu. Ella es una fotógrafa de Turquía y me ha fascinado su trabajo. Sus imágenes son una curiosa mezcla de fotografía casera de estilo surrealista. Desenfoques y superposiciones y todo un elenco de efectos nos deja la sensación de estar contemplando viejas estampas de algún álbum familiar olvidado en un viejo baúl.

Sin embargo tienen un potencial tremendo y muy original que te atrapa al primer vistazo. Es el tipo de fotografía que me gustaría hacer, que destila sentimientos, que resulta efectista sin necesidad de provocar, y que provoca un sinfín de sensaciones tanto en la forma como en el contenido. Ella trabaja sobre todo el blanco y negro, al cual arranca verdaderos destellos de genialidad, pero también en el color nos sorprende gratamente, alejada de tópicos, de efectos gratuitos. Tiene una estructura casi barroca y con cierto aire decadente, pero hay una gran humanidad en esas imágenes. Es la fotografía de andar por casa, lo cotidiano hecho arte. Todo un ejemplo de lo que puede dar de si un ojo tras una cámara. También la encontramos en Flickr como umayumay phostream

SILVIA JI
Nacida en 1982, natural de San Francisco y graduada con distinciones en la Universidad de Arte de la misma ciudad, la capacidad artística de Sylvia Ji parece pertenecer a otro tiempo. Su trabajo encapsula una belleza fascinante que compite con su técnica.

Algunas de sus pinturas son reflexiones simbólicas de sí misma, retratos de gente que conoce o caras anónimas, sin nombre, encuadradas en paisajes de efímera belleza, donde la provocación sexual se mezcla con la consternación.

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Sacado de la siguiente web http://paraisohibrido.wordpress.com/2007/11/06/silvia-ji/

Bello y provocativo, así son las obras de Silvia Ji.
lo que ve por medio de un pincel y pintura … plasmando como la realidad se amolda a su imaginación.

Una mezcla de culturas, tomando en cuenta la Mexicana; con temas sociales fusionados con un erotismo provocativo.

nuevas apariencias de la femme fatale producto de la subcultura contemporánea

2008-08-22T09:27:00.001-07:00

PIN UP REINVENCION DE LAS ORIGINALES
Pin-up

Modelos Pin-Up de la revista Yank.Una pin-up es una modelo cuyas fotografías figuran, principalmente, en las portadas de las revistas o en calendarios, etc. La expresión "pin-up" se popularizó en los EE. UU. en los años 1940, y, luego, se fue haciendo popular internacionalmente. Con este nombre se conocen las fotografías o dibujos de chicas bonitas en actitudes sugerentes o, incluso, nada más que con una sonrisa, o saludando, o mirando a la cámara fotográfica, etc. Su éxito fue tan rotundo que con el tiempo han llegado a influir en muchos terrenos, como el cine, la televisión, la publicidad, los cómics, etc.

Las pin-ups, en la actualidad (principios del siglo XXI), son generalmente modelos fotográficos, actrices de cine, cantantes, modelos de Alta Costura o Prêt-à-porter, etc. Es poco frecuente que una pin-up se dedique exclusivamente a eso.

El término pin-up puede referirse también a dibujos, acuarelas, cuadros u otros tipos de ilustraciones. El término empezó a ser de uso frecuente en inglés en 1941; sin embargo, el uso del término está documentado ya a finales del siglo XVIII. Las imágenes de pin-ups podían recortarse de revistas o periódicos o ser tarjetas postales o litografías. Las fotografías de pin-ups que aparecían en los calendarios estaban hechas para ponerlas en la pared, como un cartel.

Una de las pin-ups más populares fue Betty Grable. Sus fotos estaban en los armarios de muchos soldados durante la Segunda Guerra Mundial. Otras pin-ups eran dibujos, representando generalmente modelos de belleza ideal. Un temprano ejemplo fue Gibson girl, dibujada por Charles Dana Gibson. Hubo artistas especializados en este género, como Alberto Vargas y George Petty. Entre los autores de dibujos de pin-ups, figura también el dibujante y acuarelista estadounidense John Willie, más conocido en el género de la historieta erótica, por su obra Las aventuras de la dulce Gwendoline (The Adventures Of Sweet Gwendoline).

De las pin-up imaginarias, probablemente la más conocida sea Betty Boop, personaje creado por Max Fleischer.

Hasta los años 70, la mayoría de las pin-up fueron actrices cinematográficas. Pero a partir de esa década hubo también cantantes y modelos que fueron famosas como pin-up.

El término inglés ˝cheesecake˝ (literalmente "pastel de queso") es un sinónimo de pin-up. El uso más antiguo del término cheesecake con este significado está documentado en el año 1934, pero se popularizó unos 20 años más tarde, con la frase (refiriéndose a una mujer guapa) ˝better than a cheesecake˝ (mejor que un pastel de queso). Su equivalente masculino son los beefcake (pastel de carne).

En general, las imágenes de pin-up no fueron consideradas pornográficas, y, en la actualidad, (principios de siglo XXI), sólo son censuradas en algunos países, en su mayoría, integristas islámicos. En algunos países donde la mayoría de la población es musulmana, las fotografías de pin-up figuran en la última página de los periódicos, en lugar de en la primera, para que no estén a la vista de los transeuntes cuando están expuestos para su venta, por considerarlo más conforme con la moral, usos y costumbres locales

Primera década del siglo XXI [editar]Britney Spears, cantante, bailarina, actriz estadounidense, nacida en 1981. Princesa del pop.
Christina Aguilera (Christina María Aguilera), cantante estadounidense, nacida en 1980.
Jessica Alba (Jessica Marie Alba), nacida en Pomona, California, EUA, en 1981, actriz cinematográfica estadounidense de origen mexicano.
Monica Bellucci (Monica Anna Maria Bellucci), nacida en 1964, modelo y actriz cinematográfica italiana.
Gisele Bündchen ( Gisele Caroline Nonnenmacher Bündchen), nacida en 1980, top model brasileña.
Kirsten Dunst (Kirsten Caroline Dunst), nacida en 1982, actriz norteamericana.
Carmen Electra (Tara Leigh Patrick), nacida en 1972 actriz y cantante estadounidense.
Fergie (Stacy Ann Ferguson), nacida en 1975, cantante norteamericana.
Ayumi Hamasaki (浜崎あゆみ), nacida en 1978, cantante japonesa.
Scarlett Johansson, nacida en 1984, actriz de cine estadounidense.
Heidi Klum, nacida en 1973, modelo alemana.
Keira Knightley (Keira Christina Knightley), nacida en 1985, actriz británica de cine y televisión.
Karolina Kurkova (Karolína Isela Kurková), nacida en 1984, modelo checa.
Adriana Lima (Adriana Francesca Lima), nacida en 1981, top-model brasileña.
Lindsay Lohan (Lindsay Dee Lohan), nacida en 1986, actriz cinematográfica y cantante estadounidense.
Eva Longoria (Eva Longoria Parker), nacida en 1975, actriz cinematográfica estadounidense de origen mexicano.
Masuimi Max, nacida en 1978, modelo fotográfico estadounidense de origen coreano y alemán.
Mimi Miyagi (Melody Damayo), actriz porno filipina, nacida en 1973.
Rose McGowan (Rose Arianna McGowan), nacida en 1973, actriz cinematográfica estadounidense.
Kat Von D (Katherine Von Drachenberg) ,tatuadora mexicana, nacida en 1982.
Dita Von Teese (Heather Renée Sweet), vedette burlesque norteamericana, nacida en 1972.
Katy Perry (Katheryn Elizabeth Hudson), [(Cantante, actriz y compositora]] estadounidense, nacida 25 de octubre de 1984 (23 años

Dita Von Teese (nombre real Heather Renée Sweet, nacida el 28 de septiembre de 1972 en Rochester, Michigan, Estados Unidos) es una modelo erótica, actriz pornográfica y bailarina burlesque estadounidense.

A los 12 años se mudó al condado de Orange, California con sus padres y sus dos hermanas. Pasó algunos años estudiando ballet, ya que su primera vocación fue la de bailarina. Sin embargo, después lo dejaría para trabajar en una tienda de lencería cuando aún era adolescente. Este hecho, unido a las revistas Playboy de su padre que asegura leía a escondidas, le produjo una fascinación hacia la lencería y la moda retro y poco después empezó a coleccionar ropa, joyas y toda suerte de objetos vintage, principalmente lencería y corsés.
Su carrera en el burlesque comenzó en 1993 y desde entonces ha cosechado un gran éxito, sobre todo con un conocido número en el que se sumerge en una copa de martini gigante. Además, ha colaborado en varias ocasiones con otra bailarina de neo-burlesque, Catherine D´Lish, diseñadora de la mayoría de vestidos, corsés y accesorios que Dita luce en sus shows.

Dita también es conocida por su pasado en películas pornográficas, como Pin-Ups 2, de Andrew Blake, acompañada entre otras por Anita Blonde; Decadence, también de Blake, donde aparece en una corta escena de masturbación, o Slick City: Las aventuras de Lela Devin, de temática sadomasoquista. También ha aparecido en numerosos vídeos para Playboy y otras revistas como Bizarre, para la que actuó en el video fetichista Stiletto Sluts (Putas con estiletos).

Dita ha participado en varios clips musicales, entre ellos Kiss your ass goodbye para Graveyard Farmers (Dita tuvo una relación sentimental con uno de los miembros de esta banda), Waiting for a girl like you, video que finalmente fue cancelado, y el video de Marilyn Manson para la canción Mobscene, en su copa de martini.
También ha escrito dos libros, uno sobre burlesque y otro sobre fetichismo.

Además, la actriz puede contarse entre las personalidades que tienen una bebida que lleva su nombre; el Cointreau Teese, elaborado a base de Cointreau, jugo de manzana, limón y jarabe de violeta.

CYBER PUNKS
explicacion friki macarril
Género de la ciencia ficción que te muestra lo que pasa si las máquinas llegan a dominar el mundo y lo dejan pa la cagá. También muestra mucho cosas como robots que sienten como un ser humano, futuros post-bomba nuclear, seres con superpoderes mutantes y ese tipo de calamidades. También está muy presente en el manga y el anime como un derivado del género Seinen (o Shonen para adultos) y ha influido mucho en este género, especialmente por su apocalíptica obra AKIRA.
No, no se trata de eso el Cyberpunk (aunque lo parezca). Se trata principalmente de cómo la ciencia cambió nuestro mundo, pero para mal. De cómo las máquinas cambiaron nuestra forma de pensar y se volvieron parte de nuestra vida. De cómo los robots se tomaron el control y todo pasó a estar lleno de cables y circuitos. Obviamente todo este género es pura mentira, pero al paso que vamos, donde la tecnología avanza rápido, no dudes en que nuestro mundo se convertirá en una mierda cibernética.
Aparte de los libros, el cine ha aportado un montón al movimiento, logrando producir las primeras pesadillas sobre cómo las máquinas nos violan. He aquí una lista de películas que nos quitan el sueño.

Blade Runner: Una de las películas precursoras de esta mierda, en donde los policías se tienen que encargar de robots con forma humana que son la basura del espacio y que dejan la cagá en la Tierra.
Mad Max: Trilogía en donde muestran cómo un policía con un vehículo al estilo Auto Fantástico se convierte en la leyenda viviente de un mundo hecho mierda, conocido también como el Guerrero de la Carretera. La trilogía que no sólo lo lanzó a la fama, sino que también convirtió a Mel Gibson en un héroe del Cyberpunk en los '80.
Robocop: Eres un policía en servicio en un futuro cyberpunk, pero unos delincuentes te hacen colador. Pero no te preocupes, pues una empresa corrupta te revivirá en un cuerpo robótico y te convertirás en un policía metálico y cabrón que acabará con la delincuencia. Suena bien ¿verdad?
Johnny Mnemonic: Un traficante de datos que tiene un disco duro en su cabeza, pero recibió más info de la que quisiera y ahora lo quieren borrar del mapa. Aunque la película sea una mierda y no tenga mucho que ver con el cuento de Gibson, preparó al gay de Keanu Reeves para el papel de Neo.

Si te llegas a encontrar con este personaje, ten mucho miedo.El Hombre del Jardín: O la guía maestra de cómo convertir a un autista con deficiencia mental en un semidios capaz de controlar el mundo con sólo mover un dedo. Todo esto gracias a la tecnología y la realidad virtual, claro está.
A.I.: Plagio de Tetsuwan Atom de Tezuka hecho por Stanley Kubrick y terminada por San Steven Spielberg, pues el anterior viejo no soportó el trauma de hacerla y se murió a medio camino. Otra vez tenemos un niño robot que quiere ser humano y todo eso.
Matrix: Lo que estás viviendo es todo una mentira, en realidad estás en una incubadora robot que te hace creer que vives en la realidad. Pero existen rebeldes que te desconectarán y verás la verdadera realidad (que también es una mierda). La obra más reciente y conocida en este género y de la que más se acuerdan los n00bs.
Tetsuo: Un japonés fetichista de la teconología , valga la redundancia, descubre para su deleite que su cuerpo se va llenando poco a poc de gadgets de última generación. De este modo descubre que su dedo meñique es un iPod Shuffle, su ombligo es un puerto usb 3.0 y su pene un molinillo del café. La película tiene un final apoteósico donde el protagonista aparece convertido en un carrito de la compra gigante lleno de electrodomésticos.

Aparte de pasar las ya mencionadas pelis y el anime, también hay un par de series (tanto de humanos como de animación) que siguen la misma trama, sólo que en capítulos de TV.

COMIC
¿Quien hubiera pensado que James Cameron hubiera hecho esta serie, no?

Dark Angel: Gringolandia se ha convertido en el nuevo Tercer Mundo ya era hora y ahora son parte de una dictadura. Pero hay una bella chica que un ex supersoldado que intentará detenerlos con su bello cuerpo. La serie que catapultaría a Jessica Alba en la nueva perra bella de Hollywood.

Batman Beyond: Batman está viejo y ya colgó el traje pues su reuma no lo deja ni cruzar la esquina, entonces los malos vuelven a tomarse las calles y a dejar la cagá. Sin mencionar que la tecnología nos ha tragado y todo es tecnológico (si, esto es redundante). Con todo esto, un joven es reclutado por el vejete para convertirse en el nuevo Batman y luchar por la justicia, esta vez con más tecnología que cerebro.
Spiderman Unlimited: El ya famoso geek Peter Parker se cuela en una nave espacial y es transportado a un futuro Cyberpunk típico, donde también tiene que combtir máquinas que nos cagan la vida. Ah, y hasta su traje está hecho de nanomáquinas que le dan aún más fuerza y rapidez que antes, ideal para sobrevivir a ese futuro

Moebius: No, no es el nombre de una obra, sino de un desconocido dibujante francés, cuya parte de su obra habla de futuros alternativos en donde las máquinas se toman todo, así como otras fumadas de porros típicas del comic europeo.
Marvel 2099: Otro de esos futuros alternativos en donde esta editorial del mal propone cómo hubieran sido sus superhéroes si hubieran nacido en algún futuro Cyberpunk como los que se describen aquí. Sí, imagínate a Iron Man conectándose con cables y que su armadura trasmute, o que Hulk se vuelva una bestia genéticamente alterada, y ese tipo de cosas que sólo pasarían en un Cyberpunk.
Tank Girl: Un meteorito cayó sobre la Tierra y la convirtió en un planeta de puro desierto al deshacer toda el agua del planeta, convirtiéndola en el nuevo oro que unos pocos controlan. Y dentro de todo ésto, una chica bien loca que tiene cierto fetichismo con su tanque y por mutantes mezcla entre canguros y humanos. Suena bien raro, pero al venir del que mucho después creó Gorillaz, no es tan sorprendente. Ah, también tiene película, que es tan extraña y retorcida como el comic mismo.
EXPLICACION MAS AMPLIADA PELI
Basada en el comic británico del mismo nombre, "Tank Girl" sigue las aventuras de una exuberante e irreverente mujer en un futuro distópico donde, luego del impacto de un cometa, la Tierra se ha convertido en un desierto donde el agua es el mayor tesoro. Los últimos vestigios de civilización están representados por una malévola corporación, dirigida por el villano Keslee (Malcolm McDowell), quien controla (o intenta controlar) el suministro de agua. Pero los desiertos del planeta están habitados por pequeñas comunidades rebeldes que se oponen a la opresión de la corporación, y es en una de esas comunidades donde habita Rebecca (Lori Petty), quien presencia la destrucción de su hogar a manos de los soldados corporativos. Buscando venganza, la joven contraataca, y elimina a muchos soldados antes de ser capturada. Keslee queda impresionado por la habilidad de la mujer, y le ofrece trabajo como miembro de su ejército. Rebecca rehúsa, por supuesto, y es condenada a trabajos forzados en las minas de la corporación. Entonces, con ayuda de un tanque semi-inteligente y de la tímida, pero mecánicamente hábil Jet-Girl (Naomi Watts), Rebecca escapa y, bajo el nombre de Tank Girl decide destruir la corporación. Sin embargo, sus planes se detienen cuando Tank Girl y Jet Girl son capturadas por los feroces Rippers, demoníacas criaturas responsables por feroces ataques en el desierto. Pero cuando se revela la naturaleza real de tales "monstruos", Tank Girl decide usarlos como aliados en la batalla, que podría determinar el futuro de la escasa humanidad independiente que aún habita el planeta...

ANIME Y MANGA

Anime y Manga Mejor conocido como los "monos chinos", ha sido uno de los responsables de expandir este género de ciencia ficción y hacerlo muy famoso tanto en Japón como en el resto del mundo. He aquí varias obras que han hecho al propio Gibson cagarse en su tumba:

Tetsuwan Atom: El hijo pródigo de Osamu Tezuka (literalmente). Un mundo lleno de tecnología y un profesor que decide construirse un hijo a falta del que perdió en una apuesta. Pero al llenarse de maldad la ciudad y nadie que lo detenga, el mismo Atom se ofrece a ser una máquina de combate, así empieza la leyenda.
AKIRA: Historia basada en un Tokio reconstruido luego de la Tercera Guerra Mundial, lleno de tecnología, de vándalos en motocicletas, de drogas y de cabrones que son manipulados en laboratorio y terminan convirtiéndose en albóndigas gigantes con superpoderes. Horripilante.
Hokuto no Ken: Mejor conocido como Puño de la Estrella del Norte fuera de Japón, también habla de un mundo destruido, pero donde todos son vagos y no lo reconstruyen. Al final todo se vuelve una copia de Mad Max pero con mucha sangre y gore. Su protagonista es Kenshiro, un admirador de Bruce Lee y del mismo Mad Max, cuyos puños rápidos pueden hacer explotar al primero que le pregunte la hora.
Battle Angel Alita: Otro doctor que juega a Frankenstein y crea a una chica con poderes bestiales que cree ser humano y hasta se enamora de uno. Sin mencionar que hace cosas como las chicas de su edad, como el jugar Motorball, romper cráneos y querer ligar con su pareja humana. Se dice también que Chobits es la versión azucarada de esta serie.

Tranquilo, pronto todo terminará ^^.
Ghost in the Shell: Refiérase al manga, la película y todos sus derivados. Aquí si que la tecnología se comió a todos los japos y demases pueblos. Ahora si quieres jugar videojuegos es sólamente cosa de que conectes cables a tu cerebro y a jugar se ha dicho. Dentro de este universo, una bella robot con grandes habilidades se encarga de atrapar y matar a cyberladrones con poderes tan avanzados como ella, todo acompañado de un bicho electrónico que se ha convertido en el fetiche favorito de los frikis. Una de las bases para crear la saga de Matrix.

Serial Experiments Lain: Una chica del submundo que es hacker que se entera de que su amiga se suicidó, sólo para que ella misma le diga que en realidad ha pasado a "mejor vida" en la red y que el Monesvol existe en internet, por lo que Lain buscará porno en la red si esto es cierto o la está agarrando para el hueveo.

Internet y Pastafarismo en esta extraña historia, también una de las bases para Matrix.

Esto probablemente pasará en un futuro Cyberpunk o al menos eso quisieras.Bubblegum Crisis: Mezcla entre Robocop y Robotech, esta serie trata de un grupo de chicas que tienen motos que se montan transorman en robots y que van a pelear contra monstruos creados en laboratorio, todo dentro de un mundo tecnológico y bla bla bla.

Evangelion: Aquí el mundo se hizo mierda por culpa de los ángeles que envió
el Monesvol por la obsesión de los hombres de ampliar Linux y querer convertirse en dioses. Años después, los chinos japoneses reconstruyen Tokyo y crean robots con forma humana para deshacerse de los engendros esos. Lamentablemente, el hecho de que el protagonista sea un mamón gay le quita puntos a la serie.
Metropolis: Aparte de la película añeja, también existe la peli de Osamu Tezuka, que mezcla ese Metrópolis con algo de Tetsuwan Atom. O algo así.
.: En general toda la saga (el anime, el manga, los videojuegos, etc). En pocas palabras es lo que pasaría si juegos como Ragnarok Online llegasen a dominar el mundo y sus consecuencias ni Dios lo quiera que ocurra esto.
Gantz: Un día estás hojeando porno en el metro cuando una vieja te mira. Al poco tiempo terminas arrollado por el mismo metro y ya todo se acaba. Pero te despiertas como en un mal sueño y te encuentras en una pieza con una bola negra gigante que te encomienda matar extraterrestres junto a muchos que sufrieron tu mismo destino. Si eso no es Cyberpunk, ni idea lo que pueda ser...
Herederos de esta mierda [editar]No, no nos referimos a lo que queda de este mundo gracias a estos tipos, sino que a los géneros que se han formado en base al Cyberpunk, que en el fondo son lo mismo, pero con ciertas distorsiones casi tan enfermas como las del tipo que creó este género:

.Steampunk: En lugar de más tecnología, lo que propone este género derivado es volver a lo antiguo, que las máquinas de principios de siglo XX resurjan y nos caguen de igual manera que con las máquinas más evolucionadas (o sea, el sueño de Julio Verne hecho realidad). O sea, el habernos quedado con el vapor y el carbón en lugar de los cables y los videojuegos. Representantes de este género son buena parte de la obra de Hayao Miyazaki, Steamboy de Otomo (el creador de AKIRA) y varios Final Fantasy. También animes como Trigun, Trinity Blood, Escaflowne o Samurai 7, así como toda la saga de Castlevania.

Biopunk: También habla de un futuro hecho mierda gracias a los científicos, pero en lugar de robots, este género habla de la biología y cómo nos cagaron aún más que las máquinas, reviviendo a seres ya extintos y convirtiendo a la gente en mutaciones peores que Tio1.jpg. Representantes de este género son Jurassic Park, Cadillacs y Dinosaurios y la saga Resident Evil de Capcom.

Postcyberpunk: A diferencia de los demases, en este género la misma cagá del Cyberpunk que ya está hecha, pero aquí se lucha por arreglarlo de alguna u otra manera aún cuando sea imposible. El único ejemplo aquí es el del extraño y desconocido manga BLAME!.
Cyberpunk en la realidad [editar]
El hombre del Jardín fue la inspiración de Hawking a ser lo que es hoy.Aunque no lo creas, este género le ha dañado el cerebro a mucha gente, volviéndose seguidora del Cyberpunk y creyendo que realmente las máquinas nos dominarán. Algunas personalidades que lo viven día a día son:

Stephen Hawking: Famoso científico y físico ultraparapléjico que apenas puede mover un dedo, pero que gracias a conectarse con las máquinas ahora es considerado como un ser de culto, como si fuera un enviado del Monesvol, por decirlo menos. Su película favoritas es El Hombre del Jardín, que sería casi como su autobiografía.
Bill Gates: Un simple geek que empezó creando un sistema operativo propio y que ahora es uno de los hombres más ricos del mundo gracias a ello, al punto de tener la ambición de dominar el mundo, tal y como en muchas de las historias que conocemos. Admitámoslo, por muy malo que sean los Güindous, todos tenemos uno en casa (excepto los rebeldes de Linux y Macintosh).
Los hackers e informáticos: Ya que pasan todo el día conectados a los computadores y entremedio de cables, no es extraño que en un futuro no muy lejano se vuelvan parte de las mismas máquinas.
Y en general a todos los que gustan de internet y de bajar las cosas gratis de la red y piratear, los que seguramente serán protagonistas de muchas de estas historias en un tiempo más.
¿Sabías que... [editar]
Adora a tu nuevo Dios.... en esta realidad, Bill Gates logró por fin dominar el mundo (como se muestra en la primera foto)?
... y que Cyberjesús es tu único Dios?
... seremos esclavos de los robots o nos convertiremos en uno?
... me tatué un código de barra en el brazo?
... y ahora me me fastidian cada vez que voy al supermercado?
... aquí definitivamente habrá una Tercera Guerra Mundial?
... y que por lo anterior, prefiero la Edad de Piedra?
... Gibson se llena los bolsillos de dinero mientras lees este artículo?
... y que él acuñó el término de "ciberespacio"?
... por lo que a él se le atribuye la invención de la internet?
... por crear este artículo, mi ordenador/ computador/a me está mirando feo?
Cyberenlaces externos [editar]Manifiesto Cyberpunk (¿creías que te estabamos agarrando pal webeo?)
Página para unirte a la secta
El padre de toda esta mierda, debes conocerlo
Cyberenlaces internos [editar]Isaac Asimov
Robot
Punk
Internet
Hacker
Muerte
Apocalipsis
Bill Gates

explicacon tecnica

Cyberpunk es un subgénero de la ciencia ficción, conocido por su enfoque de "Alta tecnología y bajo nivel de vida" y toma su nombre de la combinación de cibernética y punk. Mezcla ciencia avanzada, como las tecnologías de la información y la cibernética junto con algún grado de desintegración o cambio radical en el orden social.El argumento de la escritura cyberpunk se centra a menudo en un conflicto entre hackers, inteligencias artificiales, y megacorporaciones, tendentes a ser puestos dentro de la Tierra en un futuro cercano, en oposición del futuro lejano o panorama de encuentros galacticos en novelas como la Fundación de Isaac Asimov o Dune de Frank Herbert. Las visiones de este futuro suelen ser distopías post-industriales, pero están normalmente marcadas por un fomento cultural extraordinario y el uso de tecnologías en ámbitos nunca anticipados por sus creadores ("La calle encuentra sus propias aplicaciones para las cosas"). La atmósfera del género en su mayoría hace eco en el cine negro y se utiliza a menudo en este género técnicas de novelas policiacas. Entre los primeros exponentes del género cyberpunk se encuentran William Gibson, Bruce Sterling, Pat Cadigan, Rudy Rucker y John Shirley. El termino Cyberpunk se acuñó en los años '80 y continua siendo actual.

Diferente de la ciencia ficción de la Nueva ola, que importó las técnicas y las preocupaciones estilísticas que ya existían en literatura y la cultura, el cyberpunk se originó en la ciencia ficción primero, antes de incrementar la tendencia dominante de su exposición. A comienzos y a mediados de los años ochenta, el cyberpunk se convirtió en un tema de moda en los círculos académicos, donde comenzó a ser objeto de investigación del postmodernismo. En este mismo período, el género ingresó a Hollywood y se convirtió en uno de los estilos de la ciencia-ficción del segmento del cine. Muchas películas influyentes tales como Blade Runner y la trilogía de Matrix se pueden ver como consecuencias prominentes de los estilos y de los temas del género. Los juegos de computadora, los juegos de tablero y los juegos de rol, tales como Shadowrun o el apropiadamente nombrado Cyberpunk 2020, ofrecen a menudo guiones que están fuertemente influenciados por las películas y la escritura cyberpunk. Iniciandos los años '90, algunas tendencias de la moda y la música fueron etiquetadas como cyberpunk.

Mientras que una gran variedad de escritores comenzó a trabajar con conceptos del cyberpunk, nuevos sub-géneros emergieron, que se centraban en la tecnología y sus efectos sociales de una manera diferente. Los ejemplos incluyen el steampunk, iniciado por Tim Powers, Kevin Wayne Jeter y James Blaylock, y el biopunk (o alternativamente ribofunk), en el cual Paul Di Filippo es prominente. Adicionalmente algunas personas consideran trabajos tales como La era del Diamante de Neal Stephenson como el inicio de la categoría postcyberpunk.
La película Blade Runner (1982), adaptada del libro ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de Philip Kindred Dick, se ubica en una distopía futura en la cual seres manufacturados llamados replicantes son usados como esclavos en colonias del espacio, y en la Tierra presa de varios cazadores de recompensas, quienes se encargan de “retirarlos” (matarlos). Aunque Blade Runner no fue un éxito en su lanzamiento, encontró un gran nicho en el mercado de alquiler de películas. Puesto que la película omite los elementos religiosos y míticos de la novela de Dick (e.g, cajas de empatía y Wilbur Mercer), cae más estrictamente dentro del género cyberpunk que la novela. William Gibson revelaría después que la primera vez que vio la película, se había sorprendido mucho de cómo la apariencia de esta película era similar a su visión cuando estaba trabajando en Neuromancer.

Según lo mencionado anteriormente, la serie de televisión Max Headroom también expandió el cyberpunk, quizá con un éxito más popular que los primeros trabajos escritos del género.

El número de películas de este género, o por lo menos de uno de sus elementos ha crecido constantemente desde Blade Runner. Varios de los trabajos de Philip Kindred Dick se han adaptado a la pantalla gigante, con elementos cyberpunk llegando a ser típicamente dominantes, los ejemplos incluyen Screamers (1996), Minority Report (2002), La plaga (2003) y Una mirada a la oscuridad (2006). Pero desafortunadamente para el argumento original, la película Johnny Mnemonic (1995) fue un fracaso, comercialmente y para la crítica. Los fans de Gibson reclaman que el argumento se desvió sustancialmente del trabajo original, aun cuando Gibson mismo escribió el guión final.

El director Darren Aronofsky ubica su opera prima π (1998) en una Nueva York actual, pero construyo el libreto con influencias de la estética cyberpunk. De acuerdo con comentarios del DVD, el hizo esta producción usando deliberadamente maquinas antiguas (como el diskette de 5-¼ de pulgada), imitando el estilo tecnológico de Brazil (1985), para crear una “sensación” cyberpunk. Aronofsky describe el Chinatown, donde se ubica la película, como “el vecindario ciberpunk después de Nueva York”.

La serie Robocop se ajusta más al futuro cercano donde hay por lo menos una corporación, Omni Productos de Consumo, que es una empresa todo-poderosa en la ciudad de Detroit. Hasta el fin del mundo (1991) muestra otro ejemplo donde el ciberpunk es el tema de fondo, y una estrategia de argumento, para verla de otro modo y dirigir el personaje de la historia. Gattaca (1997) dirigida por Andrew Niccol es un filme negro futurista cuyo empapado modo distópico provee un buen ejemplo del biopunk.

La serie The Matrix, que inicio en 1999 con The Matrix (conformada también por The Matrix Reloaded, The Matrix Revolutions y The Animatrix) usan una amplia variedad de elementos cyberpunk.

El estilo cyberpunk y el diseño futurista han encontrado una gran acogida (y vasta exposición) en el anime, incluyendo Akira (primer referente anime del género), Cowboy Bebop, Trigun, Desert Punk, Gunnm - Battle Angel, Bubblegum Crisis, Armitage III, Armitage Dual Matrix, Silent Möbius, Serial Experiments Lain, Texhnolyze, Boogiepop Phamtom, Appleseed, Ergo Proxy y Ghost in the Shell, Siendo esta última la que más ha influenciado la juventud contemporanea japonesa que vive con una relativa cercanía a la ambientación de la serie, que muestra un Japón con tecnologías de punta y que advierte sobre los riesgos que puede causar esto ante una posible perdida de identidad humana.

El anime también ha proporcionado ejemplos del subgénero steampunk, como es el caso del manga de CLAMP Clover, también en muchos de los trabajos de Hayao Miyazaki, pero también notablemente en Last Exile (2003) creado por el estudio GONZO y dirigido por Koichi Chigira, que ofrece una curiosa mezcla de sociedad victoriana y batallas futuristas entre naves aéreas. También es notable Steamboy (2004) dirigido por Katsuhiro Otomo y más recientemente Ergo Proxy producida por Manglobe.

WALL·E, de Disney y Pixar, puede ser un raro ejemplo de una versión menos oscura del cyberpunk por su trama de estilo futuristico/postapocaliptico. A pesar de no estar relacionado con el genero, muestra parte de la historia entre una visión del futuro y la decadencia humana.
Música y moda [editar]El término “música cyberpunk” puede referirse a dos categorías algo superpuestas. Primero puede denotar la amplia gama de los trabajos musicales que las películas cyberpunk utilizan como banda sonora. Estos trabajos varían en género desde la música clásica y el jazz –usada en Blade Runner, y que por otra parte evoca el ambiente del cine negro- hasta el noise y la música electrónica. Típicamente las películas hacen uso de la electrónica, electronic body music, música industrial, noise, futurepop, rock alternativo, rock gótico e intelligent dance music para crear la sensación “apropiada”. El mismo principio aplica a los videojuegos. Por supuesto, mientras los trabajos escritos no están asociados a bandas sonoras con tanta frecuencia como las películas, la alusión a trabajos musicales es usada para el mismo efecto. Por ejemplo la novela gráfica Kling Klang Klatch (1992), una fantasía oscura sobre un mundo de juguetes vivos, donde un oso de peluche amargado tiene una adicción hacia el azúcar y una predilección por el jazz.

La “música ciberpunk” también describe los trabajos asociados con la tendencia de la moda que emergió del desarrollo de la ciencia ficción. El libro Future Shock de Alvin Toffler dibujo influencias tanto para el grupo techno de Detroit Cybortron, que surgió a los inicios de 1980, como para los pioneros europeos del sintetizador Kraftwerk, produciendo canciones que evocan un claro modo distópico.En los 90, la cultura popular comenzó a incluir un movimiento en la música y en la moda que llamaron también “cyberpunk” y que llego a ser particularmente asociada con las subculturas rave y techno. Con el nuevo milenio llego un nuevo movimiento de bandas industriales que hacían música de “portátil”. Punks y okupas se armaron con equipo digital y fusionaron la tecnología con sonidos callejeros. La subcultura hacker documentada en lugares como el archivo de la jerga contempla este movimiento con sentimientos encontrados, desde los autoproclamados cyberpunks que están frecuentemente “inclinados” hacia el cuero negro y el cromo quienes hablan entusiasmados de tecnología en lugar de aprender o verse involucrados en esto. (“La actitud no sustituye la capacidad”, entrada del Archivo). Sin embargo estos autoproclamados cyberpunks al menos están “excitados con las cosas correctas” y típicamente respetan a las personas que actualmente trabajan con esto de “la naturaleza hacker”.

Ciertos géneros musicales como el drum and bass fueron directamente influenciados por el cyberpunk, incluso generando un subgénero completo llamado Neurofunk.

Un claro ejemplo de la influencia cyberpunk en la música son la banda Sigue Sigue Sputnik y el video del tema de Duran Duran "Union of the Snake".
Variantes y herederos del cyberpunk [editar]Entre los subgéneros del cyberpunk esta el steampunk que se ubica en una era victoriana ucrónica pero con una visión negra del mundo. El término fue acuñado originalmente en 1987 como broma para describir algunas de las novelas de Tim Powers, James Blaylock y Kevin Wayne Jeter, pero con el tiempo William Gibson y Bruce Sterling ingresaron al subgénero con su novela en colaboración La Maquina Diferencial y el término fue empezado a tomarse en serio.[10]

Los inicios de 1990 vieron el nacimiento del biopunk, un estilo derivado construido no sobre la base de la tecnología sino sobre la biología. En estas historias la gente es cambiada de varias formas, pero no por medios mecánicos, sino por manipulación genética de varios de sus cromosomas. Paul di Filipo es visto como el más prominente escritor biopunk, aunque Shaper/Mechanist de Bruce Sterling es su mayor influencia.

El género emergente llamado postcyberpunk continúa preocupándose por los efectos de los ordenadores, pero sin dar por supuesta la distopía ni dar tanta importancia a los implantes cibernéticos.

También heredero del cyberpunk podemos considerar el concepto de singularidad tecnológica utilizado en la ciencia ficción más reciente, que recoge su preocupación por el desarrollo de la inteligencia artificial hasta el extremo, y el rol que los humanos podríamos adoptar en tales circunstancias.

Dirty Princess, las Princesas más Sucias, obscenas y transgresoras que han pisado un escenario perturban el panorama musical con su espectáculo Cyber-Punk de alta carga erótica a electrónico ritmo lascivo enriquecido con multimedia.

CYBORGS

La palabra cyborg se forma a partir de las palabras inglesas Cyber(netics) organism (organismo cibernético) y se utiliza para designar una criatura medio orgánica y medio mecánica, generalmente con la intención de mejorar las capacidades del organismo utilizando tecnología artificial.De acuerdo con algunas definiciones del término, la conexión física y metafísica de la humanidad con la tecnología ya ha empezado a convertirnos en cyborgs. Por ejemplo, una persona a la que se le haya implantado un Marcapasos" podría considerarse un cyborg, puesto que sería incapaz de sobrevivir sin ese componente mecánico.

A finales del siglo XX, la imagen del cyborg como ser que no es ni humano ni máquina, ni hombre ni mujer, fue recuperado por autoras ciberfeministas, como "Donna Haraway" en su Manifiesto Cyborg.

El término es mal utilizado en numerosos escritos al confundírsele con robot o androide

GROUPIES

(informacion sacada de la siguiente pagina web solo he escogido algunas hay más pero es para no sobrecargar http://www.portalmix.com/fanmix/especiales/groupies/)
Algunos las califican casi de putas, otros les ven su lado más místico, pero lo que sí es real es que eran las que compartían sexo, secretos y drogas con los artistas más famosos del momento (y de la historia).
Groupies. Algunos músicos dicen que son simples fans. Otros niegan su existencia. Otros, como Gene Simmons, tienen una foto de todas a las que ha conocido. Cada persona las definiría de una u otra manera. En un primer momento, podríamos decir que simplemente eran las fans más acérrimas de un determinado grupo. Iban a todos sus conciertos, compraban sus discos, e intentaban conocer a sus ídolos a cualquier precio. Pero en algun momento del camino el término pasó a designar a todas aquellas chicas que han hecho, hacen y harán a los miembros de una banda la vida más placentera. Sí, las groupies forman parte del rock and roll tanto como las guitarras y la heroína. Y muchas de ellas se convirtieron en auténticas estrellas.
¿Machista? Desde luego, pero por otra parte también simplista. Al fin y al cabo, hablamos aquí de unas relaciones en las que puede haber de todo, como en la vida real: sexo sin amor, sexo con amor (a veces), estrellas egomaníacas que usan a esas chicas como usarían una hamburguesa, y también relaciones de igual a igual, donde tanto músico como groupie disfrutan de lo lindo y ambos pasan un buen rato.
En cierto modo es lógico, ya que la atracción que puede ejercer una banda en un escenario es realmente poderosa. Y es atracción funciona tanto sobre hombres como mujeres. Simplemente, el rock ha sido tradicionalmente un mundo de hombres, por eso cuando uno piensa en groupies, piensa en piensa en mujeres. Pero también hay groupies con colgajo entre las piernas, claro que sí. Sean Yseult, si lees, esto, ¡déjame demostrar esta teoría!Durante los 80 el mundo de las groupies comenzó a declinar al mismo tiempo que lo hacían las viejas bandas de los 70. Cuando el SIDA irrumpió en todo el mundo, las fiestas se acabaron definitivamente. Por supuesto en el rock sigue habiendo sexo y rock and roll, pero parece ahora todo el mundo se lo toma con más calma. Y groupies actuales como Pamela Anderson o Carmen Electra no tienen la misma clase que aquellas que las precedieron. Y desde luego no son famosas sólo por ser compañeras de músicos, aunque ello algo ha ayudado. No sé si para bien, o para mal, ¡pero los tiempos cambian! Y si alguien todavía piensa que todo esto es algo sórdido y machista, quizás otro día hable del punto de vista de ellas. Aunque la verdad, hablar sobre penes de rockeros no es algo que me fascine
( y tb sacado de otra pagina la cinta de moebius
http://grimoriovoynich.blogspot.com/2007/04/groupies.html)

Aquí tienes a las groupies más famosas de la historia. Hay más, pero no son como ellas...

Anita Pallenberg era una de las modelos más famosas de su época, y protagonizó junto a Jane Fonda, Barbarella, como la perversa y sensual Reina Negra. Entró en el círculo de los Rolling Stones como novia de Brian Jones, el batería, hasta que a finales de 1967 viajó con Brian y Keith Richards a Tánger. Brian sufrió una sobredosis, fue abandonado por el camino, y Anita se acostó con Keith. La traición precipitó la salida de Brian de los Rolling Stones (murió ahogado en la piscina de su casa ese mismo año). Keith: "Yo era el gran amigo de Brian, y entonces le quité a su novia. Lo cagué todo, para siempre. Nunca me perdonó por eso, y no lo culpo". Durante su noviazgo con Keith también tuvo un affair con Mick Jagger. Tuvo su primer hijo con Richards, Marlon (bautizado en homenaje a Brando, amigo de la pareja) y dos años después a Angela. En 1976 falleció su tercer hijo, Tara, y la separación de la pareja era inminente. Ambos eran adictos a la heroína. Anita fue la que sugirió los coros tribales de "Sympathy for the Devil" y la protagonista de otras canciones célebres como "Beast of Burden" o "Happy". Era, y es, íntima amiga de Marianne Faithfull, otra de las groupies más famosas.

En los años 60, Marianne Faithfull brillaba como cantante pop y actriz. Junto con Anita Pallenberg se movían en todos los círculos vip con una facilidad asombrosa. Musas rubias, bellísimas y misteriosas acabaron entrando en el círculo de los Rolling Stones, Marianne como la novia de Mick Jagger (y amante de Keith Richards). En 1968 quedó embarazada de Jagger, perdió el bebé, escribió "Sister Morphine" (los Stones no la pusieron en los créditos del disco), intentó suicidarse y fue arrestada cuando, muy borracha, hizo un escándalo en un restaurante de Londres tras enterarse del casamiento de Mick Jagger con Bianca Pérez. En 1995 escribió su autobiografía. "Me dijeron que iba a ser un trabajo bueno para mi alma. Sí, claro. La escribí sólo por dinero. Fue muy bueno para mis finanzas". Allí, entre otras cosas, confiesa que Keith Richards era mucho mejor amante que Mick Jagger, lo que Keith (su amigo hasta hoy) agradeció pública y calurosamente. Rumor: protagonizó la más célebre, y falsa, anécdota de los Rolling Stones. La banda y algunos amigos descansaban de un viaje de ácido en la mansión de Keith Richards, Redlands, y la policía hizo un allanamiento. Encontraron la cantidad de droga suficiente para mandar a los Stones a la cárcel, pero ella llegó a los titulares porque se decía que la habían encontrado desnuda, con un bombón Mars en la vagina, que lamían Jagger y Richards.

pAMELA DES BARRES

Comenzó como fan histérica y gritona de Los Beatles y Elvis y cuando se mudó de adolescente a Hollywood rápidamente se graduó como groupie y se acostó con Jim Morrison y Mick Jagger, más algunos miembros de Jimi Hendrix Experience y Steppenwolf. Su primer gran romance fue Jimmy Page de Led Zeppelin (que la abandonó por una groupie más joven, Lori Maddox de 14 años). Tras su paso por las GTO (un grupo de música formado por varias groupies que se disolvió por los problemas con las drogas de las componentes), Pamela se enamoró de Don Johnson, pero el entonces desconocido actor también la abandonó por una adolescente: Melanie Griffith. Con el auge de las groupies más jóvenes en la primera mitad de los 70 (a las que Pamela despreciaba y consideraba que no eran amantes de la música ni musas), su estrella decayó, pero todavía se las arregló para estar con Keith Moon de The Who. Poco después conoció al hombre que la llevó al altar: Michael Des Barres, cantante de los olvidados Silverhead. Todos sus intentos de triunfar como actriz fueron fallidos y después de posar desnuda para Playboy decidió escribir sus memorias: "I m With the Band", que fue un best seller. Hoy sigue escribiendo y se la ve en los clubes de Los Angeles de la mano de músicos veinte años más jóvenes que ella. Rumor: cuenta que ha estado en cientos de orgías y que a Keith Moon le gustaba vestirse de mujer
NANCY SPUNGEN

Nancy era una de esas chicas que andan detrás de su cantante preferido, lo persiguen, le tiran toda suerte de objetos e intentan por todos los medios meterse en su cama. Lo había logrado con varios rockeros y cuando conoció a Sid Vicious en realidad perseguía a Rock Hell, de los Heartbreakers. Sid Vicious y Nancy Spungen escribieron una de las historias más cruentas de la historia de la música. Nancy supo desde el primer momento que ese chico era grande. Era la primera vez en la vida de la rubia regordeta que alguien no la golpeaba ni la abandonaba a su suerte. Los dos convivieron los tres años que duró la banda y unos cuantos días más. Esta historia de amor no podía terminar de otra manera: "¿Quieres morir?". "Si, si quiero, mátame, lo único que quiero es morir, tú me lo prometiste". "Entonces muere" y Sid le enterró en el estómago la punta de su navaja suiza recién comprada. Pensó que sólo se trataba de una herida superficial como las que él mismo solía infligirse en medio de la catarsis de sus conciertos. Pero ella no reaccionó más.

DOMINATRIX
Una dominatrix (del latín dominatrix, ‘soberana’ o ‘señora’; plural dominatrices) o señora es una mujer que adopta el papel dominante en prácticas sexuales de bondage, disciplina, dominación y sumisión o sadomasoquismo, que suelen abreviarse comoBDSM. Su contrapartida masculina es el maestro. Los sumisos suelen dirigirse a la dominatrix con expresiones tales como «señora», «madame» o «maîtresse». Adviértase que una dominatrix no tiene necesariamente que dominar a un compañero masculino, puedo tener también mujeres sumisas.

A veces también se emplea el término domme, una variación pseudo frances de la jerga dom (abreviatura de «dominante»).

El término «dominatrix» se usa a menudo para describir una mujer dominante profesional (o pro-domme) que cobra por participar en juegos eróticos con clientes sumisos.

En realidad la mayoría de las dominatrices no son profesionales, sino dominantes vocacionales. Un dominante vocacional es una persona firme, enérgica y con control sobre sus relaciones, tanto sexuales como sociales. Las dominatrices profesionales no suelen involucrarse en ningún tipo de contacto sexual con sus clientes, algo que podría considerarse prostitución en ciertos lugares.

La imagen estereotípica de la dominatrix es la de una mujer llevando un catsuit de goma o cuero y botas altas con tacones altos o, en una variante más elegante y provocativa, lencería negra, medias y tacones altos, o bien alguna combinación de ambas. Muchas dominatrices profesionales llevan atuendo de este tipo en su trabajo para cumplir con las expectativas de los clientes.

esta imagen llega a todos lados incluso a la publicidad

SUICIDE GIRLS

SuicideGirls es una página web de pornografía softcore altporn cuyas modelos tienen un perfil gótico o punk. También funciona como una comunidad virtual donde se publican anuncios y perfiles de sus miembros, además de entrevistas con personajes del mundo de la cultura alternativa. El discurso de la empresa hace uso de una retórica pro-feminista y dice promocionar una forma de empoderamiento de la mujer a través del control de su sexualidad.

Acceder a gran parte de ésta página requiere un registro y es de pago. El término Altporn (porno alternativo) ha sido utilizado dentro de los medios y en Internet para describir el estilo de erotismo ofrecido por ésta página y otras similares que han proliferado posteriormente.

La página SuicideGirls y su concepto fue creado por la empresa SG Services, Inc. y los socios son Sean Suicide (Sean Suhl) y Missy Suicide (Selena Mooney) en el 2001, en Portland, Oregón. En 2003, el sitio de las operaciones fue desplazado a Los Angeles, California. El sitio es privado y sus propietarios son Steve Simitzis (servidor y administrador de SG) y su mujer Olivia Ball (programadora del sitio y una SuicideGirl).

El término suidice girl es a menudo acreditado por el autor de El club de la lucha, y residente de Portland, Chuck Palahniuk, en su novela Survivor. Selena Mooney confirma esta novela como la fuente del nombre en la sección de preguntas frecuentes de SuicideGirls donde añade:

SuicideGirls es un término que mis amigos y yo hemos estado usando para describir a chicas que vemos en la Plaza Pionner de Portland con monopatines en una mano, menores encapuchadas, escuchando a Ice Cube en sus iPods mientras leen un libro del poeta Nick Cave. Son chicas que no encajan en ninguna sub-cultura convencional y no se definen así mismas basándose en gustos como punk, metal, gótico, etc. Pienso que solo estas clasificaciones identifican a la gente dentro y fuera de la corriente dominante. Es por esto porque el sitio es llamado SuicideGirls.
Selena Mooney también afirma que si hubiese sabido lo grande que su página iba a convertirse, habría pensado mejor el nombre. Gran repercusión ha tenido el logo de la página, donde aparece la actriz Sam Doumit, ya que diferentes promociones daban beneficios a aquellas personas que se lo tatuaran en su piel.
Críticas positivas del sitio SuicideGirls han aparecido en Rolling Stone, Wired, The New Yorker y otras publicaciones; también fue citado en un especial de HBO Real Sex y en Nightline. La revista literaria Fence utilizó a SuicideGirl como cubierta de uno de sus números. La rockera Courtney Love es un miembro de la página, y llevó a varias SuicideGirls durante una aparición en la MTV. Sesenta y seis SuicideGirls aparecieron en el vídeo musical de Probot "Shake Your Blood". También han aparecido en un episodio de la serie de televisión CSI:NY, donde aparecen algunas de las Suicide Girls más veteranas
LOLITAS Nacido en Osaka (Japón) en los años setenta, se extendió por todo el mundo en los noventa, y en España hay lolitas entre 15 y 32 años, explica Villajos. Son fervientes amantes de la moda, y cuando quedan les gusta charlar, pasear, hacer pic-nic o visitar museos. Hay muchas variantes: además de las lolitas góticas (de negro y blanco) las hay clásicas (más formales), sweet (rosa y pastelitos) o punk (cuadros escoceses), y así hasta una veintena que una misma lolita puede ir alternando.
Una de las reglas de oro de las 'Gothloli' es la modestia, el recato y la discreción.
Texto Marta Peirano
Gosurori es una palabra nueva, una contracción -algo libre, digamos- de gótica y lolita. Las felices adolescentes que se han sumado a esta fiebre pertenecieron en algún momento a la secta de adoradores de Marylin-trendelabruja-Manson, pero pronto se encontraron con que los rapados a lo bruto y los ojos así como de grima no iban bien sobre la pista, así que se lanzaron al reciclaje textil. Esos vestiditos de niña, esas faldas con muselina, esas capitas silvestres que les comprara la abuela fueron todas a parar al cubo con el tinte ala de cuervo y las tijeras de podar. Hoy se pasean por los bares como muñecas traumadas, víctimas de algún asalto al borde de la carretera o seductoras niñas-vampiro, arrastrando una pepona con las cruces invertidas.
Algunas molan lo suyo, especialmente cuando siguen las perturbadoras líneas de Trevor Brown, Ryoichi Yoshida o las -poco perturbadoras pero simpáticas- directrices de Kira para Mary Stuart. Otras dan mucho miedo.
Alice Auaa es su diseñadora y Gothic Lolita su revista, una especie de How to con mucho dibujito como de teenager pirada. Sus iconos, Kana, Mana (ojo a este site), Dir en Grey, Malice Mizer y digo yo que la Cristina Ricci pre-donuts aunque igual son tan jóvenes que ni saben quién es. Hay millones de listas de correo, pequeños fotoblogs. Y me sé de un viejo y querido fancine, estimado Tones, que habría aprovechado muy bien el hallazgo.

Lo primero que advierten todas las páginas de Internet que uno se cruza por el camino investigando sobre gothic lolitas es que la cosa no va de lolitas en plan Nabokov: las gothic lolitas no son menores de edad con trenzas y chupa chups que provocan profundos dilemas morales en la canosa cabeza de hombres maduros. No, señor. En realidad, ni siquiera es necesario que alguien sea demasiado joven para convertirse en una de ellas: las hay terintañeras, por ejemplo. Lo “sexy”, entendido como lo entendemos casi todos los occidentales –poca ropa, mucha piel y curvas al descubierto– está en las atípodas de este estilo que Kyshah Hell, una de las primeras periodistas en escribir en inglés sobre el tema, define en la web morbidoutlook.com como “una mezcla de barroco y rococó con influencias de las eras victoriana y eduardiana”. Camisas con volados y cuellos altísimos, mangas largas, vestidos que bajan más allá de las rodillas, lazos, sombreros, sombrillas, mucho maquillaje (¡pálido!), todo en blanco y negro y decorado con accesorios de motivos macabros (ataúdes, crucifijos, calaveras y murciélagos están a la orden del día).

¿De dónde viene? Aquí es donde la gente no se pone de acuerdo. Hay quien piensa que el estilo nació como una furiosa respuesta a la existencia de las Gals –esas broceadísimas California Girls a la japonesa– con quienes las gothloli se llevan a las patadas. Otros postulan que, como muchas otras modas que conviven en el archipiélago nipón, nacieron bajo la influencia de la música, más precisamente de copiar el aspecto de las estrellas de Visual-kei que es, a grandes rasgos, algo así como un glam japonés. Y también circula información por ahí que –en la línea de la “hipótesis musical”– dice que las Gothloli son descendientes directas de las Nagomu Gals, una tribu que nació en 1983 de la devoción por los artistas del sello discográfico indi Nagomu Records, y cuyas integrantes tenían la costumbre de fabricarse su propio vesturaio. Hay algo en lo que todo el mundo está de acuerdo: el estilo es una reacción contra lo que el sector más pacato de la sociedad japonesa considera que debe ser una bonita muchachita en la flor de la vida. Venga de donde venga y represente lo que represente, lo evidente es que el fenómeno es cada día más popular y que, a través del manga el anime y el cosplay, ha saltado las fronteras de Japón y engancha con chicas de todo el planeta.

fotografía de jrmyst

Y el mercado es cada día más consciente del filón. En 1999, Mana, por ese entonces guitarra y líder de la banda (Visual-kei) llamada Malice Mizer, creó su propio marca de ropa para Gothic Lolitas, Moi–même–Moitié, y lanzó dos líneas bien diferenciadas : la Elegant Gothic Lolita (EGL) que apunta a refinar el estilo bajando los decibelios del barroco, y la línea Elegant Gothic Aristocrat (EGA) de corte andrógino para no dejar a nadie afuera. La cultura Gothloli ya tenía su propia marca ¿Qué le estaba faltando? Su revista, por supuesto. Gothic Lolita Bible salió al mercado en 2001 y enseguida se convirtió en la biblia para gothlolis que ya desde el nombre aspiraba a ser. En la página de Tokyopop, su editora norteamercana –la publicación ya ha saltado el charco– , se la describe como un “una mezcla de revista de moda, guía cultural y art book”. Por cierto, las primeras ocho portadas de Gothic Lolita Bible fueron dibujadas por Mitsukazu Mihara, mangaka nacida en 1970 que luego tansportó el estilo al noveno arte convirtiéndose en una de las mayores influencias de los que llegaron algo más tarde.

Fotografía de Sugarfreak

Hoy en día proliferan las revistas, sitios web, blogs, servicios y marcas dedicadas a las gothic lolitas. Y la red ibérica está llena de anuncios de chicas que venden o quieren comprar refinados atuendos victorianos. Debajo os dejo algunos links interesantes (casi todos en inglés, lamentablemente, que es el idioma occidental en que más abundan)

-¿Quieres convertirte en una gothloli? En wikihow te enseñan a hacerlo en 10 sencillos pasos.

- Avant Gauche es un sitio del Reino Unido dedicado a esta cultura con una gran sección de links que te llevarán de paseo un rato largo.

- La Carmina es el blog de Carmen Yuen, especialista en el tema, y te servirá para estar al tanto de lo que suecede en la moda gohtloli.

- Y si quieres entrar en contacto con gothlolis (y lolis en general) de España, puedes comenzar probando en la página de la Asosiación Cultural Harajukuspain.

Fuentes: Wikipedia, Morbid Oulook, infoseek.co,jp
Lolita es una moda/filosofía/estilo de vida que surge en Japón entre las mujeres jóvenes hacia la década de los '80, que está inspirada en la ropa del periodo victoriano, y trata de emular en cierto modo a las muñecas de porcelana de esta época. Son comunes las medias hasta las rodillas, las plataformas, los lazos, y los sombreros.

Para ser Lolita no hace falta vestirse como tal, pero es algo que, tarde o temprano, acaba sucediendo, ya que sentimos la necesidad de exteriorizar nuestros sentimientos; aunque cuando sucede, no importa en que sitios te compres la ropa, sino que lo importante es darle tu propio toque de ingenio, y ante todo, sentirte Lolita en tu interior.

Si bien el término "lolita" hace referencia a la novela de Vladimir Nabokov, en Japón la palabra no se relaciona de modo directo con esta concepción; las lolitas son una manifestación de los valores femeninos de juventud que existen en Japón. Incluso muchos seguidores de esta moda/subcultura urbana no conocían la relación de estos dos términos hasta que una revista "Gothic & Lolita Bible" la sugirió como lectura.

Este estilo de vida supone el rechazo de la concepcion actual del mundo, hoy en dia nadie te pide perdón cuando se choca contigo en la calle, sino que te grita "Mira por dónde andas". Esta forma de vida pretende contrarrestar la decadencia de la sociedad actual, y aportar un poco de educación y tolerancia, cosa que, actualmente, el mundo necesita.

Tipos:
-EGA/EGL
Éstos son los dos estilos que Mana (en su etapa de Malice Mizer con Klaha) volvió a poner "de moda". El EGL es un estilo refinado, mas señorial que el Gothic Lolita, pero en la misma línea. En el EGA ya no estamos tratando con una doncella, sino con una mujer victoriana madura, lo que se refleja en el vestuario. Un claro ejemplo es la marca del propio Mana: Moi-Même-Moitié.
Gothic Lolita (Gosurori)
Es el estilo más común en occidente (por eso cuando alguien ve una Lolita la llama Gothic Lolita, sea del estilo que sea). La tradicional combinación de blanco y negro es reconocible, pero no todo el Gosurori se forma del blanco y el negro, también incorpora los temas del gótico-romanticismo a un estilo adorable como es el Lolita, creando un estilo bastante único. Se acercan más a la moda gótica en el sentido de que desprende un aire de misterio más que de belleza princesil (de hecho solemos decir que toda Lolita lleva en su interior a una Gosurori, para referirnos a nuestro lado oscuro).

-Classic Lolita
El Classic Lolita es un estilo más maduro, el comportamiento no es tan inocente y dulce como el Lolita en general, pero no llega a ser tan adulto como en el EGA. Es, para mí, el estilo que más se acerca a lo que realmente era el Victoriano en Inglaterra. Claros ejemplos son las marcas Victorian Maiden y Mary Magdalene.
Amarori
Son las originales, por eso su comportamiento es fiel al de las niñas del Rococó. Son como un estilo sweet pero mucho más recargado, suelen usar rosa o celeste también, pero se ponen pelucas de colores a juego con el vestido que normalmente tiene adornos de pasteles o de cosas muy azucaradas, como peluches, juguetes o temas de cuentos, son las que mas usan los lazos, los encajes y los colores pastel.

-Sweet Lolita
Tiene todo los elementos del Lolita pero en colores pastel (especialmente rosa y celeste) y es donde los vestidos pueden llegar a ser más pomposos,con muchos lazos, emulando la viva imagen de una muñeca de porcelana de época. Un claro ejemplo es la marca Baby, the Stars Shine Bright.

-Horror Lolita (Gurololi)
Las Horror son como "muñecas rotas" van vestidas de blanco y manchan su ropa de sangre,se ponen vendas, simulan quemaduras,heridas etc. Todo para expresar de alguna manera "lo frágiles que se sienten". Es la visión mas "gore" de ahí el nombre de Gurololita y sádica, son como fantasmas de alguna lolita asesinada brutalmente
Shiroi Lolita
Las Shiroi (shiroi=blanco) visten completamente de blanco (por eso los catetos españoles cuando ven una se creen que es una chica de comunión). Tratan de relfejar la inocencia y la pureza que representa éste color.

Kuro Lolita
Las Kuro (Kuro=Negro) visten completamente de negro; seria como el estilo contrario a las shiroi. se diferencian de las gothic lolitas porque estas nunca incluyen ningún otro color en sus prendas, van completamente de negro. De ellas se dice que son las más educadas y las que más guardan las formas.

Hime lolita
(Hime=princesa) Es eso exactamente, como una princesita.Este estilo esta mucho más inspirado en el Rococo que en la época Victoriana y es muy fantasioso. Con una tiara o corona en un peinado elaborado para complementar el look. Un claro ejemplo es la marca Angelic Pretty
Wa lolita
Está inspirada en la ropa tradicional Japonésa y en la menos formal Yukata,conservan el obi, las mangas propias del kimono y los estampados, las faldas son cortas de volantes y llevan la típica media Lolita con encaje hasta la rodilla.
Pueden llevar el kimono completo o simplemente una camisa al estilo del kimono.

-lolita
Inspirado en los tradicionales qipaos de China
Country Lolita
Un subgenero del Sweet Lolita, con pequeños sombreritos de paja y patrones de zarzas, flores o frutas en los vestidos. Basicamente es como una sweet Lolita que va a un picnic, asi que no es raro verlas con pequeños canastitos.
Punk Lolita
Punk Lolita es un estilo bastante dificil de decidir, por que lo separa una linea muy delgada al look total del punk occidental. Se toman algunos elementos tradicionales del punk,pero lo que serpara al Punk lolita con el punk occidental es que el Punk Lolita es adorable o un poco tierno. Las Punk lolitas tienden a conservar el largo de las faldas o seguir usando blusas pomposas con todo los demas accesorios del Punk, mezclandolos (por ejemplo, un collar de pinchos con puntilla en los bordes).
Ero Lolita
Es el reflejo de la época de decadencia durante el reinado en Francia del Rey Sol. Son la personificación de la insinuación, no muestran mucho, tal vez un liguero o los hombros desnudos, se muestran eróticas, no con intenciones sexuales (hay una gran diferencia), con una larga caída de los párpados, o una media sonrisa que causarán furor. Podríamos tomar de referencia para éste estilo a los personajes de Alejadro Dumas hijo y del Abate Prévost: Margarita Gautier (La Dama de las Camelias) y Manon Lescaut (Manon Lescaut) respectivamente.

-Maid Lolita
Es la versión lolita de las camareras, en Japón hay maid cafés donde chicas vestidas de este modo te sirven el desayuno, hay gente que no lo mete dentro del lolita, pero lo cierto es que marcas conocidas como Baby o Angelic Pretty hacen vestidos con pequeños delantales en la parte delantera que es lo que marca la diferencia entre un vestido normal y uno de maid, también suelen llevar diademas más tipo "chacha" para la cabeza en lugar de la cofia. También se corresponde con la concepción original de "Alicia en el País de las Maravillas" creada por Lewis Carroll.
Itarori
Son aquellas que llevan trajes de mala calidad con exceso de puntilla y de mal gusto en su mayoría, la mayoría de las lolitas son itarori en sus comienzos por desconocimiento y falta de presupuesto. "Ita" viene de la palabra "itai" que vendría a ser algo así como "duele" queriendo decir que es "doloroso para la vista". También se considera Italoli a aquellas lolitas que creen que sólo por llevar ropa de marca ya son mejores, y actúan muy pedantes y altivas con el resto de Lolitas.

Cyberlolita
Aquellos amantes del Industrial y el elektro, son la visión más futurista del lolita mezclando elementos muy llamativos como rastas de colores chillones, maquillajes elaborados, calentadores de pelo, y otros materiales en las ropas como pueden ser el vinilo o el latex

GOTHIC LOLITA

Gothic Lolita o "GothLoli" (ゴスロリ, gosurori; algunas veces conocido como "Loli-Goth") es una subcategoría dentro de la Moda Lolita, una moda callejera popular entre algunas chicas japonesas, y en un nivel más bajo, entre chicos.

La Moda Lolita enfatiza en la Moda Victoriana y Edwardiana y en ocasiones tratando de imitar el aspecto de las muñecas victorianas de porcelana. El periodo Rococó también ha sido definido como una influencia dentro de la moda Gothic Lolita. El Gothic Lolita aplica la estética de la Moda Gótica con un aspecto infantil típico de la Moda Lolita. El nombre y origen del termino GothLoli es una combinación entre lolita y gótico.[1]

El Gothic Lolita es la variante más conocida y practicada dentro de la Moda Lolita.
El estilo "GothLoli" típico se originó a mediados del 1998 y se hizo más accesible en varias boutiques y tiendas por departamento en el 2001. Algunos observadores consideran la moda como una reacción a la subcultura kogal de Shibuya, dado que la mayoría de los que participan en el Gothloli están en desacuerdo con esta. La popularidad del Gothloli como estilo distintivo llego a su punto más alto en los años 2004 y 2005 en Tokio, y al presente se mantiene como una de las modas "alternativas" entre la juventud japonesa. Su popularidad fuera de Tokio se mantiene baja aunque creciente en muchas áreas, al igual que el fenómeno de los café meido relacionados con esta.
Gothic & Lolita Bible Una revista en particular, Gothic & Lolita Bible (publicada al menos una vez cada temporada del año), ha jugado un papel importante en la promoción y estandarización del estilo. La publicación, que suele superar las cien páginas por edición, incluye consejos de moda, fotografías, patrones de costura, catálogos de indumentaria, ideas sobre decoración de interiores, e incluso recetas. Otras revistas como Kera and "Gosu Rori" (fonética de Goth Loli hablada con acento japonés) están también dirigidas a los seguidores de la moda

HIME GYARUS
Las Hime Gyarus son una tribu urbana japonesa surgida a mediados del 2006, surgió a raíz de la creación de Jesús Diamante, su tienda fetiche.

Esta tribu se caracteriza por mezclar cosas de las modas Lolita y Gal.

Sus principales características Lolita son los complejos peinados, el estilo princesita rococó y esos vestiditos con un aire Baby Doll, en cambio sus rasgos Gal son más marcados, por ejemplo, los tacones que usan, bronceado en la piel y tonos de tinte ganguro

versiones masculinas...porque ellos tambien pueden ser "lolitosos"

-British Aristocrat (version masculina del EGA, EGL)
Visten sobre todo de marrón y negro.Llevan corbatas, sombreros de copa, chaquetas largas, y lo complementan con bastones, joyeria gótica, anillos de calavera, etc. Actualmente hay pocos que se vistan como "Dandy" tal cual es, puesto que el dandy clásico era el hombre que iba de traje, con buenas maneras y gran facilidad de palabra, actualmente se mezclan elementos del dandy con el punk creando una mezcla de estilos.

-Kodona (version masculina del Sweet)
También lo suelen llevar chicas. Llevan trajes cortos, blusas, chaquetillas, tirantes, calcetines por la rodilla, (a veces) pequeñas pajaritas o corbatas, y botas. serían como alumnos britanicos. Un claro ejemplo es la marca Baby, the Stars Shine Bright in Alice & the Pirates.
Ouji-sama
Suele ser confundido con el Kodona. Éste estilo está inspirado en los príncipes del Rococó y el Barroco, aunque por la estética también podríamos decir que está inspirado en los Macaroni. En éste estilo se llevan pantalones pirata sobre la rodilla, medias o calzas largas, casacas o chaquetas en 3/4 y zapatos o botas de tacón. Claros ejemplos son las marcas Baby, the Stars Shine Bright y Atelier Boz .
Neogothic (version masculina del Punk Lolita) Tienden a un estilo industrial o techno. La ropa rasgada ,unida con alfileres de gancho y muchas cadenas, mezcla de accesorios

-B-Lolita
Son los chicos que se transvisten al Lolita vistiéndose de chica. Aquí es un estilo que aún choca un poco y que solo se suele ver en chicos que se transvisten para hacer la gracia, pero en Japón hay muchos chicos que tienen ésta práctica, llevada a cabo por el gran Novala Takemoto, escritor de Kamikaze Girls (posteriormente adaptada al cine) y por Mana. Normalmente suelen transvestirse porque la ropa de mujer ofrece muchas más posibilidades y combinaciones
Información extraída de:
HarajukuSpain
Lolita in Wonderland]
HARAJUKU GIRLS

El lanzamiento del álbum solista de Gwen Stefani también centró su atención las cuatro chicas que todo el tiempo están con ella, se hacen llamar las Harajuku Girls.

Gwen declaró que el nombre de su material discográfico proviene del sobrenombre de cada una de sus "Harajuku Girls":Love (Amor), Ángel (Angel), Music (Música), y Baby (Bebé).

Las llaman Harajuku por la Harajuku Station que se encuentra en Tokio, Japón, conocido como el lugar más popular para realizar compras. Los jóvenes japoneses se reúnen en este centro de moda. Siguiendo con la popularidad del área con un estilo vanguardista, las "Harajuku Girls" adoptan varios estilos en su vestuario, entre ellos el Gothic Lolita que es una mezcla de los estilos victoriano y eduardino, el resultado es el de una apariencia similar a una muñeca de porcelana, algo que está muy de moda en las jóvenes japonesas de hoy en día.

Las Harajuku han aparecido en 6 videos de Gwen Stefani "What You Waiting For?", "Rich Girl", "Hollaback Girl", "Luxurious", "Crash", "Wind It Up", "The Sweet Escape" y "Now That You Got It". Además de en la portada de su primer disco como ya se mencionó se les dedicó el disco utilizando sus sobrenombres. Para algunos la atracción de Gwen por la cultura del lejano oriente se debe principalmente a que la moda actual en Japón, se relaciona mucho con la imagen que ha manejado desde que formaba parte de No Doubt especialmente en su vestuario. Stefani afirma que le parecería muy bien que la moda oriental se expandiera a los Estados Unidos.

Sacado de la parte de arte en la web uno de lso nuestros hay mucho de ilustracion erótica
http://enkil.wordpress.com/arte-en-uno-de-los-nuestros/

PIN UPS Y CYBER PIN UPS

Nemain Ravenwood

es una artista digital nacida en 1979 en Alemania, cerca de Francia donde todavía reside. Tiene su propia agencia de marketing y cuenta con su propia web de pago y su tienda donde vende sus creaciones. Sus imágenes están orientadas claramente al mundo de las Pin-ups con su correspondiente carga erótica y fetichista que mezcla con un estilo gótico y bastante oscuro así como una buena dosis de fantasía y ciencia ficción.

Dice obtener su inspiración de revistas y películas y cita a Jennifer Janesko y Armando Huerta (dos genios del dibujo Pin-up) como sus principales influencias. Nemain nos deja en su web una espléndida galería de la que también podemos disfrutar en deviantArt como ravenwoodarts llena de color, erotismo y un fuerte impacto visual .

nancy rubias grupo qeu en parte tiene bastante que ver con de queer

2008-08-20T15:20:00.000-07:00

Las Nancys Rubias son un grupo de electrónica, pop, dance, y glam formado por Mario Vaquerizo (Nancy Anoréxica), quien es marido de Alaska, además de periodista, representante de Fangoria y Elsa Pataky que junto con un grupo de amigos, los cuales son: Susie Pop (La Verdadera Nancy Rubia), Marta Vaquerizo (Nancy O), Juan Pedro (Nancy Travesti) y Miguel (Nancy Reagan) que aburridos de la noche madrileña deciden formar un grupo para un día, el formato funciona y deciden seguir, en Marzo de 2007 editaron su segundo trabajo, han conseguido un exito importante en España con temas como "Sálvame", "Maquíllate" o "Corazon de Hielo".

APROVECHANDO LO DE NANCYS VOY A METER AQUI UN APARTADO DEDICADO A LAS MUÑECAS FATALES PARA QUE SE VEA LA INFLUENCIA EN LA MODA Y QUE TB PODRÍA ENGANCHAR CON EL APARTADO DE POSE

El nacimiento de Barbie [editar]En los años 50, Ruth Handler se dio cuenta de que su hija (Barbara), prefería jugar con muñecas con características adultas, en vez de las infantiles. En esos momentos, la gran mayoría de las muñecas que se fabricaban eran infantiles. Al darse cuenta del posible negocio, decidió proponérselo a su esposo y cofundador de Mattel, aunque la idea no llegaría a buen puerto, debido a la reacción que mostró el director de Mattel.

Ruth Handler, durante un viaje a Alemania, descubrió una muñeca en un escaparate, llamada Lilli. Se trataba de una muñeca, inspirada en una mujer adulta, sociable, que sabía lo que quería, y no dudaba en usar a los hombres para obtenerlo. La muñeca en cuestión comenzó vendiéndose a hombres, pasando a venderse a niñas dada su popularidad, niñas que disfrutaban vistiéndola y cambiando su ropa. Lilli llegó a ser tan popular que traspasó las fronteras alemanas, alcanzando a los Estados Unidos.

Cuando esto sucedió, Mattel, tras haber rechazado la idea anterior de Ruth Handler, compró los derechos de Lilli. Le dieron un cambio de imagen, un nuevo cuerpo, y un nuevo nombre, Barbie, en honor a la hija de Ruth, Barbara. Cuando estaba todo perfecto, se decidieron hacer nacer a Barbie el 9 de marzo de 1959 en la American International Toy Fair, conservando esa fecha, como el cumpleaños oficial de la muñeca.

En su "debut", Barbie lucía un peinado rubio muy a los años 60, con un bañador simulando en su estampado la piel de cebra. Con los años los modelos se han sabido ir actualizando, así como el color del pelo de la muñeca y la forma. La muñeca se creó como una joven apasionada de la moda.

Más que una muñeca [editar]En el mundo actual Barbie dejó ya de ser una muñeca, para convertirse en un icono de la moda, además de que su mercancía es tan apreciada por las niñas (y coleccionistas) que Barbie ya no vende artículos basados en la muñeca. Ahora el sello Barbie produce una cantidad increíble de mercancías que si bien no se venden tan bien como la muñeca son una importante suma a Mattel. Entre los productos que podemos encontrar de Barbie, hay ropa para niñas, joyas, relojes, cajas registradoras, autos para niñas, juegos de PC, juegos de GBA, películas, estampas, accesorios de decoración, música, etc.

La nueva Barbie [editar]Como cada producto que tiene tanto éxito comercial, enseguida empresas intentan imitar el producto, pero ninguna tuvo resultado, hasta el año 2001 donde la empresa de juguetes MGA creo una línea de muñecas de cuatro integrantes llamadas Bratz: Cada Bratz tenía una diferente personalidad, forma de vestir, color de cabello...

La empresa Mattel no pudo contra las muñecas Bratz, y Barbie no se podía ampliar mucho más allá de ser una princesa de color de rosa.

Por ello, en el año 2002 Mattel lanza al mercado “My Scene” un grupo de muñecas mucho más grandes en cuanto a tamaño, pero que representaban una edad mucho menor a la de Barbie. Se crearon cuatro muñecas diferentes donde la ropa estaba más a la moda, y su vida era una vida común, basada en salir a fiestas, ir de compras, y usar ropa que cualquier niña pudiera usar.

Barbie en el 2007 [editar]A inicios del 2007 comenzaron a ser lanzadas algunas líneas de esta muñeca tales como fashion fever o Barbie Girl, las cuales presentaban grandes cambios en cuanto a su presentación, entre los principales se encontraron: Disminución de la estatura, ojos semirrasgados, acortamiento del cuello y presantación de pie-zapato, de forma permanente.

No obstante, el año 2007 Mattel con el fin de enmendar su error de haber lanzado cuerpos con unas proporciones mucho mas disminuidas que el cuerpo normal (bellybutton body) decide incluir a la línea playline (línea para el juego) el Model Muse body en sus colecciones TOP MODELS , TOP MODEL HAIR WEAR y TOP MODEL RESORT.

Pero no solo de criticas podemos hablar, Barbie también en el 2007 ha creado las famosa Pink Ribbon y Pink Hope Barbie de edición para coleccionistas las cuales están dedicadas especialmente a la lucha contra el cáncer de mama, todo lo recaudado por Pink Ribbon (primera edición) y por Pink Hope (edición más reciente) se destinan a una fundación contra este mal.

Parodias [editar]Stacy Malibu es el nombre de la muñeca que parodia a Barbie en la serie de animación Los Simpson.
El grupo de pop-dance europeo Aqua lanzó una canción llamada "Barbie Girl" en 1997.
En El Laboratorio de Dexter, las muñecas de Dee Dee son marca "Darbie".

ESTAS BARBIES SI QUE SON FATALES

kumbia queers

2008-08-19T15:20:00.001-07:00

Seis locas punk and rollers aburridas del rock actual deciden autoexplotar su lado Kumbianchero y Queer haciendo canciones de chicas para chicas...Grupo integrado por She Devils, Ali Guagua (Ultrasónicas) y Juana Chang.Incluye cuatro temas originales y 5 covers de Love song de The Cure. Black Sabbath, Nancy Sinatra, Madonna y Bronco. Ideal para las fiestas

Queer Punk: GLAM Y MUCHO MAS

2008-08-19T15:13:00.000-07:00

La aparición del Queer Punk
fue la salvación para los que se sentían punks y gays al mismo tiempo.
Por un lado, no se sentían cómodos en la escena gay,
a la que consideraban burguesa,
consumista y conservadora de los valores y modelos heteros,

estaban lejos de los que reclamaban el derecho al matrimonio
y sobre todo radicalmente en contra del ingreso en las Fuerzas Armadas,
que otros sectores reivindicaban.
Por otro lado, la escena punk, tras la explosión inicial,
fue dominada por el hardcore que era machista y homofóbico.
Tampoco se sentían cómodos, así que, casi sin proponérselo,
inventaron un espacio cuyo objetivo era crear una contracultura
que criticara tanto el conformismo gay burgués
como el de la escena hardcore machista y conservadora.
Esos punks y gays llamaron al movimiento queerpunk u homocore,
y lo definieron como una expresión creativa,

fundamentalmente de música punk y fanzines,
que cuestionaba las concepciones convencionales de género y sexualidad.

QUEERCORE EL UNICO GRUPO DE MADRID
En realidad es una movida hecha en coña de un chaval y su novia pero me hizo gracia

SidaEsVida es el primer y único grupo de Queercore de Madrid. El proyecto nació de la mano de varios jóvenes con grandes inquietudes en un sótano del barrio Salamanca. Su intención fue crear un muro de terrorismo sonoro,pero su deseo de remover conciencias y crear líneas de pensamiento en torno a una causa noble: el SIDA,
aqui teneis su myspace

http://www.myspace.com/sidaesvida

Y QUE ME DECIS DEL GLAM ? PONGAMOSLO EN RELACION CON LA TEORIA QUEER

Este texto es un resumen de un Artículo sacado de la web de una revista COLOMBIANA DE ROCK

http://www.shock.com.co/index.php/afondo/glam-survivor/#comment-15869
El género glam-rock, como tal, tiene marcados sus inicios a comienzos de los 70 en Inglaterra. Este movimiento se dio a conocer también con el término ‘Glitter Rock’, debido a las escandalosas prendas de vestir que usaban sus intérpretes, adornados con maquillaje, muchísimos brillantes, raros peinados o exagerados sombreros y botas de grandes plataformas, que de alguna manera se asociaban con el travestismo, el futurismo y todo el glamour del Hollywood de la época, especialmente del cine de Andy Warhol.
Bandas como Poison, Cinderella y Sangre Azul, que hace más de un par de décadas estaban en la cima del mainstream mundial, marcaron un estilo estético que aún se conserva en ciertos sectores de la sociedad. Algunos como sobrevivientes de la época y otros como herederos, que sin haber vivido el boom de esta tendencia, han decidido seguirla, han reforzado el género con los excesos y la rebeldía que Bowie y Marc Bolan iniciaron en los años setenta.
Ya sea haciendo covers, canciones propias, emulando el styling clásico o reinventándolo, cada vez es más común ver cómo la esencia ochentera se apega con más fuerza en nuevas generaciones. El regreso de grandes agrupaciones de la época, los padres y hermanos mayores, y el impulso que ha tomado de nuevo el rock como género, hacen parte de las principales razones por las cuales muchos jóvenes han decidido alborotarse el pelo, pintarse los ojos y volver a los casetes y acetatos.
Si bien es cierto que la mayoría del material de la época puede encontrarse en CD o Mp3, sus seguidores, como asegura Felipe Olmedo, guardan el romanticismo propio de esta tendencia. Por este motivo los casetes, acetatos, afiches y cualquier otro objeto que fue furor, es hoy en día un tesoro y una medalla de guerra para quien aun lo conserva y le da uso.
Felipe tiene 19 años y asegura que desde los quince, al ver la carátula de un Lp de Poison, decidió hacer del glam su estilo de vida. La rebeldía de Twisted Sisters, el poder de Kiss y sobre todo la actitud de Poison, su banda favorita, lo hicieron convertirse en un rebelde a la antigua y cerrar la puerta a las nuevas tendencias musicales. “Los ochenta fue la mejor época del mundo, los hombres y las mujeres eran iguales y la vida era para divertirse… hoy en día las cosas son diferentes, muchos jóvenes se convierten en glam por la moda y por conseguir chicas, pero nosotros, los que de verdad vibramos con la música, sabemos que esto es como una religión

Parte de esta influencia se ha gestado gracias a la moda. Varios diseñadores de grandes casas como Roberto Cavalli, Roberto Torreta, Frida Giannini de Gucci o la misma Avril Lavigne, con sus primeros pasos en la industria del diseño, han sacado de la escena under la estética rococó y maximalista del glam al crear colecciones inspiradas en las mallas y los flecos y haciendo que grandes personalidades de la industria del entretenimiento las usen. Esto ha generado que cada día sea más fácil encontrar gente en las calles con Reebook clásicas, pañoletas y peinados de la época.

Si bien este fenómeno ha logrado que se popularice y se masifique la estética, los que se declaran glameros de corazón aseguran que, como toda moda, es pasajera, y si bien es claro que muchos de los que adoptan este performance sienten alguna simpatía por el género, la verdadera pasión glam rock se lleva en las venasla esencia glam va mucho más allá de la estética y se convierte en una forma de vida. Pero no todos los que viven de esta pasión lo hacen por este boom actual. Jay, como se hace llamar, asegura haber vivido el surgimiento original del movimiento y desde ese entonces se resiste a dejarlo morir. Él asegura que si los ochenta no hubieran sido la mejor época del mundo, hoy no habría tanto seguidor de tan corta edad pegado a lo clásico.
Muchos jóvenes han retomado la laca y las prendas extravagantes para gritarle al mundo que todo tiempo pasado fue mejor. pelos lacados, muecas, diversión y rock & roll

Neoglam
Desde mediados de los 90 y comienzos de 2000, muchas bandas que extrañaban la música y la actitud del glam-metal retomaron sus sonidos logrando algo de figuración en medios y listados. Entre ellas podemos destacar a Buckcherry, Beautiful Creatures, The Donnas y los ingleses The Darkness. El efecto colateral de este nuevo movimiento ha hecho que los grandes de siempre, Mötley Crüe, Poison y Ratt, entre otras agrupaciones, iniciaran giras mundiales aprovechando este impulso, lo que desencadenó su regreso a los estudios a crear nuevas placas discográficas, y a otras bandas a lanzarse en el mercado actual con sonido retro.
Otros ejemplos de nuevos grupos
Vains of jenna
Hardcore super Star
Crashdiet
Hell city Glamorous
Wig Wam
Dirty Penny
Peep show
Aiorbourne
Endeverafter
Private Line

imagen de la mujer fatal desde el punto de vista de queer

2008-08-19T09:15:00.000-07:00

La propuesta queer cuestio na la existencia de categorías tales como las de hombre,
mujer, heterosexual, homosexual, bisexual, y lesbiana, entre otras. Bajo este enfoque,
todas ellas son construcciones sociales.En las teorías queer se cuestiona absolutamente todo y no se da por sentado nada,
ni siquiera a sí mismasNo se asume una sola verdad y como hemos me ncionado, el
supuesto principal que comparten estas teorías es que la identidad es algo que siempre
se mueve y no es estática. Es decir, no tiene sentido decir por ejemplo, el o ella es
heterosexual o bisexual, porque nuestra identidad es un continuo que posiblemente hoy
es de una forma y mañana es diferente.

Las propuestas queer se han desarrollado en dos ámbitos principales, el ámbito
teórico - en donde se hablan de teorías queer porque son varias no sólo una -, y el
ámbito activista con grupos como ACT UP y Queer Nation que son organizaciones que
luchan por el derecho de las personas cuya sexualidad no responde a la norma, luchan
por la diversidad y por los derechos de las personas HIV positivo, entre otras cosas.

A nivel teórico es importante destacar que este enfoque se ha enriquecido de los
trabajos de Michael Foucault, Monique Wittig, Judith Butler, y de Eve Sedgwick, entre
otros

Con relación a esto, Hernández (2004) señala que “a nivel militante, queer es
estar abierto a la diversidad, a no esperar conductas normativas, a no definir el género
de una persona en función de sus genitales, a cuestionar las jerarquías, el modo en que
nos presentan el mundo, a visibilizar otras realidades”.Durante la década de los noventa, diversas autoras feministas y lesbianas, como Judith
Butler o Sue-Ellen Case, proponen una definición del género en términos de
performance en reacción tanto a la afirmación del feminismo esencialista de una verdad
natural o pre-discursiva de la diferencia sexual como a la imposición normativa de
ciertas formas de masculinidad y feminidad. Más tarde, la propia Butler y Eve K.
Sedgwick, caracterizarán la identidad de género como el resultado de la "repetición de
invocaciones performativas de la ley heterosexual". Esta doble intervención crítica que
podría caracterizarse como "giro performativo" ha dado lugar a nuevas interpretaciones
de las representaciones de género y de la sexualidad, tanto en el espacio estético como
político.la noción artística y teatral de "performance" llega a ser
utilizada en los noventa por la "teoría queer" para desnaturalizar la diferencia sexual.Queer en sentido literal significa maricón, bollera, aunque por extensión designa
todo lo que sexualmente no es normativo (desde l@s trabajador@s sexuales a los
sadomasoquistas). El movimiento queer apareció a principios de los 90 en el seno de la
comunidad gay y lesbiana de los EE.UU.

Perfomances de género en el feminismo radical de los años 70
Apartir de los trabajos de Teresa de Lauretis, Judith Butler o Eve K. Sedgwick,Es
decir, la noción de performance adoptada por la teoría queer cuestiona el origen
biológico de la diferencia sexual.
las teorías queers cuestionan la idea de un sujeto político mujer (y de un sujeto político
homosexual) para poner el acento en la idea de subjetividad performativa.

tras esta introduccion hablemos un poco de un gran referente cinematografico que auna la teoria de queer y la de la femme fatale
El show de terror de Rocky, dirigida en 1975 por Jim Sharman sobre el musical The Rocky Horror Show de Richard O´Brien, es una película de culto sobre una pareja que, tras una avería en su coche, se ven obligados a pasar la noche en la mansión del Doctor Frank N' Furter científico loco astuto, superdotado y travesti que celebra la convención de transilvanos con motivo de la creación de su criatura, Rocky Horror, un hombre perfecto cuyo "medio" cerebro pertenece a un delincuente juvenil. La película no tardó en ser objeto de culto y pasar a la historia siendo todavía exhibida en cines donde se montan auténticas fiestas en torno a la película.

Reparto:

Tim Curry: Dr. Frank N. Furter (Un científico)
Susan Sarandon: Janet Weiss (Una heroína)
Barry Bostwick: Brad Majors (Un héroe)
Richard O'Brien: Riff Raff (Un chico para todo)
Patricia Quinn: Magenta (Una criada)
Little Nell: Columbia (Una groupie)
Jonathan Adams: Dr. Everett v. Scott (Un científico rival)
Peter Hinwood: Rocky Horror (Una creación)
Meat Loaf: Eddie (ex chico de reparto)
Charles Gray: El criminólogo (Un experto)
Todavía hoy en los cines en los que se proyecta se puede oír al público corear sus temas, sobre todo el famoso Science Fiction Double Feature (Sesión doble de Ciencia Ficción).

La película, en sí misma, es un musical que honra (y al tiempo satiriza) las Películas de ciencia ficción, en particular las producciones en blanco y negro de la RKO.

LA PERFORMANCE SOBRE LA MUJER FATALE PODRIA BASARSE TB EN LA IDEA DE ESTA PELICULA ES DECIR PROYECTAR DISTINTAS IMAGENES SOBRE EL TEMA E INCITAR AL PUBLICO A PARTICIPAR

lleva años proyectándose junto a un espectáculo interactivo, que une cine, público y actores que salen de la pantalla.

El tipo de publico qeu te puedes encontrar en estas proyecciones" tenistas de los setenta travestidos, enfermeras psicóticas, vampiresas llenas de sangre y novias decadentes. Todos disfrazados con pelucararos y horroritas". Éste es el nombre que los fans de la película se han puesto a sí mismos.Los gritos de "gilipollas y puta", cada vez que Brad y Janet (una jovencísima Susan Sarandon) no cesan en toda la película.
Si quieres soltarte el pelo, gritar como histérico, disfrazarte de aeromoza, maquillarte como Kiss, ser otro o ser tú y ver a los demás haciendo todo eso:
El Show de Terror de Rocky es el lugar

Dr. Frank: es un seudo científico, pero un autentico travesti, proveniente de planeta Transexual ubicado en la galaxia Transilvania (?). Fabricó a Rocky para acostarse con él, pero no le dio tiempo. Pero si le alcanzó el tiempo para echarse a Janet, Brad y Columbia.,una mezcla de Paul Stanley, de Kiss, y Freddie Mercury, de Queen)

Riff es un extraño mayordomo capaz de llevar tacones altos y trapear al mismo tiempo. Sólo alguien de Transilvania es capaz de eso. Sería una perfecta ganga para cualquier mujer si no fuera por su estilo de vida poco peculiar. Entre otras cosas, acostumbra tener sexo con su hermanita Magenta.
Magenta: la hermana incestuosa de Riff Raff, básicamente tiene el papel de la sirvienta.
Columbia: con un tono de voz altísimo, es la especialista del tap dance. Pretende tener un affaire con Frank y está a la vanguardia en cuanto a coloración de pelo.

Rocky: también lo podemos considerar como un alíen, aunque haya nacido sobre la Tierra, en el laboratorio del Dr Frank. Vivió 7 horas, pero le dio tiempo para explorar las múltiples facetas del sexo sobre nuestra planeta. ¡Qué más quiere uno!

Brad: el novio, nunca imaginó cuando se le poncho la llanta de su coche, que iba a terminar en la cama de un científico extraterrestre y travesti (Dr. Frank). Obviamente, la experiencia lo dejó un poquito sacado de onda.
Janet: (aka bitch) la inocente novia de Brad que perdió su inocencia con bastante facilidad y ni siquiera con su novio (de ahí el apodo) sino con Rocky y con Frank en la misma noche (por separado obviamente).
COMO PODEIS VER AQUI HAY VARIOS EJEMPLOS DE MUJER FATALE
DOS DE ELLOOS DENTRO DE LA TEORIA DE QUEER FRANK Y RIFF
LUEGO ESTA COLUMBIA
Y POR ULTIMO JANET QUE ACABA TRANSFORMANDOSE EN MUJER FATALE EN ESA NOCHE

Dr Scott: es el viejo profesor de Brad y Janet, también es un investigador undercover investigando la infiltración de los extraterrestres entre nosotros. Es el único que no se acuesta con nadie durante la película.

Eddy: sobrino del Dr Scott; tuvo mal influencia en su juventud y acabó con la mitad de su cerebro robado, fue congelado y poco después le rematan con un hachazo Todo eso por drugs, sex and rock’roll ¡Vaya vida!

Fanático del RHPS. No tiene ningún modal. Acostumbra a lanzar arroz en los teatros, gritar obscenidades a los actores, se viste a veces de manera muy rara y además suele aprovechar para ligarse a la persona sentada a su lado, sea quien sea. Hizo suya la frase: Don’t dream about it be it.
ANTECEDENTES

Todo empezó en 1973, cuando El Rocky Horror Show, una fantasía musical escrita por Richard O’Brian, debutó en el Royal Court Theatre de Londres, Inglaterra. La obra que trata de dos estudiantes fresas sumergidos en un mundo decadente (con una mezcla de rock’n roll, sexo y ciencia ficción) resultó ser un rotundo éxito. Al llegar a Estados Unidos, se montó en el entonces legendario teatro Roxy de Los Angeles, en el que un ejecutivo de la Fox, entusiasmado, decidió llevarla a la pantalla convirtiéndola en el Rocky Horror Picture Show (RHPS para los iniciados).

Pese al gran éxito que había tenido la obra teatral en los escenarios, la película, que se estrenó en 1975, resultó ser un fracaso de taquilla. Sin embargo, años después en una sala de Nueva York, en la función de media noche, empezó a llegar gente vestida como los personajes de la película, incluso algunos de los asistentes se sabían de memoria los diálogos. El cine se había convertido en el lugar de reunión de las criaturas de la noche de aquella época. Una noche durante la escena del aguacero, cuando Janet saca un periódico para taparse de la lluvia, alguien del público gritó: “Estúpida, porque no compras mejor un paraguas”. Así nacen las leyendas…

¿Quién es Quién?

Poco a poco, la gente empezó a desinhibirse e interactuar frente a la pantalla mientras pasaba la película: Un mito había nacido. En las grandes capitales del mundo crecío un mito underground que se propagó hasta convertir al RHPS en un clásico de culto.
A más de una década de su estreno, la función de media noche del RHPS sigue siendo una experiencia única. El show se presenta actualmente en Paris, Londres, Sidney, Tokio, Munich y un sin número de ciudades de Estados Unidos.

El elenco que actúa está a siempre constituido de aficionados, fanáticos que perpetúan el mito. Es gente extrovertida del público que sueña en convertirse por una noche, en un extraño ser, caracterizados por ser voluntariosos al confeccionar ellos mismos sus trajes. Anualmente se realizan convenciones en las que se reúnen todos los fanáticos del RHPS. Existen cientos de sitios de internet, canales de chat y todo lo relacionado con la película se ha convertido en objeto de coleccionistas.

INFLUENCIA DE LA TEORIA DE QUEER EN EL AMBITO ARTÍSTICO
VPvolémico, provocador y para algunos críticos banal, Andy Warhol ha pasado a la historia como uno de los artistas más influyentes del siglo XX. retratos en la que Warhol muestra su faceta de travestido, realizados por Christopher Makos y su socio Paul Solberg, que se encarga de la parte floral de la foto.
Makos, retratista de Warhol, del que era amigo personal, es también el fotógrafo que mejor inmortalizó la movida madrileña. El objetivo de su cámara captó a algunos de sus protagonistas más destacados, como los cantantes Alaska y Miguel Bosé y el director Pedro Almodóvar.

CINE
La homosexualidad en el cine ha sido retratada de maneras muy diversas dependiendo de la época, del país, o de la mirada personal del director. Se ha reflejado en comedias, cine experimental, de terror, histórico, policiaco, de denuncia social, biográfico o de serie B.[1]

A lo largo de la historia del cine ha habido una considerable evolución en la forma de enfocar esta temática; desde la visión negativa que se ha reflejado durante buena parte del siglo XX, bien retratando a los homosexuales con sorna - a menudo cayendo en el estereotipo del amaneramiento -, o bien como asesinos despiadados o perturbados suicidas; hasta muchas películas actuales dirigidas casi exclusivamente a los públicos LGBT y que cuentan con numerosos festivales de esta temática en todo el mundo. Gran parte de estas películas actuales muestran lo difícil que es “salir del armario” y proyectan al espectador la realidad en la que los homosexuales se encuentran. Sin embargo, ese cambio ya se había producido en el cine europeo con anterioridad.

Se puede diferenciar entre el Cine de temática LGBT, cuya temática gira en torno a personajes homosexuales y sus relaciones con el resto, y las películas en las que uno de los personajes es LGBT y tiene un papel secundario, o bien su sexualidad no influye en la trama de la película. Gran número de estos filmes se han centrado en la homosexualidad y bisexualidad masculinas, mientras que las femeninas y la transexualidad se han abordado menos frecuentemente.[2]
Cine clásico: Desde los años 30 a los 60 [editar]En el cine mudo ya había aparecido la figura del sissy (mariquita en inglés) en las películas de Hollywood, pero fue tras la llegada del sonoro cuando gozó de mayor popularidad. A pesar de que nunca se hacía mención a las preferencias sexuales o afectivas de estos personajes, la audiencia los podía identificar fácilmente como homosexuales por reflejar los clichés existentes en la sociedad hacia ellos. Éstos consistían en retratarlos como personajes extremadamente amanerados, remilgados, con delgados bigotes y a menudo grotescamente maquillados. Los sissys resultaban divertidos a los espectadores, ya que en comparación con ellos, los hombres podían sentirse más masculinos y las mujeres más femeninas. Algunas de las películas que incluían sissys entre sus personajes fueron La melodía de Broadway (1929), Our Betters (1932),[4] La alegre divorciada (1934) o Myrt and Marge (1934)[5] [6]

Greta Garbo, icono lésbico.Durante esta época se daba una paradoja al comparar a reacción que generaban los hombres caracterizados con ropas o actitudes consideradas femeninas y las mujeres que asumían un rol masculino. Mientras los primeros eran objeto de chistes y situaciones cómicas, las segundas eran consideradas atractivas tanto por hombres como por mujeres. Esta reacción se puede comprobar en el film Marruecos (Josef von Sternberg, 1930), donde Marlene Dietrich se viste con un esmoquin de hombre en un club nocturno y es aplaudida por todos los asistentes cuando da un beso en la boca a otra mujer.[6] Otra película con guiños al lesbianismo fue La reina Cristina de Suecia (1933), donde a pesar de que se cambió la historia para no hacer alusión directa a la homosexualidad de dicha monarca, se mostraba la estrecha amistad que le unía a una de sus sirvientas. Su actriz protagonista, Greta Garbo, junto a la mencionada Marlene Dietrich se convirtieron en los dos iconos lésbicos por excelencia de la historia del cine.

En los años 30, la Iglesia Católica y ciertas ramas protestantes, a través de la Legión para la decencia y de la Liga de mujeres amenazaron con promover boicots por el contenido de algunas películas que ellos consideraban indecentes y poco ejemplares para la sociedad. Para frenar estas presiones, la industria de Hollywood dio el visto bueno al Código Hays ideado por Bill Hays, cuyo objetivo era censurar todos los temas considerados indecente. Entre ellos, se encontraban los desnudos, los besos demasiado ardorosos, el aborto, la prostitución o las perversiones sexuales, entre las que se incluyó como tal a la homosexualidad.

Durante casi tres décadas, la censura estuvo autorizada a cambiar todos los diálogos, escenas, personajes o tramas que no concordaran con los principios del código: Así en Días sin huella (1945)[7] las dudas que su protagonista tiene acerca de su sexualidad que están presentes en la novela en la que se basa, se silencian en la película. Encrucijada de odios (1947)[8] basada en un libro que trataba sobre unos asesinatos de homosexuales, se convirtió en una película sobre asesinatos de judíos.

La nueva censura prohibió cualquier referencia explícita a la homosexualidad, pero no consiguió eliminarlas del todo. Aunque la mayor diferencia con el periodo anterior radicaba en que los homosexuales dejaron de ser un elemento cómico para asumir el papel de villanos, más acorde con el concepto de homosexualidad que el Código Hays quería transmitir a la sociedad. Películas como La hija de Drácula (James Whale, 1933), Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), o más tarde, Sin remisión (John Cromwell, 1950) mostraban a lesbianas capaces de perseguir sus objetivos sin ningún escrúpulo, mientras en Young Man with a Horn (1950) Lauren Bacall interpretaba a una mujer bisexual que vive una vida autodestructiva y desordenada. También en el film La soga (Alfred Hitchcock, 1948), dos jóvenes unidos por una sugerida relación amorosa asesinan a un compañero de estudios.

Al no poder hacerse alusión directa a la homosexualidad, ésta debía insinuarse por medio de guiños para que el público pudiera identificarlos fácilmente con ella. Así, en El halcón maltés (1941), el personaje interpretado por Peter Lorre, que en la novela original es gay, es presentado a Bogart resaltando que se perfuma con gardenia mientras suena una música femenina.

También el western contó con filmes donde se insinuaba la homosexualidad como ciertas escenas entre Montgomery Clift y John Ireland en la película dirigida por Howard Hawks: Río rojo (1948),[9] o el lesbianismo velado de las protagonistas de Juanita Calamidad (1953) y Johnny Guitar (1954).

La forma en que Hollywood y la sociedad americana de los 50 percibían a los gays quedó retratada en el largometraje Té y simpatía (1956) de (Vincente Minnelli, en el que una familia bien situada socialmente decide curar el afeminamiento de su hijo para acallar los rumores sobre su homosexualidad.

Durante los últimos 50 comenzaron a insinuarse relaciones sexuales entre personas del mismo sexo en algunas películas, y fue entonces cuando la censura empezó a funcionar de forma más notoria. Films como Ben-Hur (William Wyler, 1959) pudieron sortearla gracias al tratamiento casi subliminal de la relación gay que sugiere la película. Según el escritor y guionista de dicha cinta, Gore Vidal en el documental El celuloide oculto, la trama giraba alrededor de la relación homosexual que mantuvieron los dos personajes principales durante su adolescencia que en el film es tratada como una amistad. No ocurrió lo mismo con Espartaco (Stanley Kubrick, 1960), cinta en la que la censura eliminó una escena en la que se podía ver al esclavo Tony Curtis bañar a su amo Laurence Olivier mientras ambos personajes hablan veladamente de su homosexualidad.[10] También La gata sobre el tejado de zinc (Richard Brooks, 1958) y De repente el último verano (Joseph L. Mankiewicz, 1959), ambas películas basadas en obras teatrales de Tennessee Williams fueron censuradas para que la homosexualidad de sus protagonistas no se mostrara claramente.
En esta época el Código Hays había dejado de aplicarse gradualmente para todas las situaciones que contemplaba, pero aún quedaba por derribar el último tabú, la homosexualidad. Los realizadores, cansados de las limitaciones comenzaron a rodar películas que claramente trataban sobre lesbianas y gays, pero siempre bajo el prototipo que debía acompañar a estos personajes: debían llevar una vida atormentada que culminara con un final trágico, bien a través de una muerte violenta o bien suicidándose. Algunos ejemplos son el personaje de Sal Mineo en Rebelde sin causa (Nicholas Ray, 1956), La gata negra (Edward Dmytryk, 1962), o Tempestad sobre Washington (Otto Preminger, 1962), film en el que un senador es chantajeado a causa de su homosexualidad. También en La calumnia (William Wyler, 1962) el personaje interpretado por Shirley MacLaine vive atormentado por haberse enamorado de Audrey Hepburn y finalmente acaba suicidándose.

A finales de la década de los 60, la palabra homosexual ya era utilizada habitualmente sin tapujos en algunas películas, aunque éstas aún incidían en la visión truculenta de la vida de lesbianas y gays. El detective (Gordon Douglas 1968) cuenta la historia de un detective que no asume su condición sexual y en La zorra (Mark Rydell, 1968) un hombre se interpone en una pareja de lesbianas y logra convertir a una de las mujeres en heterosexual, mientras la otra muere aplastada por un árbol.
Cine contemporáneo: A partir de los 70 [editar]A principios de los 70 se rodaron las primeras películas que indicaban una pequeña evolución en la relación entre la industria cinematográfica y la homosexualidad, justo cuando el movimiento LGBT estaba dando sus primeros pasos. Los chicos de la banda (1970) de William Friedkin fue el primer film gay con final no-trágico producido en Hollywood, aunque su visión estereotipada de los gays no fue bien recibida entre los activistas LGBT. La película muestra a un grupo de gays en el que prima la amistad y la camaradería, pese a que en momentos del metraje algunos personajes reflexionan acerca de su condición sexual con cierta autocompasión. La cinta Cabaret (1972) dirigida por (Bob Fosse) dio un paso más al mostrar a Michael York como un gay sensato y sin sentimientos de culpa hacia su sexualidad.

A pesar de estas excepciones y de poderse mostrar libremente la homosexualidad, películas como Punto límite: cero (1971) y Una extraña pareja de polis (1974) retoman el viejo estereotipo de delincuentes gays que finalmente son ajusticiados por el héroe heterosexual.

Cruzado ya el umbral de los 80, películas como Ventanas (1980), El fan (1981)[11] y A la caza, (1980) insistían en la visión de lesbianas y gays como asesinos dementes y sin escrúpulos. Esta última película, cuyo argumento trataba sobre un asesino en serie que localizaba a sus víctimas en lugares de ambiente leather, logró algo inédito hasta entonces: los homosexuales, cansados de ver cómo el cine de Hollywood seguía retratándoles de forma negativa, y conscientes de la influencia de éste en el imaginario colectivo de la sociedad, organizaron protestas masivas por varias ciudades norteamericanas con el objetivo de detener su distribución. Finalmente la película A la caza fue retirada de las pantallas y las manifestaciones sirvieron para que la industria del cine tomara conciencia del hartazgo del colectivo LGBT respecto a la mala imagen que el cine daba de ellos. Para "arreglarlo", en 1982, se estrenaría la comedia policíaca Algo más que colegas (1982), interpretada por Ryan o'Neal y John Hurt.

Cine contemporáneo: A partir de los 70 [editar]A principios de los 70 se rodaron las primeras películas que indicaban una pequeña evolución en la relación entre la industria cinematográfica y la homosexualidad, justo cuando el movimiento LGBT estaba dando sus primeros pasos. Los chicos de la banda (1970) de William Friedkin fue el primer film gay con final no-trágico producido en Hollywood, aunque su visión estereotipada de los gays no fue bien recibida entre los activistas LGBT. La película muestra a un grupo de gays en el que prima la amistad y la camaradería, pese a que en momentos del metraje algunos personajes reflexionan acerca de su condición sexual con cierta autocompasión. La cinta Cabaret (1972) dirigida por (Bob Fosse) dio un paso más al mostrar a Michael York como un gay sensato y sin sentimientos de culpa hacia su sexualidad.

A pesar de estas excepciones y de poderse mostrar libremente la homosexualidad, películas como Punto límite: cero (1971) y Una extraña pareja de polis (1974) retoman el viejo estereotipo de delincuentes gays que finalmente son ajusticiados por el héroe heterosexual.

Cruzado ya el umbral de los 80, películas como Ventanas (1980), El fan (1981)[11] y A la caza, (1980) insistían en la visión de lesbianas y gays como asesinos dementes y sin escrúpulos. Esta última película, cuyo argumento trataba sobre un asesino en serie que localizaba a sus víctimas en lugares de ambiente leather, logró algo inédito hasta entonces: los homosexuales, cansados de ver cómo el cine de Hollywood seguía retratándoles de forma negativa, y conscientes de la influencia de éste en el imaginario colectivo de la sociedad, organizaron protestas masivas por varias ciudades norteamericanas con el objetivo de detener su distribución. Finalmente la película A la caza fue retirada de las pantallas y las manifestaciones sirvieron para que la industria del cine tomara conciencia del hartazgo del colectivo LGBT respecto a la mala imagen que el cine daba de ellos. Para "arreglarlo", en 1982, se estrenaría la comedia policíaca Algo más que colegas (1982), interpretada por Ryan o'Neal y John Hurt.

Hubo una época de censura increíble, no de imágenes positivas de gays y lesbianas, si no de imágenes reales de gays y lesbianas. Los gays y las lesbianas han vivido haciendo frente al ostracismo, amando y sobreviviendo. Hay muchas historias heroicas reales. Jan Oxemberg, directora de cine.
A partir de este momento, el cine mainstream de Hollywood comenzó a producir películas que trataban con respeto a los homosexuales. Las pioneras fueron dos, ambas rodadas en 1982, Su otro amor (Arthur Hiller), que retrataba una relación entre dos hombres y Personal Best (Robert Towne), que giraba en torno al amor entre mujeres. En la primera, un médico casado experimenta una crisis en su sexualidad e inicia una historia de amor con un escritor gay interpretado por Harry Hamlin. La segunda de ellas narra el enamoramiento de dos atletas de élite interpretadas por Mariel Hemingway y Patrice Donnelly que se ve truncado al iniciar una de ellas una relación heterosexual.

En esta época y hasta principios de los 90, Hollywood produjo varias películas en las que los personajes y las relaciones homosexuales, especialmente lésbicas, se representaron de forma diversa. Si en Silkwood (Mike Nichols, 1983) el personaje interpretado por Cher vive su homosexualidad abiertamente,[12] en otras películas como El color púrpura (Steven Spielberg, 1985), Tomates verdes fritos (John Avnet, 1992) o El silencio de los corderos (Jonathan Demme, 1992) los personajes lésbicos no se muestran como tal en comparación a las novelas en las que se basan.[13] [14] Otra representación del lesbianismo en este periodo se encuentra en Instinto básico (Paul Verhoeven, 1992), con la que se repitieron las manifestaciones de las asociaciones LGBT estadounidenses por presentar el personaje homosexual encarnado por Sharon Stone como una asesina. También la profunda amistad entre las protagonistas de Thelma y Louise (Ridley Scott, 1991) ha sido interpretada a menudo como una relación lésbica,[15]

La película de 1993 Filadelfia fue la segunda de gran presupuesto y actores famosos en abordar el tema del SIDA (tras And the Band Played On) en Estados Unidos, ý también marcó un cambio a principios de la década de 1990 en las películas de Hollywood relacionado con la representación más realista de los homosexuales. Sin embargo, el hecho de que los personajes de Tom Hanks y Antonio Banderas no intercambiaran muestras de afecto típicas de una relación, como los besos, y la ausencia de mujeres homosexuales atrajo revisiones desfavorables de algunos críticos de cine LGBT. En una entrevista del documental de 1996 The Celluloid Closet, Hanks señaló que algunas escenas en las que se mostraba más afecto entre él y Banderas fueron descartadas, incluyendo una escena de ambos en la cama juntos (la edición DVD de esta película sí incluye esta escena). La película ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto (Tom Hanks) y a la mejor canción (Bruce Springsteen por Streets of Philadelphia). La película estaba parcialmente inspirada en la historia de Geoffrey Bowers, un abogado que en 1987 demandó a la firma legal Baker & McKenzie por despido improcedente en uno de los primeros casos de discriminación por SIDA.

Desde mediados de 1990 la industria norteamericana presenta una línea de comedias que abordan la homosexualidad como argumento central o secundario, con personajes amables y positivos. El banquete de bodas (1993), dirigida por Ang Lee, empleaba la estructura de comedia de enredo al estilo de George Cukor en la que uno de los miembros de una feliz pareja homosexual se casa con una chica, con la complicidad de su auténtica pareja, para guardar las apariencias antes sus tradicionales padres. Una estructura similar emplea In & Out (1997), dirigida por Frank Oz e interpretada por Tom Kline, Tom Selleck y Matt Dillon. En esta ocasión un profesor de literatura ve expuesta su, hasta entonces oculta, homosexualidad a raíz de la confesión de un antiguo alumno, actor célebre, durante la entrega de un premio por televisión. La boda de mi mejor amigo (1997), dirigida por P. J. Hogan y encabezada por Julia Roberts y Cameron Diaz, es una alocada comedia en la que el personaje gay de Rupert Everett apoya a su amiga en una farsa para ayudarla a conquistar a un chico que está enamorado de otra. Otro ejemplo lo encarna Mejor imposible (1997), dirigida por James L. Brooks en el que el huraño escritor encarnado por Jack Nicholson, enamorado de una camarera Helen Hunt, aprovecha un percance sufrido por su vecino, un artista homosexual Greg Kinnear, como excusa para cortejarla. A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar (1995), se benefició de su reparto Patrick Swayze, John Legizamo y Wesley Snipes, para contar las aventuras de un grupo de drag-queens en un viaje por pueblos del interior de Estados Unidos. En clave juvenil figura Persiguiendo a Amy (1997), dirigida por Kevin Smith e interpretada por Ben Affleck y Jason Lee dos amigos dibujantes de cómic, uno de los cuales se enamora de una dibujante lesbiana Joey Lauren Adams,aunque a pesar del shock inicial decide seguir con su incipiente amistad.Oscars 2006: Brokeback Mountain, Transamerica, Capote

AMBITO DEL COMIC
Yuri (百合, ''Yuri''?), es un termino de la jerga japonesa para referirse al género que involucra amor entre mujeres en manga, anime, y otros medios de expresión Japoneses.[1] Yuri puede centrarse tanto en los aspectos emocionales como en los aspectos sexuales de la relación, el primero en ocasiones es llamado shōjo-ai por el fandom occidental.

Los temas que trata el yuri, tienen sus raíces en la literatura lésbica japonesa de comienzos del siglo veinte, con piezas como Yaneura no Nishojo por Nobuko Yoshiya. Sin embargo, los primeros mangas yuri comenzaron a publicarse recién a comienzos de los 70, de la mano de artistas tales como Ryoko Yamagishi y Riyoko Ikeda. Los 90 trajeron nuevas tendencias en manga y anime, asi como también en producciones dōjinshi, junto con mas aceptación por este tipo de contenido. En el 2003 la primera revista manga exclusivamente dedicada al yuri fue lanzada bajo el nombre de Yuri Shimai, seguida por Comic Yuri Hime, lanzada después de que Shimai fuera discontinuada en el 2004.

Si bien el yuri fue originalmente dirigido al público femenino (shōjo, josei), hoy en día también hay obras del genero destinadas al público masculino(shōnen, seinen). Mangas yuri de revistas para hombres incluyen títulos como Kannazuki no Miko y Strawberry Panic! así como también, aquellos que se publican en la revista yuri para hombres Comic Yuri Hime S, lanzada en el 2007.

El yuri es un género del manga y el anime que muestra relaciones lesbicas tanto explícitas como no explícitas entre mujeres.
Si no hay sexo explícito, y el tema se centra más en la relación romántica, se conoce como (amor entre chicas) y es un subgénero del "shojo" (cómic dirigido a chicas adolescentes), Al igual que con el yaoi (relaciones entre 2 o mas hombres) , es más o menos frecuente encontrar yuri. Existen algunas revistas dedicadas a este género como el yuri shimai.

Maria sama ga miteru:

Maria-sama ga Miteru es una serie de novelas shojo con connotaciones de drama, comedia y romance lesbico, creada originalmente en por oyuki konno. Al principio fue hecha como una historia corta dentro de una revista, pero debido a su éxito fue convertida en una serie de novelas a partir del año siguiente a si edicion. Dicha serie no ha concluido aún y contiene hasta la fecha 29 volúmenes (el trigésimo volumen se publicará el 28 de junio de este año).

El argumento de esta serie combina elementos más asociados al mundo real y no se enfoca en situaciones fantasiosas. Esta historia muestra algunos tópicos especiales, sumados a la persistente aparición de personajes femeninos, la austeridad del ambiente, una trama lenta y centralizada en las relaciones de las personajes; esto último se ha asociado al lesbianismo de algunos personajes, pero no relacionado con una atracción física sino platónica o idealizada.
http://perzonajo.blogspot.com/2007/07/especial-yuri.html

Yuri
El termino yuri puede ser usado para describir cualquier anime o manga (o fanfiction, one-shot, película, OVA, etc.) que demuestre una intensa conexión emocional, amor o deseo sexual entre mujeres. Con o sin escenas de sexo explícito. Yuri no es un género determinado por el sexo o edad de la audiencia a la que esta dirigido, pero sí a la "percepción" de la misma. Si se desea, se puede diferenciar entre Shōnen Yuri, escrito por hombres para una audiencia masculina, Shōjo Yuri, escrito por mujeres para una audiencia femenina, y Yuri Verdadero, escrito por lesbianas para lesbianas.2
Shōjo ai
Shōjo ai (Amor entre chicas) es un término relativamente nuevo, análogo a Shōnen ai (Amor entre hombres) creado por un fan estadounidense y adoptado por el fandom occidental, que tiene poco a ningún uso en Japón. El shōjo ai fue aceptado como un termino para referirse a una relación entre chicas, en la cual es mas fuerte el elemento romántico que el sexual, más específicamente, cuando no hay escenas de sexo explicito.2
Terminología
En Japón, a las dos participantes de una relacion yuri se las llama Tachi (立ち, タチ) y Neko (ネコ). Neko, significa literalmente gato en japonés y Tachi, proviene de la jerga de una de las formas tradicionales del teatro japones,3 donde los Tachi-yaku representan héroes con mucha fuerza fisica, que realizan actos de valentía y arrojo.4
Tachi]
Tachi (立ち, タチ): Es el termino para referirse a la mujer de personalidad activa/atacante en una relación establecida, o bien a la mujer que toma la iniciativa y busca seducir a la otra para comenzar una relación. Es la forma en que se denomina, a la mujer que usualmente toma una posición dominante durante las relaciones sexuales.
En la vida real, las mujeres llamadas Tachi, presentan rasgos masculinos y un perfil andrógino, se caracterizan por llevar el pelo corto y usar ropa poco femenina, lo que en español se le conoce como "marimacho" o "machorra". Esto se aplica también en el yuri, donde las Tachi, si bien pueden presentar rasgos físicos de hombres como ser, pelo corto u ojos relativamente pequeños. Un claro ejemplo de esto, es Amane Ohtori de Strawberry Panic! quien es llamada "Príncipe" por las alumnas de la escuela Spica, por su apariencia andrógina y refinada.
Neko
Neko (ネコ): Es el termino para referirse a la mujer de personalidad pasiva/tímida en una relación establecida, o bien una mujer que es cortejada por otra. Es la forma en que se denomina a la mujer que usualmente toma una posición sumisa durante las relaciones sexuales.
Las Neko en la vida real no difieren de cualquier mujer heterosexual, en lo que respecta a feminidad y cuidado de la apariencia. En el yuri se caracterizan por presentar rasgos femeninos y suavizados como ser, ojos particularmente grandes, manos pequeñas y brazos delgados. Utilizan faldas, se maquillan y tienen una personalidad más débil que las Tachi.

yaoi
El yaoi (「やおい] en japonés), abreviatura para yama-nashi ochi-nashi imi-nashi (que significa "sin clímax, sin resolución, sin sentido"), es un género de manga y anime muy popular en Japón y otros países del mundo. La característica principal de un manga o serie yaoi es el amor entre personajes masculinos. El género suele estar englobado dentro del shōjo o manga orientado a chicas, por estar enfocado principalmente a un público femenino.

La mayor parte de las obras yaoi en el mundo son doujinshis, aunque el número de publicaciones profesionales en Japón es muy alto

Seme/Uke [editar]En el yaoi y shōnen-ai suele haber dos personajes principales, cada miembro de la pareja en este caso. Cada uno lleva un rol (variable aunque casi siempre estable) en la consumación de su amor.

Seme: proveniente de la palabra semeru「せめる] ("atacar" en japonés). Desempeña el papel "activo" en las relaciones sexuales. Normalmente es mayor y/o más alto y corpulento que el uke.
Uke: proviene de la palabra ukeru「うける] ("recibir" en japonés). Desempeña el papel "pasivo" en las relaciones sexuales. Normalmente es menor y/o más bajo y pequeño que el seme.
Existe un tercer grupo de personajes (Suke, que se obtiene combinando ambos términos) que pueden ser tanto semes o ukes, dependiendo siempre de su pareja. El yaoi y shōnen-ai, al tratarse casi siempre de historias amorosas, intentan recrear relaciones reales que pueden ser muy complicadas, así que no se puede generalizar al hablar de los semes y los ukes al igual que no se puede generalizar al hablar de los diferentes protagonistas masculinos y femeninos sólo por su sexo.

Diferencia entre yaoi y shōnen-ai [editar]Shōnen-ai y yaoi no son lo mismo. La diferencia está en que el shōnen-ai, aunque también retrata el amor entre personajes masculinos, nunca muestra relaciones sexuales entre ellos, cosa que sí hace el yaoi. El shōnen-ai sólo muestra expresiones de amor o afecto tanto verbales como abrazos o caricias. Lo más explícito que suele mostrar el shōnen-ai son besos entre ambos personajes. De ahí que el shōnen-ai se considere un género netamente dentro del manga shōjo.

CLAMP es un cuarteto femenino de dibujantes japonesas de manga que se han ganado el título de Las Reinas del Shōjo (siendo el shōjo el manga dirigido a las chicas jóvenes). Tienen un estilo bastante sádico que también podría ser manga para gente más adulta, aunque otras historias como Card Captor Sakura están dedicadas también para un público infantil, es decir una gran variedad de géneros. Ellas son: Mokona (もこな, Mokona?), antes Mokona Apapa, Ageha Ohkawa (大川緋芭, Ageha Ohkawa?), antes Nanase Ohkawa, Tsubaki Nekoi (猫井椿 , Tsubaki Nekoi?), antes Mick Nekoi y Satsuki Igarashi (いがらし寒月, Satsuki Igarashi?) (conservó su nombre pero cambió su combinación de Hiragana y Kanji, antes 五十嵐さつき).

Empezaron como un grupo de dibujantes en el instituto, dibujando dôjinshis desde 1987 hasta 1991. Sus dôjinshis se publicaban en una colección llamada CLAMP BOOK. También publicaban una coleción de "doujinshis" llamada CLAMP NEWS, que icluían pequeñas historias de sus obras más recientes del momento e imágenes de artbook. Residen actualmente en Tokio. En un principio tenían doce miembros, de las cuales actualmente sólo hay cuatro.

Ellas se caracterizan también por un cierto gusto por lo crossovers, por lo cual leyendo algunas de sus series pueden encontrarse personajes, objetos, lugares, símbolos y/o referencias conocidos de otra serie.

Por ejemplo en X aparecen Subaru Sumeragi, Hokuto Sumegari y Seishirou Sakurazuka de Tokyo Babylon y también aparecen Nokoru Imonoyama, Akira Ijuin y Suoh Nakamura de CLAMP Gakuen Tanteidan.

Además sus de obras más recientes, xxxHOLIC y Tsubasa Reservoir Chronicle, se caracterizan por éstos crossovers, ya que las dos se entrecruzan con respecto al argumento y además Tsubasa es casi puramente crossover en donde aparecen personajes de todas sus obras anteriores.

Del mismo modo, han ayudado a la realización de otras series. Actualmente, hicieron los bocetos para el anime de Code Geass: Lelouch of the Rebellion, teniendo al protagonista, como una copia casi igual que Kamui de su anime "X", además de haber participado con Madhouse para la realización de unos mini-capítulos de una serie llamada "Sweet Valerian", de la cuál ellas hicieron el diseño conceptual.Actualmente están colaborando en el diseño de personajes para la serie de misterio Moryo no Hako a estrenarse en Octubre del 2008.

FEMME FATALE EN OTROS ESTILOS MUSICALES

2008-08-19T08:46:00.000-07:00

EL HIP HOP
MISSY ELLIOT

MC, productora, compositora y una mujer de armas
Missy Elliot empezó a componer en los 90 para sus contemporáneas afroamericanas: Whitney Houston, Destiny's Child, Janet Jackson, Mariah Carey... Pero al parecer en aquel momento ni eran tiempos de rap ni su físico le ayudaba. Tras su hit Lady Marmalade - Pink, Mya, Lil' Kim y Christina Aguilera - decidió revelarse a la industria dirigiendo su propia discográfica y lanzando al mercado su primer trabajo. La hermana feucha y más bien rellenita ponía patas arriba el panorama llevando el género urbano a lo más alto.

ARI
Arianna Puello o Ari es una Mc española de origen dominicano.

[url=http://img143.imageshack.us/my.php?image=200pxariannapuelloel1.jpg][img=http://img143.imageshack.us/img143/3712/200pxariannapuelloel1.th.jpg][/url]

LA MALA RODRIGUEZ

María Rodríguez Garrido (Jerez de la Frontera, 13 de febrero de 1978), más conocida como "Mala Rodríguez" o "La Mala",

OTROS ESTILOS MAS MINORITARIOS
Para muchos la nueva femme fatal, aquella que ha llegado a imponer lo que debe ser una chica mala, unos mas la tildan de fenómeno musical y los más ineptos la tachan de plástica y comercial
Emilie es bella y por mucho rara, su mística imagen y su encantador gusto por los colores rosa reunidos a su vez con el estilo gótico, crean una extravagante estética demasiado acida.

Se le adjudica el estilo Gothic-Lolis o de Lolita Gótica, su look semejante a ropa de muñecas recuerdan a aquellas prendas que vemos en los jóvenes japoneses y que alcanzaran su auge y difusión gracias a personajes y músicos como Mana-Sama quien se ha ganado el titulo de exponente del género.Autumn inicia muy joven, para ser exactos a los 4 años, época en la cual se iniciaba como violinista, técnica que domina magistralmente. La música fue la que la llevo a varias partes del mundo, en donde no solo la aprendía sino que la hizo desempeñar actividades diversas.

Lo que ella deseaba era crear música a costa de lo que fuera, pero siempre defendiendo sus ideales, esto quedo en claro a sus escasos 17 años en donde se dio el lujo de rechazar un contrato discográfico, solo por que los productores intentaban hacer con ella un producto pop mas, simple y vacío. Tiempos más tarde lanza un álbum enteramente de violín, al que llamó “On a Day” como ejemplo de su independencia y talento, dando vida no solo al álbum, sino también a la “Traitor Records”, la discográfica que aun maneja. Las comparaciones llegan de todos lados y las interpretaciones que vienen colocan su música entre lo industrial, electro, rock clásico, dark wave, etc… esto queda resumido a un estilo al que ella le ha dado nombre de “Victoriandustrial”,

A partir de ese momento Autumn no ha descansado y su talento activo se ha visto reflejado en trabajos no solo de ella, sino también en colaboraciones alternas como el proyecto Jane Brooks.

ANIKI
Aniki, de nombre real Ana Escudero,[1] es una artista de Hip hop, Soul y R&B españo

la imagen de la femme fatale en el rock II

2008-08-18T15:32:00.000-07:00

dentro del psicobilly , rockabilly y derivados destacan

The Creepshow es una Banda de Psychobilly de Burlington, Ontario, Canadá. La banda formó en 2005 en que los cuatro miembros se reunieron con el propósito de comenzar una banda hellbilly. The Creepshow escribe la mayoría de sus canciones sobre las películas del horror, con la música cabiendo el género del punky del horror.

Encabezados por una vocalista femenina
http://www.amorinmortal.com.ar/inicio/videoclips/the-creepshow-zombies-ate-her-brain

Horrorpops son un grupo procedente de Dinamarca, formados en 1996. Su música se puede clasificar como psychobilly, ya que es una mezcla de rockabilly y punk, aunque también le añaden toques de pop.

La banda se caracteriza por las dos go-gós que les acompañan en las actuaciones y por el estilo ‘pin up’ a lo "Bettie Page" de su líder, cantante y contrabajista Patricia Day. "He llevado esta imagen los últimos diez años, y antes nadie la conocía. Ahora sí, y me alegra porque se recupera esta subcultura. Aún está viva", dijo Patricia al respecto.

PUNK

Distillers

The Distillers era una banda de punk rock formada en 1998. Sacaron sus dos primeros álbumes en la firma independiente Hellcat Records, propiedad de Tim Armstrong de Rancid antes de mudarse a Sire, parte de Warner Music Group.

Era una banda de rock liderada por una mujer, Brody Dalle. La banda la empezó ella y al principio eran sólo mujeres, aunque hubo cambios.En enero de 2007, Brody anunció la disolución definitiva de la banda

Deadline,

HARDCORE

El denominado movimiento del Riot Grrrl será una explosión de feminismo dentro de la escena indie punk de los años 90, al mismo tiempo que parte de las bandas participantes en este movimiento también tendrán sus raíces en la incipiente escena grunge porque la gran mayoría de las bandas adscritas al riot grrrl provienen del área de Olympia/Washington (en el estado de Washington está la ciudad de Seattle). El Riot Grrrl es un intento de situar a la mujer como artista dentro de la escena musical porque hasta este momento, mayoritariamente, las mujeres vivían dentro del mundo de la música más como groupies que como músicos.

La datación del nacimiento de este movimiento musical de liberación femenina es bastante difícil, es posible que el hecho clave para la desencadenación del Riot Grrrl esté en la International Underground Pop Convention celebrada en Olympia en Agosto de 1991. La primera jornada de este encuentro musical internacional se desarrolló bajo el nombre de Girl Day por lo que sólo actuaron grupos compuestos por chicas. Era como un intento por dar un papel protagonista a la mujer dentro de un mundo, el del rock o el del punk, tradicionalmente de carácter machista o, al menos, dominado por los hombres. Ese día tocaron: L7, Bikini Kill, Tiger Trap, Bratmobile, 7 Year Bitch,... Estas bandas llevaban una especie de liberación femenina que iba más allá del aspecto puramente musical ya que sus letras no estaban centradas en el machismo imperante en el mundo de la música, hablaban de violaciones, abusos sexuales, lesbianismo, destrucción de los estereotipos propios de la mujer tradicional,... todo ello apoyado en la música y en multitud de fanzines donde se propagaban todas estas ideas.

Una foto reciente de L7.

Todos estos grupos femeninos van a participar dentro de la escena hardcore/punk ya que su forma de actuación va a estar basada en el Do It Yourself, en la creación de recopilatorios de riot grrrls, en la producción de fanzines, aparecieron sellos totalmente underground que se van a encargar de sacar los trabajos de estos grupos, por ejemplo el sello Kill Rock Stars, había un gran apoyo entre las bandas lo que les llevaba a editar discos y singles conjuntos o a compartir giras nacionales. Hay que tener en cuenta que el simple hecho de rascar una guitarra o aporrear una batería, dentro del riot grrrl, no sólo era una forma de diversión también lo era de liberación. Se puede pensar que esta tradición de búsqueda de la liberación femenina dentro de la música rock no era algo nuevo, de hecho Janis Joplin pudo ser una riot grrrl pero el papel de gran heroína e influencia para las riot grrrls estará en la figura de Joan Jett quien militó en The Runaways para, después, desarrollar su carrera en solitario cosechando algún que otro gran hit como I love rock'n'roll. Pero las influencias de las llamadas riot grrrls eran bastantes más: bandas del post-punk como X-Ray Spex o The Au Pairs, pero también Yoko Ono, Angela Davis, el situacionismo,... y algunos chicos, ya que las riot grrrls no iban en contra de los chicos simplemente reclamaban un mayor papel para las chicas, entre sus ídolos masculinas destacaran las figuras de Kurt Cobain, como no, o el director de cine independiente John Cassavettes.

Sobre todo hay varias bandas que destacan dentro de todo este movimiento musical de la década de los 90: L7, Bikini Kill, Huggy Bear, Sleater-Kinney o Babes in Toyland, a las que podemos añadir muchas otras bandas como 7 Year Bitch, Team Dresch, Bratmobile, The Buchies,...

actualmente
Walls of Jericho es una banda de Hardcore liderada por una mujer formada en 1998 en Detroit, Michigan llamada depués del album del mismo nombre de la banda de power metal Helloween.

Reaching hand
Hardcore old school con cantante femenina al frente

España

XPinkLadiesX nace de la idea de difundir la voz entre las chicas dentro del Hardcore, Metal, Emo, Metalcore(sean o no Straight Edge, Vegan...) para apoyar a las mujeres dentro de la musica y para conocer otros puntos de vista dentro de estas escenas.

Su propuesta está especialmente dedicada a la escena tanto madrilena como espanola, pero tambien a bandas de todo el mundo, de chicas o chicos, pero enfocada a las opiniones de las chicas en nuestra escena (shows, discos, bandas nuevas, etc...)
Algunos grupos de musica con chica en sus filas
Aenima
Aequo
Against The Spirits
All For Nothing
All In The Game
All Or Nothing
All That Remains
Anykey
As Gravity Fades
Arch Enemy
Begrudge
Bigblast
Black Sunday
Bleeding Through
Bloodlined Calligraphy
Born To Hate
Coal Chamber
Crisis
D.A.M.N.
Dawn of hate
Deadline
Death OF Narnia
Demian
Disforme
Drama
End Is Forever
Estrum
Figure Four
From Now On
Fuera de linea
Fuerza de voluntad
Gather
Guano Apes
Hidden Thoughts Rise
I am ghost
Infect
Injustice
Insurgent
Jeremys
Lady Terror
Legacy Of Cain
Light this city
Lolita Karma
Martyr A.D.
Most Precious Blood
My First Failure
My Ruin
Nothing Left For Tomorrow
Okinawa
Otep
Outcry
Reaching Hand
Scream your names out
Stalins War
Still Life
Tears of Gaia
Terror Sonoro
Theatre Of Tragedy
The Act Of Fortune
The Distillers
The Donnas
The Wage Of Sin
To Feel Alive
Today Ends Dying
Trust
Tura Satana
Urbanos HC
Undying
Unlike
Wallride
Walls Of Jericho
Watch Me Burn
We are the dammed
With Pride
XEn Mis ManosX
Zustissia Mala
787
Clitocore'zine es un fanzine editado en Barcelona por Elena y Michelle con la colaboración de más personas de otras ciudades y países. Este fanzine está enfocado en la participación de las chicas en la escena hardcore. Nuestra razón es difundir y conocer el trabajo y la situación de las mujeres en las escenas musicales alternativas, manejadas principalmente por chicos. La iniciativa del fanzine surgió a partir del interés que teníamos por saber acerca de chicas que tocan en bandas

Clitocore'zine es, como el resto de fanzines, una forma de participación en el apoyo y sustento de la escena hardcore y punk. Pero, a la vez, deseamos que CLitocore'zine sea un instrumento que permita profundizar en los diferentes pensamientos y puntos de vista existentes sobre temas sociales. estas chicas son sensibles a la cuestión de género y por eso tratan de dar un matiz feminista a nuestro fanzine. Y es precisamente esta inquietud nos lleva a reflejar otros terrenos sociales como el anticapitalismo, el anti racismo/imperialismo, la liberación animal, ... Clitocore'zine pretende ser un proyecto musical, en su aspecto cultural y combativo, con consciencia

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NO PODIA DEJAR ESTE ESPACIO SIN CITAR A UNA DE LAS PROMOTORAS QUE MÁS HA HECHO POR EL HARDCORE Y QUE JUSTAMENTE UNO DE SUS PRINCIPALES MIEMBROS ES UNA CHICA
YA NO SOLO COGEMOS GUITARRAS Y CANTAMOS SINO QUE TB HEMOS COPADO OTROS PUESTOS EN LA MUSICA ANTES SOLO OCUPADOS POR CHICOS

[we are] crew

Rosa

Javi JB
Bote
Victor
Krolinx

LA IMAGEN DE LA FEMME FATALE EN EL ROCK

2008-07-02T13:34:00.000-07:00

si hay algo que me apasione en este mundo es la musica por ello he creado un apartado individual para poner todas las cosas que encuentre sobre el tema
Aunque ya he publicado cosas en el apartado que habla de la pose y la actitud .Por este blog han desfilado rockeras como : la vocalista de the distillers , yoko ono , courtney love o juliette licks pero ahora vamos a hablar de muchas más

Puede ser que en [url=http://img396.imageshack.us/my.php?image=1176291879extrasalbumesto4.jpg][img=http://img396.imageshack.us/img396/2404/1176291879extrasalbumesto4.th.jpg][/url]
los comienzos del rocanrol, allá por mediados del siglo pasado, hubiese escasos grupos liderados o formados íntegramente por mujeres, pero hoy en día el asunto está mucho más democratizado y cada vez aparece con más fuerza la figura capital de la mujer a la hora de empuñar una guitarra eléctrica.

.

ACABO DE DESCUBRIR UNA PAGINA QUE TIENE UNA PINTA GENIAL PONGO TB EL LINK

http://milrockeras.com.ar/

caso español

AZUZENA

Ázuzena (Azucena Martin-Dorado Calvo) vocalista española de las bandas Santa y Huracan. Nació en Madrid, el 12 de diciembre de 1955, en el seno de una familia de artistas del flamenco. Desde muy pequeña hacía apariciones ocasionales en las actuaciones de sus padres con gran éxito entre el público que la veía. Desde los seis años destacaba por su potente voz que fue haciéndose rasgada con la edad.

Durante la adolescencia, y dado que la canción era lo que realmente le gustaba, dejó los estudios para dedicarse enteramente a ella. Empezó con el Rhythm & Blues como principal estilo pero con el tiempo fue evolucionando hacia el rock and roll, acabando siendo la principal exponente femenino del heavy metal de los años 80.

Utilizó como nombre artístico, su nombre de pila cambiando la "c" por la "z", dejandolo en Azuzena. En el mundo del rock se la conoció por Azuzena Dorado a pesar de su disgusto por ese apellido. En esa etapa de esplendor del rock patrio militó entre otras en la banda Santa, grupo que acabó siendo un histórico del metal nacional. En el 86 y tras diferencias con Jerónimo Ramiro, el guitarra de la banda pero que quería ser el líder a toda costa, se lanza en solitario, siendo apoyada por varios grupos de acompañamiento como Esfinge o Cráneo y de músicos de Labanda y Raza.

Los problemas económicos y con la discográfica le llevaron a intentar suavizar su estilo para hacerlo más comercial para lo que hizo uso de composiciones de Manolo Tena, Juan Pardo y otros, lo que significó un giro de estilo que no prosperó y le granjeó la incomprensión del público heavy que ella adoraba.

En el 89 edita con sus propios recursos "Liberación" en el que regresa al rock duro pero este disco no obtuvo demasiado éxito sobre todo por la distribución que tuvo que hacerse prácticamente ella misma.

Agotados sus recursos económicos y en cierto sentido anímicos pasó a dedicarse a la hostelería montando un bar en la extinta playa del Cocó de Alicante donde se retiró de la vida pública.

El 31 de enero de 2005 y tras una larga enfermedad apareció muerta en su domicilio de Madrid por edema pulmonar agudo.

Discografia:
La estrella del rock, 1988
Liberacion, 1989

Olvido Gara, más conocida como Alaska, nació el 13 de junio de 1963 en Ciudad de México. Elige el nombre de Alaska, tomado de una canción de Lou Reed.

Alaska se inició en el mundo del rock en 1978, año en que se formó Kaka de Luxe, banda de orientación punk que desaparece en 1979.

Ese año, con Nacho Canut, Carlos García Berlanga y Manolo Campoamor crea Los Pegamoides. Además acompaña a Radio Futura y al dúo formado por Pedro Almodóvar y Fabio McNamar (Almodóvar & McNamara).

En 1980, Alaska entra en el grupo Ana Curra y Eduardo Benavente, consolidándose así Alaska y Los Pegamoides, que se disolverá en el otoño de 1982 para dar lugar a Parálisis Permanente (con Benavente, Canut y Ana Curra) y a Dinarama (con García Berlanga, Canut, ángel Altolaguirre y Alaska como miembros)

En los noventa reanudó su trabajo conjunto con Nacho Canut, del que resultó la banda Fangoria. Ha colaborado en muchos programas de TV, debates, tertulias, publicaciones, prensa, etc…

Killer Barbies, banda de rock formada en Vigo, Pontevedra, España, por Silvia Superstar (antigua cantante de Aerolíneas Federales) y Billy (antiguo batería de Los Cafres). Conocidos por su estética genuina tanto en discos como en conciertos.

Su primer álbum, Dressed to Kiss, es un claro homenaje al grupo Kiss y su disco Dressed to Kill. En la portada aparecen cuatro muñecas Barbie maquilladas al estilo de la mítica banda USA imitando la portada del celebrado disco.
Killer_Barbys_vs._Dracula"
Secuela del filme de los 90 de Jesús Franco Killer Barbys. Rodada entre 2002 y 2003 en varias localidades andaluzas: Benalmádena, Málaga, Jaén, Baeza, Úbeda y Torremolinos, fue distribuida en Japón y los Estados Unidos. La duración de la versión para los Estados unidos es de 90 minutos. Los protagonistas son de nuevo los integrantes del grupo de pop español Killer Barbies.

Las perras del infierno

Desde lo más profundo del Averno, atravesando las ardientes llamas, llegaron hasta los escenarios las Perras Del Infierno. Lo mas atrayente de este grupo ya desaparecido no es sólo su belleza extrema, sus cuerpos despampanantes, ni sus piernas interminables, sino su desgarradora música y su dominio escénico lleno de actitud. En el escenario sus guitarras y ritmos salvajes no dejan de vibrar ya que estas chicas están dispuestas a no dejar un hueso sin roer (ni sin mover) de sus más dedicados fans. su música estaba llena de cortas pero intensas canciones, repletas de energía. ( en suberfuge su sello aparecia esto )
pero luego tb he sacado info de otros lados
Inés, Mónica, Onneca y Olatz, se separaron y comenzaron nuevos andaduras musicales.

Mónica e Inés, están cada una inmersas en sus nuevos planes musicales, mientras que Onneca y Olatz, aparte de continuar sumergidas en ‘Virüs’, han formado ‘Las Furias’, proyecto con el que se estrenarán dentro de poco y con el que prometen seguir repartiendo altas dosis de decibelios musicales.

Las Perras editaron en 2005 su debut, ‘Intuición canina’, un cruce algo rutinario de punk y sonidos garageros, en el que para muchos parecía primar más la imagen que las canciones.

Las Furias nacen a finales de 2006 de las cenizas de Las Perras del Infierno. La iniciativa parte de Barbarella (guitarra) y Onne Wan (bajo), militantes también de otro grupo pamplonica residente en Barcelona, Virüs. Fosy (batería y actual guitarrista de Los Cancerberos) y la voz de Miriam completan una banda de rock incendiario

Lilymunster Scalofrios y H. Zombie se conocieron en un concierto de Subtonix en Portland (Oregon). Estas dos mentes inquietantes decidieron que debían unirse para dar forma a un atormentante proyecto musical, teniendo como influencias a las propias Subtonix, y grupos como The Cramps, Vanishing, Lost sounds, Siouxsie and the Banshees. Unos años mas tarde sale a luz su primera demo, grabada con sus propios medios y superando la dificultad de que cada uno de sus miembros vive en una ciudad diferente, logrando así un sorprendente trabajo lleno de fuerza, voces chirriantes, guitarras afiladas y bases electrónicas terroríficas.
Esta demo empieza a distribuirse y a circular por internet, por lo que no tarda en causar efecto e interés: el público quiere un directo de Naughty Zombies ya. Algo que coge desprevenidos a los componentes del grupo, que no se habían plateado como realizar algo así.
De este modo se une un nuevo componente, Robot von Markenstein, para que se haga cargo de las bases en los directos además de realizar performances desquiciantes capaces de alterar hasta al alma más tranquila.
Su primera actuación es en el cumpleaños de un amigo, al que acuden Juan Tormento (Glamour To Kill) y La Prohibida, que quedan fascinados con el grupo.
Juan Tormento se ofrece para trabajar con su demo y masterizarla para mejorar su sonido y La Prohibida les ofrece el que seria su primer concierto importante en las fiestas "En Plan Travesti", de las que era organizadora, en la sala Arena de Madrid.
A partir de esto aumentan las ventas de su demo y reciben numerosas ofertas para tocar en directo, haciéndose poco a poco con un público fiel. El público gótico pareció coronarles uno de sus grupos fetiche, así encabezaron el cartel en el festival Existente 2005 en Valencia y aparecieron en varios recopilatorios de música dark tanto nacionales como internacionales.
Su repercusión en el extranjero no se hace esperar y gracias de nuevo a la red se realizan reseñas y entrevistas al grupo, suscitando así interés en el resto de Europa e incluso en EEUU; donde sus demos se distribuyen a través de Contaminated Records .
La importancia de la banda va creciendo desmesuradamente y llegan a tocar con uno de sus grupos más admirados y que más les ha influido, Lost Sounds, y a cerrar el homenaje a Parálisis Permanente (otro de sus grupos imprescindibles) en Ochoymedio Club en Madrid.
Actualmente se puede decir que no paran, con una segunda demo reciente, y un e.p. en .vinilo 7" que supone su primer lanzamiento discográfico oficial de la mano de Blondes Must Die Records. Valentina Roselli
*Discografía: Naughty Zombies E.P. (Blondes Must Die Records 2006) Vinilo 7" Naughty Zombies Demo#2 (Autoeditado 2005) Cd
Naughty Zombies Demo#1 (Autoeditado 2004) Cd
Canciones en recopilatorios:
Otros Mundos Pop (Subterfuge 2006) Cd
New Dark Age Vol.3 (Strobelight Records 2005) Cd
Killed by Que? 2 (Hillside Strangler 2005) Vinilo 7"
En Plan Travesti Vol.2 (Krakatoa Discos 2005) Cd
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Comentario: Se podría decir que son la banda sonora ideal para el día en el que debas de correr para salvar tu vida, perseguido por un demente armado con un bisturí oxidado, con la única intención de abrirte en canal, comerse tus vísceras y que tu lo veas, mientras aún te quede sangre en el cuerpo, y eso suponiendo que haya dejado los ojos para el final. En definitiva.¿Quieres saber como se siente un esquizofrénico? Escucha a Naughty Zombies.

extranjeras
Christa Päffgen (*16 de octubre de 1938 - † 18 de julio de 1988, Ibiza) fue cantautora, modelo, actriz de Federico Fellini y Warhol superstar, mejor conocida por su seudónimo Nico. Se la recuerda principalmente por su colaboración con The Velvet Underground, en 1967 y por su relación con Jim Morrison. Aparte de la relación que mantuviesen, se ha comparado también las carreras de ambos, como un intento de unir poesía y música.
Después de interpretar varias canciones en el mítico disco Andy Warhol junto a The Velvet Underground y compartir escenario con sus componentes en el vanguardista show de rock llamado "The Exploding Plastic Inevitable", organizado por Warhol y otros miembros de la Factory, emprende una carrera musical en solitario. Su primer disco es un disco pop llamado Chelsea Girl y en él colaboran, entre otros, Lou Reed, John Cale y Jackson Browne. Tras no cosechar con Chelsea Girl el éxito esperado, Nico prosigue su camino adentrándose en territorios más oscuros y experimentales, apadrinada fundamentalmente desde The Marble Index por John Cale en la composición y producción de sus discos, así como recibiendo la ayuda y colaboración puntual de otros artistas como Brian Eno en The End.

Tras aparecer en varios anuncios televisivos, Nico obtuvo un escueto papel en la película La Tempesta de Alberto Lattuada, así como en la película de Rudolph Maté For the First Time en la que aparecía junto a Mario Lanza. En 1959, se unió al reparto de la película de Federico Fellini La Dolce Vita Por ese entonces, Nico se mudó a Nueva York, donde tomó clases de interpretación con Lee Strasberg. Repartía sin embargo su tiempo entre las ciudades de Nueva York y Paris. En esta última ciudad, protagonizó la película Strip-Tease de Jacques Poitrenaud. Serge Gainsbourg produjo el tema musical que Nico grabó para el film, el cual cantó en francés y que no fue finalmente editado (en ese momento), ya que se eligió la versión de Juliette Gréco.

Falleció en Ibiza en 1988 en un accidente de bicicleta, ya demacrada por las drogas y los abusos. Murió a causa de un derrame cerebral. Sus cenizas fueron sepultadas junto a las de su madre Margaret Päffgen en Berlín, en un cementerio en el medio de un bosque. Alrededor unos pocos amigos la despidieron con una carretera en la que sonaron canciones suyas
JANIS JOPLIN, un símbolo femenino de la contracultura de los 60
Janis Joplin (19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970), su nombre completo es Janis Lyn Joplin. Fue una símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del Rock and Roll.

Janis, en el primer año de instituto, se tiñó el pelo de naranja y se unió a una pandilla de jóvenes radicales por lo que se convirtió en una marginada por sus compañeros de clase, siendo durante esta etapa una persona muy impopular. Rechazaba el racismo y se le acusaba de "amiga de los negros". A los 16 años comenzó a manifestar su amor por la música. Frecuentaba los bares de Louisiana, donde escuchaba música negra. Comenzó a cantar a los 17 años.

Grabó su primer disco cuando estudiaba Bellas Artes en la Universidad de Texas; luego comenzó a cantar de forma habitual en bares. En 1963, la ciudad de San Francisco conoció el talento de Janis Joplin. Fue en este periodo cuando comenzó el contacto con la droga. Se sumió en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos. Anunció entonces a su familia que volvería a sus estudios universitarios, y que se casaría con un hombre que había conocido en San Francisco, conocido como J. P., pero el enlace no tuvo lugar. J. P. la abandonó y esto marcaría aún más su inseguridad afectiva y su sentimiento de soledad.

Luego de este suceso, volvió a la música. Regresó a San Francisco empujada por el éxito. Se unió a la banda Big Brother and the Holding Company, logrando una combinación perfecta y con la que grabaría el emblemático álbum Cheap Thrills. Joplin amaba la libertad creativa de la escena musical en San Francisco. Obtuvo buenas críticas, cada vez más centradas en ella y menos en el grupo. Esto reforzaba su autoestima y su carrera. Pronto pasó a ser conocida en el resto de Estados Unidos.

Actuó con su banda en el Festival de Monterey de 1967, junto con grandes estrellas, como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Canned Heat, The Who, The Mamas and the Papas, The Byrds, Otis Redding. Ya entonces aspiraba "a ser algo más que la reina de los hippies". Actuó dos veces en el festival, porque la primera vez no había sido filmada. Para la segunda actuación, cambió su ropa hippie por un traje dorado...

A partir de entonces fueron contratados por el productor de Bob Dylan, Albert Grossman. Joplin eclipsaba a los Big Brother. Durante la gira por todo el país, comenzó a consumir heroína, para huir del agobio de la fama. Decía: "nada que siente tan bien puede ser malo". "Sólo quiero algo de paz".

En la primavera de 1968, se trasladaron a Nueva York para grabar su primer disco. No congeniaba en el grupo pero aquella combinación de música repetitiva, de estilo psicodélico de los 60, con la imponente voz de Joplin, era prodigiosa. El disco salió en agosto de 1968. Se vendieron más de un millón de copias en el primer mes. Las críticas fueron muy buenas para Joplin.

Albert Grossman le propuso un cambio de grupo. "Cosmic Blues Band" sonaba bien distinto. Su sonido era excesivo, con trompetas, coros, etc. No funcionó. Recibió malas críticas. La revista Rolling Stone la denominó la "Judy Garland del rock".

Comenzó a prodigarse en entrevistas, en las que terminaba hablando de su vida, de sus sentimientos. Decía que "hacía el amor con 25000 personas en el escenario y luego se volvía a casa sola..." Cada vez dependía más del alcohol y de la heroína. Sin embargo se había convertido en un símbolo de fuerza y de rebeldía para muchas mujeres de su época.

Quiso entonces volver a su pueblo, Port Arthur, como estrella del rock públicamente. Sus padres aprovecharon para marcharse. No fue bien recibida. Y este fracaso fue magnificado en los medios de comunicación. Fue un desafío que se volvió contra ella. Poco después, su madre le diría "ojalá no hubieras nacido".

En septiembre de 1970, se trasladó a Los Ángeles a grabar "Pearl" con su nuevo grupo. El 4 de octubre de 1970 había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.

Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.

A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl", que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.

El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.

Go -GOs

The Go-Go's son una banda de rock conformada exclusivamente por mujeres formada en 1978. Hicieron historia como el primer grupo completamente femenino en la música pop que tocaba sus propios instrumentos y escribían sus propias canciones, que llegó a las listas de Billboard con un álbum #1.

Surgieron a principios de la década de 1980 y éxito fuera de lo común contribuyó al florecimiento de una era de nuevas bandas y nueva música en los Estados Unidos. Su álbum debut "Beauty and the Beat" es considerado como una piedra angular del "American new wave". En un inicio únicamente tocaban pop punk y posteriormente se definieron como el sonido distintivo del rock de 1980. Tienen cinco éxitos Top 40.

Patricia Lee ("Patti") Smith (nacida el 30 de diciembre de 1946) es una cantante y poetisa norteamericana. Saltó a la fama durante movimiento punk con su disco debut de 1975 Horses. Llamada "la poetisa laureada del punk rock", trajo un punto de vista feminista e intelectual a la musica punk y se convirtió en una de las artistas más influyentes dentro de la música rock, integrándola con un estilo de poesía beat. Sus alusiones introdujeron la poesía francesa del siglo XIX a la juventud norteamericana, mientras que su imagen andrógina y poco femenina desafiaron a la era Disco

En la explosión de bandas de rock alternativas a principio de la década de los 90, existieron muchas figuras femeninas, cantantes y compositoras, que alcanzaron gran notoriedad. Entre ellas se encontraba PJ (Polly Jean) Harvey, con su rock crudo, directo y visceral. Con sus primeros álbumes demostró ser una de las más influyentes compositoras de canciones de la década de los noventa, con letras que exploran temas como el sexo, el amor, la religión y la sensibilidad femenina.

Polly Jean se crió en una granja en Yeovil, Inglaterra y a muy temprana edad aprendió a tocar el saxofón y la guitarra. En la adolescencia participó en varias agrupaciones hasta 1991, año en que formó su propio grupo junto al bajista Steve Vaughn y el baterista Robert Ellis. Al poco tiempo, consiguieron un contrato con el sello independiente Too Pure, grabando el single ‘Dress’. El tema obtuvo una buena respuesta dentro del rock independiente local y el segundo sencillo, ‘Sheela-Na-Gig’, recibió excelentes críticas de la prensa musical inglesa.

PJ Harvey con su actitud entre "femme fatale" y fragilidad femenina, cambió el concepto tradicional del la feminidad delicada y suave

mi cantante favorita DOROOOO

Doro Pesch (nacida el 3 de junio de 1964, en Düsseldorf, Alemania) es la antigua cantante del grupo Heavy metal, Warlock. Esta rubia de origen alemán, llena de curvas y vestida de cuero fue una de las primeras cantantes de metal en los 80, cuando los hombres dominaban este tipo de música.

La formación de Warlock fue cambiando y cuando llegó el momento en que Pesch fue la única que quedaba de la primera formación, el quinto disco salió como Doro en lugar de salir bajo el nombre de la banda.

BJORK

Una de las voces femeninas más destacadas en la historia de la música por varios aspectos de su vida y de su carrera musical que comienzan desde cuando Bjork, cuyo verdadero nombre es Björk Guðmundsdóttir, lanza su primer disco a los once años en Islandia su país natal.

La cantante Björk compone su exitosa música a partir de varios arreglos musicales e influencias que ha ido ganando a lo largo de su experiencia como compositora, en sus varias participaciones en otras bandas, comenzando en su juventud en algunas bandas de punk rock como Tappi Tikarrass o Kuki, hasta llegar a darse a conocer internacionalmente con la banda de Sugarcubes, desde donde comenzó a definir el estilo electrónico – industrial que hoy le caracteriza.

The Donnas, a crear canciones en donde la fuerza de la guitarra prima por encima de los demás instrumentos, en donde la melodía se caracteriza por ser pegadiza y en donde las letras, festivas y faltonas, no dejan títere con cabeza, teniendo en muchas ocasiones a los hombres en el punto de mira temático.

Para eso han tenido grandes maestros: Kiss, de los que versionean “Strutter” o “Speedin´Back to Me”, Motley Crüe, de los que han tomado prestado “Too fast for love”, las L7, Runaways, Alice Cooper, al que homenajean con la cover “School´s Out”, o Judast Priest y su “Living after Midnight”.

En cualquier caso, si hay dos bandas que han dejado una huella indeleble en The Donnas esas han sido AC/DC y Ramones

IMAGEN FEMME FATALE DESDE EL FEMINISMO II

2008-07-02T13:09:00.000-07:00

Cuando Eva Perón falleció a los 33 años, en la radio se anunció: "¡Nuestra líder espiritual ha muerto!". Paladín de los "descamisados" de Argentina, superó en popularidad a su marido, el presidente Juan Domingo Perón. María

Eva Duarte de Perón, Evita, nació el 7 de Mayo de 1919 en Los Toldos (Provincia de Buenos Aires). Evita, hija ilegítima de una cocinera, se convirtió en la amante del coronel Perón cuando era adolescente, siendo cantante y actriz radiofónica.

Cuando en 1945 detuvieron a Perón, la "señorita radio" movilizó a los sindicatos para que lo liberaran; una vez libre, se casó con él. Participó en ese año y el siguiente en la campaña presidencial de su marido, ganándose la adulación de las masas, a los que ella llamó "descamisados".Y cuando un año más tarde accedió a la presidencia, ella se convirtió en una poderosa líder a su lado.

A pesar de que nunca tuvo un puesto oficial en el gobierno, Evita actuó de facto como Ministro de Salud y Trabajo, premiando generosamente a los trabajadores a través del aumento de sus salarios, quienes respondieron con el apoyo político a Perón. Luego de eliminar los subsidios a la tradicional Sociedad de Beneficencia, ganándose gran cantidad de enemigos en la elite tradicional, la reemplazó con la Fundación Eva Perón, la cual fue sostenida por uniones "voluntarios" y contribuciones más aportes de la lotería nacional y otros fondos. Estos recursos fueron utilizados para establecer cientos de hospitales, escuelas, orfanatos, casas para personas de edad y otras instituciones de caridad. Evita fue gran responsable del voto femenino y formó el Partido Feminista Peronista en 1949. También introdujo la compulsiva educación religiosa en todas las escuelas argentinas. En 1951, a pesar de padecer de cáncer, fue nominada para la vicepresidencia, pero el ejército la forzó a renunciar a tal candidatura. Esto fue un punto que marcó su declive político.

Falleció en el año 1952. Aunque su vida fue corta, impulsó toda una serie de transformaciones sociales.

LA FEMME FATALE DESDE EL PUNTO DE VISTA FEMINISTA

2008-06-27T16:10:00.001-07:00

El feminismo es un conjunto de teorías sociales y prácticas políticas en abierta crítica de relaciones sociales históricas, pasadas y presentes, motivadas principalmente por la experiencia femenina. En general, los feminismos realizan una crítica a la desigualdad social entre mujeres y hombres, y proclaman la promoción de los derechos de las mujeres. Las teorías feministas cuestionan la relación entre sexo, sexualidad y el poder social, político y económico.

A pesar de que muchas personas líderes feministas han sido mujeres, no todas las mujeres son feministas y no todas las personas feministas son mujeres. Algunas feministas consideran que los hombres no deberían tomar posiciones de liderazgo dentro del movimiento, pero la mayoría aceptan el apoyo de los varones.

El feminismo como movimiento social ha sido principalmente visibilizado como un movimiento de las sociedades occidentales en el siglo XX. No se encuentra asociado a ningún grupo, práctica o evento histórico en particular. Se crea a partir de la conciencia acerca de las desigualdades causadas por los géneros y de la búsqueda de la justicia social. Existen diversas formas del feminismo, como teoría, como práctica, como conciencia, como movimiento social internacional, nacional y local.

Algunos de los distintos feminismos son el feminismo cultural, el feminismo radical, el ecofeminismo, el anarcofeminismo, el feminismo de la diferencia, el feminismo marxista, el feminismo separatista, el feminismo filosófico, el feminismo cristiano, el feminismo islámico, el feminismo pro-vida y el feminismo crítico.

puesto que quiero tratar el tema de la mujer fatale desde todos los puntos de vista de la vida pero haciendo especial hincapié en el arte comenzaré este nuevo apartado hablando de algunas artistas y grupos

DOROTEA LANGE

Estadounidense
1895 - 1965
La cámara es un instrumento que enseña a la gente cómo ver sin la cámara.” (Dorothea Lange)

Fotógrafa norteamericana, que contrajo la poliomielitis en la infancia y le dejó las típicas secuelas en una pierna, lo cual se dice que marcó su vida y su obra. Realizó fotografía documental de corte social y con profundo sentido humano exento de sensiblería.

Aunque se inició estudiando en la CLARENCE WHITE SCHOOL, de marcado carácter pictoralista y posteriormente abrió un estudio en San Francisco, su salida a la calle como reportera marcó definitivamente las que serían las señas de identidad de su trabajo.

Su obra más conocida se desarrolla en los años 30, años de la depresión.
Una profunda crisis asola el país y miles de campesinos no tuvieron mas remedio que abandonar sus casas en busca de una tierra prometida.

Su mirada huye de la sensiblería y de la dramatización, surge de un profundo sentimiento humano y de una conciencia social unida a una lucha incansable por la igualdad de la mujer.

GUERRRILLA GIRLS
Las Guerrilla Girls eran un grupo de artistas feministas. El grupo nació en Nueva York en 1984 y se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte. Su primer trabajo fue desplegar posters en las calles de Nueva York para denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas representados en galerías y museos. A lo largo de los años, expandieron su activismo a Hollywood y la industria del cine, la cultura popular, los estereotipos de género y la corrupción en el mundo del arte.

Las miembros del grupo originario siempre llevaban máscara de gorila y, ocasionalmente, minifaldas y medias re red. Ellas comentaban que nadie en su entorno (ni familias, ni compañeros, ni maridos) conocía su identidad, a excepción hecha, decían irónicamente, de sus respectivos peluqueros. Y la verdad es que, además de su misteriosa identidad, se desconoce cuántas personas formaban su grupo. De todas maneras, las Guerrilla Girls americanas tuvieron sus imitaciones y compañeras en Francia y también en Inglaterra.

Las Guerrilla Girls inventaron una combinación única de texto, contenido y gráfica veloz que presenta los puntos de vista feministas con un humor descarado y divertido. Como resultado,muchas personas que originalmente no están de acuerdo con las posiciones de las Guerrilla Girls son llevados por su gancho gracioso, reflexionan, y con frecuencia cambiar su modo de pensar. Guerrilla Girls quiere rehabilitar la palabra con "f" (feminismo), para que la gente que cree en las ideas feministas (igualdad de oportunidades, el fin de la discriminación por género, acceso igualitario a la educación, educación acerca de los derechos reproductivos y derechos humanos para las mujeres) vuelva a llamarse a sí misma "feminista".Actualmente, las Guerilla Girls ya no existen en su formato original. Hoy en día, hay tres grupos que se llaman y autoproclaman como sus sucesoras. Uno de ellos es teatral y viaja por todos los Estados Unidos para denunciar la carencia de papeles para las actrices tanto en cine como en teatro. Los otros dos son grupos de arte visual y también denuncian la marginalización de la mujer en el arte.

Sus críticos han catalogado a las Guerrilla Girls de hipócritas y de servirse del activismo social para fines puramente propagandísticos. Según sus detractores, aunque el propósito de las campañas de las Guerrilla Girls fuera atraer la atención sobre el arte realizado por mujeres, su auténtico propósito sirvió a la clase artista más privilegiada y clasista. También se les achaca haber ignorado a las mujeres artistas que sufren misoginia, patriarcado o presidio en otras partes del mundo, centrándose tan sólo en su propia entrada en el mercado artístico. Por esa razón, las Guerilla Girls actuales ponen más énfasis en promover campañas a nivel mundial en contra de la violencia contra la mujer, la igualdad racial, la guerra o las dictaduras policiales.

Un poco más de información sacado de otro artículo

La palabra clave de todas estas reflexiones es la ironía. Se acabó la imagen de la feminista cabreada, tan desvirtuada por la crítica, aquella figura que los discursos antifeministas han querido desacreditar veladamente para conseguir que aquella independencia que perseguían no lleguase demasiado lejos. Como afirma Amelia Jones, la feminista es un enemigo amenazante al status conservador, la figura de la mujer autosuficiente da miedo:

"La reciente resurrección de esta fantasía patriarcal por derecho bajo el disfraz de "valores familiares" es un síntoma de la ansiedad masiva del sistema patriarcal, señalando una reacción de formación contra la amenazante incursión de las mujeres en la fuerza de trabajo y, más recientemente, en la arena política"(1).

La ironía se convierte aquí en un arma, dobla su efectividad gracias a lo directo del mensaje, y su radicalidad se ve completada por el uso de imágenes de gran impacto visual. Esta conjunción deja sin argumento posible a la institución que recibe el ataque. No es casual que la ironía y el sarcasmo hayan sido habitualmente relacionados con la identidad femenina. Si el humor ha estado presente en lo que llamamos postmodernidad, ha sido en relación con la mujer cuando se ha utilizado con mayor énfasis. Jo Anna Isaak habla de las mujeres desde su capacidad de vivir y trabajar con el concepto de "jouissance", el exceso, el disfrute de ir más allá de lo establecido o llegar al sin sentido; la risa como estrategia revolucionaria, lo orgásmico, la relación con el inconsciente(2).

Ironía dentro de un compromiso; del mismo modo que su actividad ha crecido hasta alcanzar un ámbito internacional, han llevado sus objetivos de crítica y reivindicación más allá del campo del arte. Otros carteles aluden a otros excluidos sociales por otro tipo de causas diferentes a la de raza o sexo, carteles como el que pregunta:

¿Cuál es la diferencia entre un prisionero de guerra y una persona sin casa? Respuesta. Bajo la convención de Ginebra, un prisionero de guerra tiene derecho a comida, refugio y atención médica.

Su arte es concebido como arma social, buscando el efecto golpe. Como dice otro de sus lemas: We strike next, obligan a poner la vista sobre los principios discriminatorios en una comunicación a nivel público, dialogando con la realidad. De ahí proviene el uso del cartel y la fotografía, ambas técnicas conservan cierta autonomía respecto a los moldes tradicionales artísticos que les otorga un carácter adecuado para los aspectos políticos. Al mismo tiempo se trata de un medio que consigue llegar a una mayor cantidad de público al intervenir en el entorno urbano, provocando el cuestionamiento desde la misma raíz del problema, desde el propio lugar donde surge. Guerrilla Girls son tan conscientes de todo ello que invaden la ciudad con sus carteles, durante las horas nocturnasGuerrilla Girls son el punto combativo en una evolución que empezó con la labor de mujeres aisladas que poco a poco se han unido para luchar contra aquello que se ha llamado "el problema que no tiene nombre"(4), luchar por un espacio propio y no impuesto por las presiones sociales, y que crece solidariamente buscando también la no discriminación de otros grupos marginados. Si el movimiento comenzó desde posturas interiores reunidas por una empatía que las empujó a trabajar de manera colectiva, Guerrilla Girls constituyen el momento de hacer esa presencia pública y fuerte, en sus palabras: We could be anyone; we are everywhere.
Firmado: Guerrilla Girls
por Sara Rivera
http://www.babab.com/no12/guerrilla.htm

He aquí un pedazo de texto sacado de una pagina web en la que las guerrilla girls muestran lo que son en la actualidad
Guerrilla Girls: aRtivismo y feminismo
www.guerrillagirls.com Martes,5 de octubre de 2004
Desde 1985 las Guerrilla Girls vienen reinventando la "F de feminismo". Fuertes todavía en el siglo XXI, somos un grupo de mujeres anónimas que toman sus nombres de mujeres artistas muertas como seudónimos y aparecen en público llevando máscaras de gorila. En 19 años hemos producido más de 100 carteles, adhesivos, libros, proyectos de impresión, y acciones que ponen de manifiesto el sexismo y el racismo en la política, el mundo del arte, el cine y la cultura. Usamos el humor para transmitir información, provocar debate y demostrar que las feministas pueden ser divertidas. Llevamos puestas máscaras de gorila para centrarnos en los temas más que en nuestras personalidades. Nos declaramos el equivalente feminista de la tradición mayoritariamente masculina de "bienhechores" como Robin Hood, Batman y Lone Ranger. Nuestro trabajo ha recorrido el mundo gracias a espíritus benéficos que estamos orgullosas de tener como simpatizantes. El misterio que rodea a nuestra identidad ha atraido la atención. Podemos ser cualquiera, estamos por todas partes...
A continuación algunos ejemplos de sus trabajos.
BOMBA DE ESTRÓGENO: LAS GUERRILLA GIRLS URGIMOS A USAR INMEDIATAMENTE NUESTRA NUEVA ARMA BIOLÓGICA

Bomba de Estrógenos
Afrontémoslo, a través de la historia han sido los hombres los que se han convertido en guerreros, declarado la guerra a otros y combatido hasta la muerte. Así que se puede decir que la guerra tiene un origen biológico: la raza humana es víctima desde hace mucho de un Envenenamiento de Testosterona Tóxica. Esta infección mortal golpea a los hombres en todos los lugares: les hace creer que tienen la razón y les lleva a la violencia física en forma de combate, terrorismo, maltrato doméstico...
Durante años, las Guerrilla Girls han estado proponiendo un antídoto contra esta infección mortal... el arma de educación masiva que el mundo necesita... ¡la Bomba de Estrógenos! Cuando se deje caer en un área de conflicto creemos que las altas concentraciones de estrógenos provocarán que los combatientes tiren las armas, se den un fuerte abrazo, pidan disculpas y se ofrezcan a limpiar el lío formado. ¡Insistimos en el despliegue inmediato de la Bomba de Estrógenos en Afganistán y Washington! Por favor, comuníquennos cualquier otro lugar donde debería ser lanzada.

Nancy spero

Poetica y subversiva Nancy Spero

Este año el Macba reviso una delas figuras claves del arte feminista

“Nadie pregunta que quieren los hombres , porque todo el mundo lo sabe no lo pregunten , no porque los hombres lo quieran todo , sino porque los hombres ya tienen todo ; y cuando las mujeres exigen algo los hombres dicen ¿pero que quieren las mujeres ? o ¿que os pasa a las mujeres ?Nancy Spero ( Cleveland Ohio 1926)
Pionera del arte feminista y fundamental en la escena contestataria de Nueva York de los años 60 y 90 lleva màs de medio siglo respondiendo desafiante a esa pregunta a través de una obra contundente , afilada y poética que reunida en el Macba resultó ser u gran festín para la inteligencia y los sentidos Nancy Spero Dissidances , es una retrospectiva coproducida con el Reina Sofia donde estará en octubre y más tarde viajarñá al CAAC de Sevilla ( de enero a Marzo del 2009)

De la guerra de Vietnam a la de Iraq la muestra recorre toda su trayectoria
Situada radicalmente a contracorriente tuvo que hacer frente en sus comienzos a su doble condición de mujer y artista figurativa .En una escena la neoyorquina , dominada por hombres y con clara preponderancia de la abstracción

“
Sacado articulo del periódico la vanguardia 3 de julio de 2008

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra

El principio de su carrera en los años 70, en donde pueden verse exploraciones iniciales de la artista en torno a la identidad femeninadestacar la serie de trabajos que dieron a conocer a Sherman titulada Untitled Film Stills.

The Centrefolds" (1981), creada a partir de un encargo de Artforum e integrada por fotos en color y de formato horizontal inspiradas en la estética de los desplegables de las revistas pornográficas, y de "Fashion Photography", desarrollada en los 80 y centrada en el mundo de la moda. Un hito importante en su evolución marca la serie "History Portraits" realizada entre 1989 y 1990, y compuesta por fotografías en color y enmarcadas, en las que revisita grandes arquetipos femeninos de la Historia del arte occidental, desde La Fornarina a Judith, desde Salomé a María. En los últimos años, la anodina factura de los estudios fotográficos le ha servido como material de investigación en la serie "Portraits", mientras que en "Clowns" (2003), creada a partir de un encargo para la edición británica de la revista Vogue, ha explorado el potencial terrorífico del payaso, sumándose así al camino emprendido por otros artistas del siglo XX como Bruce Nauman. Sobre fondos de colores ácidos, casi psicodélicos, tratados digitalmente, se recortan estos inquietantes clowns, decididamente aterradores algunos de ellos, como el que nos enseña los dientes en Untitled 411. El payaso como símbolo del descontrol y de la histeria, de los sonidos y los colores subidos de tono, de la incertidumbre que se esconde detrás del maquillaje... constituye la última apuesta de Cindy Sherman. Su identidad aparece más diluida que nunca tras estas máscaras a medio camino entre la risa y el horror.

Aunque su formación primera como artista fue en el campo de la pintura, la fotografía atrajo pronto su atención, convirtiéndose con el tiempo en una figura clave en este área por su particular manera de potenciar nuevas posibilidades. Pero el hecho de que Sherman utilice su propio cuerpo como vehículo para introducir diferentes personajes, inventar roles e interpretarlos, y de que combine su faceta de modelo con la de directora de cine, abre además un amplio abanico de opciones creativas que de cara al espectador se traducen en que los límites se desdibujan y se amplían: la idea de posar se confunde con la de mirar, el objeto con el sujeto

DENTRO DEL ESTILO DE CINDY SHERMANN ESTARÍA
ESTA JAPONESA QUE ADEMAS DESPUES SE PUEDE RELACIONAR CON LO QUE EXPLICO DE LAS GOTHIC LOLITAS Y HARUKUS

Tomoko Sawada,

una serie de imágenes donde, en perpetua metamorfosis, al estilo de Cindy Sherman, adopta la apariencia de centenares de mujeres japonesas, de distintas edades y estratos sociales.
Su obra admite distintas interpretaciones psicológicas y sociológicas y plantea, de forma natural y sin prejuicios, el papel de las mujeres en la sociedad nipona de hoy, la posibilidad de éstas de poder alcanzar una identidad propia e individual y cómo su forma de vestir puede afianzar su pertenencia al grupo social del que forman parte o, por el contrario, contribuir a su individualización. Sawada afronta el género clásico del retrato desde una perspectiva muy personal, renovadora y original, aunque basada en las composiciones de Morimura, creador célebre por incorporar su imagen a obras maestras de la cultura occidental. No juzga ni denuncia las prácticas sociales japonesas, pero hace que el espectador repare en ellas y le inclina a la reflexión.

Sus trabajos fotográficos rozan el límite entre el reflejo de lo real y el montaje, a la par que atestiguan la invención de un nuevo lenguaje que destruye la tradicional clasificación de las artes, pues no es la fotógrafa quien capta las imágenes, sino el objeto de las mismas. (sobre una exposicion titulada Identidades que se hizo en Barcelona en la Fundacion Miró en el ciclo Kawaii! Japón ahora

Los jóvenes japoneses actuales se visten de forma extravagante y sueñan con conseguir productos de lujo, en un intento por afirmar una identidad que se nutre de nuevos estándares, modelos y referencias. Tomoko Sawada cuestiona este fenómeno en series fotográficas donde ella misma, en perpetua metamorfosis, adopta la apariencia de centenares de muchachas japonesas.
Con veintidós años, Tomoko Sawada realizó una de sus primeras series: ID 400 (1999). Un centenar de fotos de tamaño carné en blanco y negro: buenas chicas y chicas traviesas, clásicas o enrolladas, de cejas gruesas o depiladas... en las que ella, siempre ella, iba transformándose sucesivamente. Una serie realizada con medios técnicos muy limitados: en el fotomatón de una gasolinera. Tras las fotos de carné, Sawada exploró lo contrario: la fotografía de grupo con una serie de fotos de clase, en cuya imagen todas las muchachas, vestidas de uniforme, eran también ella misma (School Days, 2006). Realizada con ordenador, dicha serie plantea el lugar del individuo dentro del grupo, de la originalidad entre la uniformidad y del valor del primer molde social que es, en Japón, la escuela.

Tomoko Sawada no juzga las prácticas sociales japonesas, no las denuncia, pero hace que el espectador repare en ellas. Así, en Omiai (2001), se interesa por la costumbre, aún vigente, del matrimonio concertado (un 10% de los matrimonios contraídos desde 1995; un 70% cincuenta años atrás). Los padres de la chica le preparan un book, como a las modelos, en el estudio de un fotógrafo profesional, con el objeto de presentar a la futura prometida posando vestida para cualquier circunstancia a los eventuales pretendientes... Tomoko Sawada se viste con kimonos tradicionales o con trajes chaqueta a la manera occidental, como una mujer profesional, para encarnar a esas chicas candidatas al matrimonio que posan, sensatas, para conseguir al marido ideal.

Fashion victims y nuevos estándares...

Las chicas japonesas actuales pertenecen, no obstante, a una época mucho más emancipada, como queda patente en la serie Cover (2004), que se presenta en la Fundació Joan Miró. Tomoko Sawada aparece en ella con el aspecto de las jóvenes que se pasean por el barrio de Shibuya. Estas chicas de Tokio rivalizan en extravagancia y originalidad: colores fluorescentes, abrigos de pieles de imitación en colores ácidos, minifaldas muy cortas y plataformas altas que componen un look chocante que pone en evidencia la búsqueda de una identidad y la mutación del rol femenino en la sociedad japonesa. Además de seguir un código en el vestir, se trata también de cambiar la imagen para adaptarla a los clichés de las portadas de las revistas: cabellos rubios descoloridos, tez exageradamente bronceada, maquillaje exacerbado que construyen una máscara social y creadora de identidad común. Como si de una interpretación contemporánea de la máscara se tratase, esa práctica puede parecer una respuesta de la subcultura a la tradición japonesa, donde la máscara está muy presente, especialmente en el teatro Noh. Apariencia y realidad parecen compartir una misma esencia. Por otra parte, el trabajo fotográfico roza, de por sí, el límite entre el reflejo de lo real y el montaje, como lo atestigua toda la producción de Tomoko Sawada. La obra de esta artista inventa un nuevo lenguaje que destruye la clasificación tradicional de las prácticas artísticas: fotógrafa que no hace fotos (las imágenes son tomadas en un estudio con la ayuda de un fotógrafo).

Góticas y Kawaii

Para la exposición en el Espai 13 de la Fundació Joan Miró, Tomoko Sawada ha creado una nueva serie de fotografías, Decoration, en la que se interesa por un estilo en el vestir que se localiza principalmente en el barrio de Harajuku, en Tokio: el de las Góticas Lolitas. Se caracteriza por la superposición de enaguas con encajes, botines con lazos, corsés de cuero negro o vinilo, cabellos con rizos o tirabuzones. Todos los domingos, las chicas Gothloli se dan cita al cabo de la Takeshita Dori, una conocida calle de Tokio. Las muchachas aspiran a parecer muñecas de porcelana y tratan de dar con la postura más Kawaii cuando las asaltan los objetivos de los fotógrafos, aficionados o profesionales. Más que considerarlo un disfraz -como los cosplays que pueden verse en los encuentros o en los festivales manga-, el estilo de las Góticas Lolitas se encuentra en distintas ciudades japonesas, principalmente en Osaka. Esta tendencia, surgida en 1998, se popularizó a comienzos del año 2000 con la aparición de diversas marcas de ropa. Una de las más conocidas, Baby the Stars Shine, ha puesto sus colecciones a disposición de Tomoko Sawada para esta nueva serie de fotografías. Además de esta moda sorprendente, la artista explora el tema de la uniformidad y lleva más lejos la idea de identidad, de parecido e individualidad que planea en toda su obra. Tomoko Sawada estaba fascinada por dicha práctica y trataba de dar con el modo de abordarla

seres relacionados con el mal dos

2008-06-12T03:34:00.000-07:00

vampiresas

el origen de los vampiros debemos situarlo en la Antigua Grecia bajo el nombre de las terribles Lamias , mujeres horribles , que se alimentaban de la sangre de los niños , de ellas y de sus "banquetes" nació el mito del vampiro .Con el tiempo las lamias dieron paso a seres más hermosos y sensuales , capaces de enamorar a sus victimas , pues la leyenda dice que el vampiro siempre debe tener un compañero o compañera , es por ello esa fascinacion que se siente hacia la imagen del vampiro , pues no se nos presenta como un ser deforme , sino muy al contrario se nos muestra en toda su belleza que no se marchita jamás y asi es como seducen y marchitan aquellos que han elegido para ser sus compañeros , mostrándoles el mundo de la noche , el reino del mal , la fría calidez de las tinieblas

Las Lamias suelen ser muy hermosas, pero al no poder manifestarse en toda su belleza, suelen presentar alguna característica anormal, como patas de oca, gallina o cabra. Su pelo, largo, sedoso y
brillante es normalmente rubio, pero al llegar la noche sufren una transformación y se vuelve blanco, sus ojos rojos y su piel se arruga como las viejas. De todas formas, gozan de una gran versatilidad, son de índole afable, caritativas, inofensivas y poseedoras de grandes secretos. Su zona se restringe a la cueva de Lezao.
El vocablo "lamia" tiene su origen en la mitología griega, referido a ua reina de Frigia, famosa por su hermosura y su terrible crueldad, que acabó siendo transformada en fiera. En las leyendas de Euskadi conservó todo su carácter negativo y en otras regiones llegó a ser sinónimo de vampiro feroz, capaz de chupar la sangre a los niños. Así en Inglaterra adopta la forma de mujer muy seductora, cuyos pies son pezuñas de cabra que oculta bajo los plieges de su vestido verde. Seduce a los hombres y aprovecha el momento especial de aproximamiento del baile con ellos para chuparles la sangre cual vampira transilvánica. Por otro lado, paradójicamente, se muestra benigna con los niños y con los ancianos.
Las lamias son esencialmente subterráneas. Construyen sus hogares bajo el suelo, en cuevas o cavernas, aunque pasan la mayor parte del tiempo cerca de los arroyos o de las fuentes que en general, se encuentran cerca de menhires o dólmenes, tratando por todos los medios absorver toda la energía que de ellos emana. Decoran con brillantez todas sus moradas y no aparecen en la superficie hasta que amanece.
Sus cavernas se hallan repartidas por Urepel, Iriberri, Orozco, sierra de Entzia, Dima...etc.

Dentro de la mitología de Euskadi, hay unos seres femeninos, generalmente asociados con los arroyos, ríos y fuentes, que son las lamias. Estas siempre se han asociado con las hadas, siendo inicialmente en la mitología unos seres femeninos que coexistían con las ninfas y las dianas.

Con el tiempo y la llegada del cristianismo, las lamias llegaron a identificarse con seres malignos, e incluso con los súcubos, como una forma de acabar con el mito.

Las lamias son aladas y muy bellas, con largas cabelleras doradas, pero con la peculiaridad de que sus pies son en realidad patas de ave palmípeda. Además son muy nobles y tienen un gran poder. Se dice que viven cientos de años, y que se alimentan de tocino, pan de trigo, sidra y la leche que les ofrecen los humanos. Habitan en las riberas de los ríos, entonando hermosas canciones con voz dulce y melodiosa, pero se sumergen en el agua cuando detectan alguna presencia humana. Habitualmente sólo salen a la superficie por las noches para lavar la ropa en el río, peinarse sus largas cabelleras con peines de oro y para hilar con la rueca.

El peine de oro simboliza el poder material y, sobe todo, erótico de las lamias, y desde siempre, ha sido el objeto de deseo de los humanos, que intentaban conseguirlos por cualquier medio, provocando en ocasiones la ira de las lamias, que envolvían en desgracias a los ladrones hasta que devolvían el peine.
Una leyenda de Azcarate, en las cercanías de Mendaro, cuenta que un hombre encontró un precioso peine de oro en un prado cercano, lo recogió y se lo llevó a su casa. Al día siguiente se encontró que todo el prado estaba lleno de piedras. Mientras observaba la escena atónito, se le acercó una lamia, y le dijo que si le devolvía el peine, desaparecerían las piedras del prado. El hombre devolvió el peine y, esa noche, las lamias quitaron las piedras del prado. Eran tantas, que cada lamia sólo tuvo que retirar una piedra.

No siempre las lamias se mostraban tan amables. Otras leyendas, con diferentes versiones, cuentan cómo un hombre roba el peine de oro a una lamia, que lo persigue para recuperarlo. Pero el hombre, más astuto que ella, se refugia en las zonas soleadas de los bosques, donde la lamia pierde su poder. Otras veces, las lamias amenazan con acabar con la descendencia de aquellos que osan arrebatarles su peine de oro.

Pero las lamias también eran generosas con quienes les ayudaban. Solían regalar a los humanos objetos aparentemente sin valor, como tocino, miel, o cenizas, que se convertían en oro o plata, según el objeto elegido. Una leyenda cuenta que las lamias, en una ocasión, llamaron a la comadrona de un pueblo para que asistiera en el parto de una de las lamias. La comadrona llegó hasta la orilla del río y ayudó en el parto de la lamia, que, en agradecimiento, ofreció a la mujer un tarro de manteca y otro de miel. Le pidieron que escogiera el tarro que más deseara. Aunque le recomendaron aceptar el tarro de miel, la comadrona pensó que la manteca le sería más útil en su casa. Cuando llegó a casa, guardó el tarro de manteca, que, a la mañana siguiente, se había llenado de monedas de plata. Entonces comprendió que, si hubiera elegido el tarro de miel que le recomendaron las lamias, el tarro se hubiera llenado de monedas de oro.

Las lamias ayudan en sus trabajos a los humanos que les dejan ofrendas por las noches. Se dice que algunos puentes fueron construidos por las lamias. Según las diferentes versiones de la leyenda, en pueblos de montaña, con accesos difíciles, los aldeanos planeaban construir puentes para mejorar las comunicaciones entre los pueblos, pero eran trabajos complicados, por la situación geográfica de dichoslugares, por lo que pedían ayuda a las lamias, dejándoles comida. Por la noche, cuando todos se habían acostado, las lamias levantaban el puente desde un extremo del río al otro. Se dice que un día, un panadero que tenía el horno cerca del puente, encendió el horno a medianoche, de forma que el gallo del panadero, pensando que ya estaba amaneciendo, comenzó a cantar, asustando a las lamias, que, cuando iban a colocar la última piedra sobre el puente, se asustaron por el canto del gallo, cayendo la piedra al fondo del río. De esta forma se dice que, si te fijas bien, encontrarás algunos puentes con un agujero en el estribo, identificándose así los puentes construidos por las lamias.

Habitualmente se dice que las lamias son esquivas con los humanos, pero nos encontramos en el folklore vasco numerosas historias de amor entre lamias y humanos. La versión más extendida es la que cuenta cómo un joven pastor que volvía a casa con el rebaño a última hora de la tarde, se encontró con una bella lamia en la orilla del río. La pareja se encontraba todos los días, hasta que surgió el amor entre ellos, y decidieron casarse. Al llegar a su casa, el pastor contó a sus padres lo ocurrido, y cómo había decidido casarse con esa bella mujer que estaba en la orilla del río. Su madre estaba extrañada de que hubiera una mujer sola en la orilla del río a esas horas tan avanzadas, por lo que le recomendó a su hijo que, antes de casarse con esa joven, le mirase los pies, ya que podía ser una lamia. El pastor hizo lo que le pidió su madre, y, cuando se encontró de nuevo con su amada, le miró los pies, comprobando con terror que eran pies de pato. A pesar de seguir enamorado de la bella lamia, el joven anuló el compromiso de matrimonio y acabó enfermo de tristeza, muriendo poco tiempo después. Dice la leyenda que la lamia, enamorada del pastor, acudió a su funeral, pero no pasó de la puerta de la iglesia.

fuente:
lunes 10 de diciembre de 2007| Escrito por Silvia a las lunes, diciembre 10, 2007 http://algomastintimo.blogspot.com/2007/12/las-lamias-mitologa-vasca.html

el cine nos ha presentado infinidad de vampiros desde el Bega Lughosi de Nosferatum a el Vampiro Lestat interpretado por ToM cRUISE en entrevista con el vampiro

Curiosamente el papel de la vampira ha quedado relegado al papel de acompañante .MUy diferente sucede en el comic donde las más sensual de las vampiras Vampirella , luchaba contra su instinto de alimentarse de sangre humana por estar enamorado de uno de ellos

TIPOS DE VAMPIRESAS EN LAS DISTINTAS PARTES DEL MUNDO

MARA:
Vampiro Eslavo, también se encuentra en las leyendas de la gente de Kashube en Canadá. Se cree que es el espíritu de una mujer sin bautizar, la consideran un terrible visitante nocturno que oprime a sus víctimas. En la leyenda Eslava una vez que el Mara bebe la sangre de una persona ella se transforma en su amante y volverá a visitarlo hasta causarle la muerte. También se cree que le apetece la sangre de los niños.

MASANI:
Vampiro femenino de la India, se dice que es el espíritu de la tierra de las tumbas. Su piel es de color negro y su cacería comienza en la noche generalmente por algún rezo a un difunto. Cualquier persona que pase por el sitio del entierro será atacada
MOROII:
Un vampiro rumano en vida. Puede ser hombre o mujer, y muestra muchas de las características de un Strigoii.

OBAYIFO:
Este vampiro viviente se encuentra entre la gente de Ashanti en la Costa de Oro en África. Se cree que puede ser tanto un hombre como una mujer y que por las noches deja su cuerpo humano para alimentarse. También se cree que le gustan los jóvenes y además puede causar daños en las cosechas.

PENANGGALAN:
Este vampiro Malayo vuela por las noches solamente con su cabeza y su cuello con sus intestinos colgando debajo. La criatura es siempre femenina y se alimenta generalmente de niños o mujeres de parto.
SUCUBOS:
Este es un vampiro europeo. La manera de alimentarse es teniendo relaciones sexuales agotadoras con la víctima, alimentándose de la energía sexual. Ellos pueden asumir la apariencia de otras personas. A menudo visitarán a la misma víctima más de una vez. La víctima de un Succubus experimentará las visitas como sueños.

Los sucubos son demonios femeninos que seducen a los hombres

TLACIQUES:
Estas brujas Vampiros fueron encontradas entre los indios de Nahuatl en Méjico. Pueden convertirse en una bola de fuego o en un pavo, y en estas formas se pueden alimentar inadvertidamente.
fUENTE DICCIONARIO SOBRE VAMPIROS DEL BLOG http://www.lacoctelera.com/http://www.lacoctelera.com/
ATENCION A LA DIFERENCIA DE SIGNIFICADO EN CUANTO VAMPIRO Y VAMPIRESA

vampiro.
Del francés "vampire", y este del alemán "vampir".
1. m. Espectro o cadáver que, según cree el vulgo de ciertos países, va por las noches a chupar poco a poco la sangre de los vivos hasta matarlos.
2. m. Murciélago hematófago de América del Sur.
3. m. Persona codiciosa que abusa o se aprovecha de los demás.

vampiresa.
1. f. Mujer que aprovecha su capacidad de seducción amorosa para lucrarse a costa de aquellos a quienes seduce.
2. f. mujer fatal.

~ fatal.
1. f. Aquella cuyo poder de atracción amorosa acarrea fin desgraciado a sí misma o a quienes atrae. U. referido principalmente a personajes de ficción, sobre todo de cine, y a las actrices que los representan.

"Abrid los ojos, y mirad más allá de la luz, la oscuridad esconde demasiados secretos."

Elizabeth Bathory –conocida como La Condesa Sangrienta – era la esposa de un conde que siempre estaba ausente debido a su intervención en sucesivas guerras. Como la condesa se aburría de esta forma de vida, y de la eterna espera, comenzó a estudiar Magia Negra. Este aprendizaje la condujo a siniestros experimentos que luego explicaremos.
Cuando el primo de la condesa registró la ausencia de un número considerable de mujeres, sospechó de las extrañas conductas de Elizabeth y envió un escuadrón de soldados para capturarla.
Probada su culpabilidad, Elizabeth ahorró la ejecución por tener sangre real, pero fue condenada a vivir el resto de su vida encerrada en una torre, con las puertas y ventanas cerradas. Sus cómplices fueron todos ejecutados.
La historia de Bathory nutrió numerosas leyendas sobre el vampirismo e inspiró a varios escritores. El elevado nivel de sadismo de la condesa, sumado a la pobreza y al analfabetismo de la población de aquellos tiempos, contribuyeron a la proliferación de las supersticiones acerca de los vampiros y del hombre lobo en Europa Oriental y Meridional.

una de las figuras femeninas más misteriosamente atractivas de todos los tiempos, a quien fuera una leyenda viva en los grises días de la Gran Guerra, a la primera y más fascinante hembra fatal del Séptimo Arte: Theda Bara, la "vampiresa del silencio", la eterna diosa sombría del cine mudo; la que es y será por siempre prima madre de las divas oscuras de la pantalla, como lo es Lilith de las demoniesas súcubo.
Theda Bara nació a finales del siglo XIX en Egipto, hija de los amores de una bohemia actriz francesa que había devenido en concubina de un nómada príncipe egipcio. Alumbrada bajo la sombra misma de la Gran Esfinge, se decían de ella cosas tales como que había llegado al mundo dotada de extraños poderes sobrenaturales, o que había sido desmamada con la sangre de serpientes venenosas... Theda creció a lomos de los camellos entre dunas de arena roja, ante el horizonte siempre vigilante de las Pirámides de Giza. Durmió a la luz de las hogueras nocturnas de los señores del desierto, ante las cuales las suras del día se tornaban paganos salmos milenarios de la más antigua tradición osiríaca. Su silueta de niña fue convirtiéndose poco a poco en sombra de mujer tras la tela de las tiendas beduinas, y su piel de vestal se hizo lúbrica carne fémina baño tras baño, desde su infancia hasta su adolescencia, en las fértiles y afrodisíacas aguas del río Nilo.

Bueno, en realidad no fue exactamente así, pero más o menos ésta que os he contado fue la ficticia vida que, vistiéndola así de un halo de misterio y exotismo, hiló William Fox para la que había de convertirse en la primera gran actriz de su naciente imperio cinematográfico, en la primera estrella del celuloide, en definitiva, cuyo nombre se convertiría en mito y recibiría (recibe incluso aún) culto. Nadie dudó, entre 1915 y 1919, que Theda Bara era, en efecto, la viva encarnación de la sensualidad oriental, la vampiresa llegada desde las arenas de desiertos lejanos, la diosa prostituta que todos los varones deseaban silenciosamente y todas las mujeres envidiaban.

Realmente, Theodosia Goodman, pues tal era su verdadero nombre, había nacido un 29 de julio en Avondale, población del condado de Hamilton cercana a la poco egipcia y muy occidental ciudad de Cincinatti, estado norteamericano de Ohio. El año, dijeron las malas lenguas, fue 1885, aunque ella siempre insistió en que había sido 1890. Theodosia no era si no la mundana y honrada hija de dos mundanos y honrados inmigrantes judíos
Siempre inquieta intelectualmente, fueron los libros sus más queridos amigos y nunca tuvo relaciones demasiado estrechas con otros chicos y chicas de su edad. Era una muchacha contradictoria, solitaria pero traviesa, temperamental pero reservada, tímida pero tremendamente enamorada de la elegancia sensual de los vestidos y sombreros de pluma de su madreA medida que fue creciendo, Theda adquirió una fascinación cada vez mayor por los teatros ambulantes, por las actrices de tableau vivant y por los recitales poéticos callejeros. En 1899 ingresó en la escuela secundaria de Walnut Hills, donde superó con éxito sus estudios al tiempo que se aficionaba al misticismo y a vestir de negro.

Durante un tiempo, Theda se dedicó al espectáculo en el Alhambra Theater de Milwaukee, en Wisconsin, por entonces un antro de mala reputación donde la función se alternaba con la venta de cerveza y el público acostumbraba a romper las botellas tirándolas escaleras abajo si no se sentía satisfecho con los actos. Esto nunca sucedió en los actuaciones de Theda, que haría célebre el local gracias a sus audaces trajes y las atrevidas letras de sus canciones.

Poco después, decidida a hacer realidad sus sueños de emprender carrera como actriz, marchó a Nueva York, donde tomando el apellido de su madre se hizo llamar Theda DeCoppet. En 1908 debutó en el Garden Theater con una función titulada The Devil, en la que ya se inició en el papel arquetípico de mujer perversa que habría de darle fama. Tras alternar distintas actuaciones en el Garden y en el Belasco Theater, en 1911 se unió a una compañía de teatro ambulante de la que se convertiría, gracias a su inteligente capacidad de seducción, en principal atracción.

Fue en 1914 cuando Eva Fox, esposa de William Fox, puso sus ojos en ella e intuyó las posibilidades de Theda: la joven se estrenaría en el universo del cine mudo, de la mano de la compañía Fox Films, interpretando un tímido papel en la película The Stain de Frank Powell. Un año más tarde, en 1915, Theda disfrutaría de su primer cartel como protagonista en otro filme de Powell, A Fool There Was, siendo instrumento de una campaña de publicidad tan exitosa que, en apenas unas semanas, la hasta entonces desconocida actriz pasó a convertirse una estrella de reconocimiento mundial y en la primera mujer fatal de la Historia cinematográfica.

La imagen mítico-literaria de la "vamp" habría de encarnarse en un rostro cuya personalidad quedaría por siempre asociada a su figura: el de Theda. Y de ello habría de encargarse William Fox, quien encomendó a Frank Powell la adaptación cinematográfica de A Fool There Was. En una intensa e inteligente campaña publicitaria de la compañía, Theodosia Goodman, actriz principal de la película, fue convertida en Theda Bara, de cuyo nombre se dijo que era el anagrama del término "Arab Death", la "Muerte Árabe". Se le inventó una nueva vida como exótica dama egipcia, se la alojó en habitaciones de hotel ambientadas cual harén y perfumadas de inciensos, y se le hizo conceder en ellas convincentes entrevistas que todos se creyeron.

"La más célebre de las vampiresas, en el papel más osado, provoca la ruina y toda clase de desastres a miles de hombres". Así se anunciaba "A Fool There Was". Theda Bara se transformó de la noche a la mañana en una auténtica leyenda. El estreno del filme arrasó. Aún quedaban quince años para que se elaborara el Production Code de censura en el cine estadounidense, y Theda pudo mostrar la semidesnudez de su cuerpo con un atrevimiento que excedía mucho más allá de lo acostumbrado por aquel entonces. Se convirtió así en la antítesis de Mary Pickford, la virginal actriz que encarnaba la pureza de la mujer victoriana de la época. En un momento en que la fémina sólo podía ser o buena o mala, o casta o prostituta, Theda Bara fue la perversión sensual personificada, el deseo nunca confesado, lo prohibido: la "Vamp" por antonomasia. En una de las mejores escenas de la película, Theda reía traviesamente ante un amante al borde del suicidio mientras la leyenda rezaba: "Kiss me, my fool…" ("Bésame, tonto mío...")

Entre 1915 y 1918, en apenas tres años, mientras la I Guerra Mundial asolaba Europa, Theda Bara realizó alrededor de cuarenta películas, ya fuera bajo la dirección de Frank Powell, de su futuro marido Charles Brabins o de cualquier otro cineasta, reafirmándose como arquetipo de la mujer fatal y despiadada, como encarnación de la sensualidad y el erotismo, y cosechando un éxito tras otro. Gracias a su inmensa popularidad, William Fox pudo frotarse las manos mientras su compañía se situaba a la altura de las más importantes productoras cinematográficas de la época y asentaba las bases del que habría de ser, hasta hoy, uno de los más importantes imperios del celuloide.

Al contrario de lo que parecería en principio lógico, Theda no disfrutó de la típica belleza física de perfecta silueta e, incluso para los cánones de la época, fue algo más rolliza que delgada. Pero nadie podía resistirse al embrujo de sus maquillados ojos de misteriosa sirena realzados por la sombra de "khol", a su mirada intensamente penetrante, a su hermosa y profunda tristeza, a la promesa de caricias de sus negrísimos cabellos. Theda Bara raramente sonreía en sus películas: parecía una diosa indiferente, ajena al mundo, al Bien y el Mal, un fantasma que se acercaba a los mortales a través del mágico espejo de la pantalla animada para mostrarles el reflejo de sus propios ocultos anhelos, haciéndoles soñar que podían rozarle.

El papel de Theda Bara como Cleopatra, bajo la dirección de J. Gordon Edwards, devendría en uno de los más arraigados mitos eróticos de la Historia del cine.
No sería "Cleopatra" el último éxito de Theda Bara. En 1918 triunfaría nuevamente con obras como "Salomé" y "The Forbidden Path". Pero tras el fin de la I Guerra Mundial su nombre ya había comenzado a declinar. En 1919 la Fox Films se vio obligada a tirar de la manta y revelar que la leyenda de Theda Bara, la vampiresa egipcia, había sido tan sólo una campaña publicitaria, y aunque la actriz aún pudo protagonizar filmes de una cierta aceptación entre el público, como así "Kathleen Mavourneen" o "La Belle Desire", nunca jamás lograría recuperar su carrera.

Hoy, los historiadores del cine ven en Theda Bara a una gran actriz víctima de sí misma, devorada por su papel hasta el punto de que no pudo sobrevivir a él. En muchas de las escenas interpretadas por Theda en su amplia filmografía, o en las abundantes fotografías para las que posó, se puede apreciar a una artista capaz de adaptarse a cualquier papel, de representar no sólo el erotismo y la perversión si no también la virginidad, la maternidad, la desesperación

Theda saldría de su retiro en 1923 para protagonizar un número especial de la revista "Movie Weekly", que fue publicado con fecha de portada del 2 de junio. Entre otros artículos de interés en torno a ella, había uno dedicado a su vida hogareña y una entrevista con su marido Charles Brabin, en la que éste se declaraba molesto porque su esposa deseara volver a la vida pública. En el monográfico, Theda intentaba desembarazarse de su rol de hembra fatal, y se mostraba como una mujer de inquieto intelecto que sentía gran amor por la Filosofía y la Literatura.

En 1925, Theda volvería a actuar en la gran pantalla, esta vez con mayor éxito y de la mano de James Young, para el filme "The Unchastened Woman". Pero en 1926, tras trabajar en dos cortometrajes en los que se autoparodiaba, "45 Minutes from Hollywood" y "Madame Mystery", se retiraría definitivamente de los escenarios. En aquel mismo año, Terry Ramsaye escribía su libro "Bara and the Vampire", en el que por primera vez se hacía de dominio público que el verdadero nombre de Theda Bara era Theodosia Goodman.

Desde entonces, Theda se abandonó definitivamente a la vida hogareña en su casa de Los Ángeles, dedicada por entero a su gran pasión, la lectura, y al gran amor que le unía a su marido. Al parecer, durante los años 30 se dedicó a escribir una memoria, "What Women Never Tell", que nunca ha sido publicada.

El 7 de abril de 1955 Theda Bara Brabin moría víctima del cáncer. Sus huesos reposan en el Gran Mausoleo del Columbarium Of Memory de Los Ángeles. Descansen en paz, mientras la sombra de la vamp eterna, de la hechicera que llegó de los desiertos de Oriente, de la fatal diablesa, continúe entre nosotros para seducirnos con sus inmensos e hipnóticos ojos negros.(Toni M. Jover, 2004)

VAMPIRAS DE CINE: GUAPAS, SEXYS Y AMBICIOSAS,
por Eduardo Zaramella (1/2)

Crueles, malvadas y hermosas... así han sido las vampiras del cine, con alguna que otra excepción, durante los últimos setenta años. Pero los tiempos cambian y las vampiras del celuloide también. De hecho, el propio género vampírico está sufriendo una agradabilísima metamorfosis. Antes, los vampiros eran chupasangres sin alma cuyo objetivo no era otro que devorar y destruir a la raza humana. Hoy, empiezan a aparecernos como seres atormentados que buscan su lugar en este desdichado planeta. Incluso los llamados cazavampiros están cambiando. ¡Algunos hasta son medio vampiros!

Sin embargo, quiero poner atención en el personaje femenino del vampiro. Desde Carmilla hasta épocas recientes, ellas han sido más malignas que ellos, puesto que a menudo bebían de la tradición judeocristiana que consideraba a la mujer como símbolo del pecado y del mal. El hombre puro, inocente, se nos aparecía como víctima de una tentación que tenía forma de mujer, una mujer extremadamente bella y sensual cuyo objetivo era arrastrar al ser puro e incólume hacia los oscuros abismos de la lujuria y la perdición. La tempestuosa belleza del terror, que decía Shelley.

El vampiro masculino sin embargo siempre ha gozado de una aureola de malignidad aristocrática, demoníaca sí, pero digna y señorial. El mito de la vampira femenina tiene su cúspide en Carmilla, creada en 1871 por el autor irlandés Sheridan LeFanu. Aquí se nos presenta a una mujer cuyo vampirismo es casi inocente, virginal, que no se arrepiente de lo que es y que realmente parece sentir un cariño especial, diríamos amor, por la joven mortal que ejerce de narradora de la historia.

No obstante, su final y destrucción nos recuerda una vez más que estamos ante una encarnación del mal que a toda costa debe ser erradicado de nuestro bienamado mundo humano. Pero sin duda lo que más atrae del personaje es ese lado humano, misterioso, que probablemente por rigores de la época LeFanu no pudo desarrollar en su total profundidad.

La Carmilla actual sin embargo no tiene censura moral, y así tenemos a unas cuantas vampiras que han llegado a todos los niveles, cine, cómic, televisión y literatura, y hasta videojuegos, para imponer nuevos códigos, y quién sabe, si desplazar en interés y atractivo a sus compañeros masculinos.

En cuanto al cine, varios son los ejemplos que confirman esta tendencia. En Blade II (Guillermo del Toro, 2002) tenemos al personaje de Nyssa, deliciosa vampira que se alía con el famoso cazavampiros para combatir a los demonios. Nyssa se nos presenta como un personaje sumamente atractivo, ambicioso, valiente y con sentimientos, cuya vida acabará abruptamente en brazos de Blade, pero sobrecogida por la visión de su primer amanecer.

Lo peculiar de esta vampira es además, el hecho de no haber sido convertida sino nacida vampira. Estamos pues ante una situación que muchas veces se ha dado por imposible, la de que los vampiros puedan generar descendencia. Interesante dilema, ¿verdad? Que seres nacidos de la muerte sean capaces de crear vida. Esto nos lleva a la eterna pregunta: ¿Qué es la muerte? O mejor: ¿Existe la muerte? Para que un ser humano se convierta en vampiro debe necesariamente morir, la cuestión es si la palabra morir sea la más adecuada.

En cualquier caso, Nyssa no es una humana que se ha convertido en vampira, y esto la hace diferente y fascinante. Lástima que con su “muerte” acaben las posibilidades de futuras apariciones a lo largo de la saga. Aunque, tratándose de no-muertos, cualquiera sabe.

LIBROS
Vampiras. Antología de Relatos sobre Mujeres Vampiro,
de varios autores
>
Bajo la mirada cómplice de la Luna, «las damas de la noche» abandonan sus fríos sepulcros, sus estériles aposentos de la nada y su cuerpo incorrupto, mortalmente bello y subyugante, se yergue en la Vida y se instala de nuevo en la Naturaleza... «La mujer Vampiro» subsiste gracias a la fuerza de los que todavía no han muerto, una fuerza que absorbe a través de su sangre, pues la sangre es vida. Debe chupar el aliento de aquellos que viven o no podrá respirar. Debe beber su sangre o morirá de hambre... Vaga en la noche, alimentándose incesantemente de los vivos, reclutando nuevos miembros con que engrosar las horrendas filas de su estirpe maldita.

En esta antología se recogen los mejores relatos sobre mujeres vampiro que se han escrito a lo largo del tiempo. Desde Carmilla de Sheridan Le Fanu hasta Roja como la sangre de Tanith Lee, pasando por Stephen King, Francis Marion Crawford y la época dorada de Weird Tales.
Cuentos de vampiras :varios autores
El vampiro ha acompañado al hombre desde la noche de los tiempos, ha sido su inseparable pesadilla, su terror más antiguo. Pero ese horror se agudiza si a su capacidad de destruir se alía un irresistible poder de atracción. Es por ello que su réplica femenina, la vampira, se convirtió en el emblema por excelencia de todo lo deseado y temido a un tiempo, porque era imposible escapar a una belleza letal que era sólo preludio a la perdición. Nunca había imaginado la literatura un ser tan peligroso: ya no era una criatura monstruosa que acechaba en la oscuridad de los cementerios, sino un ser fascinante que se movía con soltura en sociedad y sabía ganarse la voluntad de sus víctimas. Y el hombre nunca había estado tan asustado, pues se sabía atrapado en las garras de la más pérda seducción, como la mosca que espera ser devorada por la araña.

La presente antología reúne una serie de relatos que tienen como protagonistas a estas temibles vampiras, todos ellos inéditos hasta ahora en castellano y escritos a nales del siglo XIX y principios del XX, precisamente en el mismo período en que Bram Stoker publicó Drácula (1897). Un plácido barrio residencial, la hermosa campiña italiana, una remota aldea de Bretaña, un castillo escocés o un elegante hotel pueden dar cobijo a la vampira. Y ya no será nunca más un eco de miedos remotos ni de cuentos de aldea narrados al amor de la lumbre: se ha hecho cosmopolita y ahora esta ahí, a nuestro lado.

Contienen los siguientes relatos:
"La belle dame sans merci" Prólogo
"El misterio de la Campaña" de Anne Crawford
"La buena de Lady Ducayne" de Mary E. Braddon
"Aylmer Vance y la Vampira" de Alice y Claude Askew
"Una hermosa vampira" de Arabella Kenealy
"El destino de Madame Cabanel" de Eliza Lynn Linton
vampiras
Una curiosa y original obra en la que los dibujos, la prosa y la poesía se entremezclan para crear un espectacular libro sobre vampiras.Un libro que cuenta con dibujos originales realizados por Leticia Vera y con textos que los acompañan escritos por Minerva Fraile.El lector, buceando entre sus páginas, encontrará vampiras buenas, malignas, oscuras, princesas...; vampiras rusas, francesas, eslavas... y muchas, muchas víctimas inocentes.
Un libro para saborear poco a poco, para deleitarse con sus exquisitos dibujos, con los colores de éstos y para disfrutar de sus cuidados relatos con sabor agridulce, pues se debaten entre su prosa y sus macabras y morbosas historias de finales dispares y sorpresivos. En definitiva, un deleite para la vista y para la imaginación

Decir que el vampirismo femenino a menudo ha estado asociado al lesbianismo

CINE

Quisiera invitarles a acercarnos al personaje de Miriam Blaylock, una mujer vampiro de la nueva era, aun con anclajes en la tradición decimonónica. Es el personaje engendrado por Whitley Strieber en su novela El Ansia, de 1981 y plasmado en la pantalla en 1983 en la película homónima dirigida por Tony Scott. En ambos casos el conflicto se desata con el inopinado envejecimiento del amante de Miriam, John, quien en apenas unas horas revela su verdadera edad: cerca de doscientos años. En la certeza de que el final del amante está próximo, como le ha sucedido a cuantos la han acompañado a lo largo de los siglos, Miriam inicia su acercamiento a la doctora Sarah Roberts, que investiga el gen del envejecimiento y pretende manipularlo para conceder a la raza humana su sueño más codiciado: la vida eterna.
Los acordes satánicos del Bela Lugosi´s Dead de la Bauhaus introducen las primeras escenas de la película, cargadas de enfoques en picado, panorámicas inquietantes y claroscuros de corte expresionista. Miriam y John, Catherine Deneuve y David Bowie, de negro, con gafas de sol, aire perverso y mucho humo de tabaco, acechan en una ochentera discoteca de ambiente decadente. Los danzantes se agitan poseídos por la estridencia de la música y el entorno gótico. John y Miriam murmuran. De inmediato el espectador reconoce a las víctimas. Simultáneamente, aunque en lugares separados, los cazadores desenfundan su bisturí del collar que pende de sus cuellos, en forma de ankh, el símbolo egipcio de la inmortalidad. Y la sangre brota.
Por otra parte, la novela nos introduce a una Miriam de regreso de su cacería conduciendo un Volvo con la prudencia que su obsesión por los accidentes le dicta.
Nuestra milenaria mujer vampiro, en cualquier caso, se ha adaptado al nuevo mundo, a la muchedumbre de Manhattan, a los coches y a las discotecas. Atrás quedan las anémicas vampiras de camisón blanco y afilados colmillos, alérgicas al sol, al ajo y a los símbolos cristianos. No podemos olvidar, sin embargo, que Miriam conserva algunos rasgos de sus antecesoras que, evolucionados y acomodados al nuevo mundo, ofrecen un perfil poderosamente seductor. Es la vampira del siglo XX. SACADO DE UN ARTICULO La Vampira Ante la Eternidad Solitaria:
El Ansia, de Whitley Strieber

Vanesa Hernández Amez
Universidad de Oviedo

La reina de las vampiras

Dos hermanas encerradas en un misterioso castillo son controladas por una misteriosa voz sin cuero que las está convenciendo de su verdadero estado: son vampiras. Una de ellas recuerdas el momento en el que fue violada por unos extraños aldeanos y la relación con las sensaciones que recorre su cuerpo. Tres hombres que llegan al castillo, se dan cuenta de que las chicas necesitan ayuda e intentan liberarlas de la maldición vampírica.

el vampirismo femenino a menudo se ha asociado con el lesbianismo
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Las Vampiras (también conocida como Vampiros Lesbos en algunas de sus múltiples versiones) es una de las películas de fantaterror erótico más reconocida y famosa del polifacético cineasta español Jess Franco, el cual se encargó de dirigir, escribir y componer la banda sonora del filmeEl largometraje comienza con el relato de la historia de la Condesa Nadine Carody (Soledad Miranda), la cual fue recluida en un castillo, con la única compañía de sus sirvientas, las cuales perecieron a manos de la Condesa, que resultó ser una vampira, por cuyas venas corría la sangre del Conde Dracula.

Ya en la actualidad, Linda (Ewa Strömberg), una agente inmobiliaria, acude con su novio a un club nocturno, donde contempla la actuación de una bella joven, que la deja fascinada y que parece estar relacionada con unos extraños sueños que tiene cada noche, en los que siempre aparecen una cometa, un escorpión y una telaraña.

Días después, Linda debe ir a una isla para arreglar los papeles de una mansión con la mismísima Condesa, que resulta ser la muchacha que hacía el striptease en el night club. La noche anterior al viaje a la isla, se hospeda en un hotel, donde descubre que el dueño (Jess Franco) es un asesino de mujeres, al que acabará matando.

Cuando llega a la mansión, Linda conoce a la Condesa, estableciéndose entre ambas una extraña relación, pues Linda siente una profunda admiración hacia Nadine, pese a descubrir que ella es una vampira. Por la noche, Linda es mordida por Nadine, y a la mañana siguiente, despierta en un hospital sin recordar nada, aunque volverá a la isla, ya que se encuentra vampirizada y se siente completamente atraída por la Condesa.

El novio de Linda, Omar (Andrés Monales) pide ayuda a un doctor que está tratando a una mujer que se encuentra bajo el influjo de Nadine.

Censura y versiones [editar]Debido al alto contenido erótico de Vampiros Lesbos, en su versión para España, las distribuidoras cambiaron su título por el de Las Vampiras y recortaron las escenas lésbicas y de desnudos, dejando el metraje original de 91 minutos en sólo 82, con lo que hay escenas que resultan incomprensibles e inconexas. Tras su estreno, Jess Franco comenzó a realizar más cine en el extranjero, ya que ninguna productora española quería encargarse de financiar sus proyectos, algo que venía de antaño, debido a sus problemas con el Franquismo y la Iglesia.

En otros países como Alemania, se estrenaron versiones casi íntegras, aunque recibieron calificaciones que alertaban de su contenido sexual. En los últimos años, han ido saliendo diversas ediciones en VHS y DVD del filme, tanto en España como en el extranjero, distribuidas por distintas compañías videográficas.

Las Vampiras puede ser considerada como una versión ligeramente modificada de Dracula, ya que las bases de la novela aparecen en el filme, pero hay pequeños cambios que hacen única a la película de Franco y que contribuyen a cambiar el mito del vampiro.

En la novela, el protagonista y el vampiro son hombres, mientras que en el filme, estos dos personajes son mujeres. Por otra parte, Renfield, el vampirizado personaje que hablaba de Dracula en la cárcel, aquí es una mujer también, que se encuentra en tratamiento con un doctor. Y por último, el citado doctor (que en el libro se correspondería con Val Helsing) no desea matar al vampiro, sino convertirse para alcanzar la vida eterna.

Sin embargo, además de la diferencia comentada sobre las verdaderas intenciones del doctor, hay otras mucho más obvias, como el hecho de que la Condesa sea invulnerable a la luz del día, pudiendo pasearse tranquilamente por la playa en bikini y bañarse en el mar. Pero este personaje tampoco se refleja en los espejos, es vulnerable a los crucifijos y tiene el poder de someter a sus víctimas tras morderles (su lacayo, la mujer loca del hospital o Linda).

La ambientación no es gótica, sino todo lo contrario, con casas amuebladas al estilo pop, predominante en aquellos años. Tan sólo el principio del largometraje evoca los tiempos pasados del Conde Dracula.
La película recurre constantemente a evocadoras imágenes que remiten al mundo onírico y que han tenido múltiples interpretaciones desde su estreno.

Ya desde el comienzo, la Condesa aparece tumbada y acercando sus brazos hacia la cámara, como si nos estuviera observando y quisiera vampirizarnos. Después, realiza un erótico striptease en un local, desvistiendo a un maniquí y mordiéndolo en el cuello, al igual que si fuera una de sus víctimas; esto es contemplado por Linda, y será lo que le suceda a ella con Nadine, cuando la conozca.

Linda sufre constantes pesadillas en las que siempre ve una cometa volando, un escorpión en el agua y una telaraña: Fabio Huertas, estudioso del cine de Jess Franco, opina que la cometa simboliza la libertad de Linda, con la que acabará la vampira, representada en el escorpión, de modo que convertirá a Linda en su presa, sin posibilidad de escapatoria, como si estuviese atrapada en una telaraña. Por eso, al final del filme, cuando la vampira ha sido destruida, el escorpión muere ahogado, aunque la telaraña continúa intacta, como si Linda siguiese bajo el influjo de Nadine

Remakes [editar]El mismo Jess Franco ha realizado, años después de Las Vampiras, algunos remakes de este clásico, algunos confesos y otros inconfesos. El caso más claro es el de Macumba sexual (1983), ya que la historia es la misma, aunque con alguna variación en el argumento, para la cual contó con algunos de sus actores fetiche, como Lina Romay o Antonio Mayans.

En Vampire blues (1999), una mujer comienza a tener extrañas visiones en las que se encuentra con una vampira. Una mañana se despierta y compra una camiseta en la que aparece una imagen de dicha vampira, la Condesa Irina von Murnau. La visita en su mansión, pero acaba bebiendo sangre y resulta vampirizada, por lo que tendrá que acabar con ella para romper la maldición. Hasta la fecha, el último remake es Snakewoman (2005), aunque Franco no lo reconoce como tal, a pesar de guardar varios puntos en común con Las Vampiras: una periodista llega a una mansión para descubrir los secretos de una artista fallecida hace años; la recibe una vampira que la posee y con la que tiene unas ensoñaciones extravagantes. Además, esta vampira ya ha atacado a otra mujer, que está recluida en un psiquiátrico, a la espera de que dicha vampira la libere.

Sinopsis La historia es protagonizada por una joven que vive con su padre y unos pocos sirvientes en un castillo antiguo que esta localizado en la parte más apartada de Styria. La vida para Laura es muy solitaria y simple, excepto por un recuerdo de su infancia donde ella dormida en los brazos de una joven es despertada por el dolor de sentir dos agujas en su cuello y cuando la encuentran no ven a nadie más que a Laura.

La vida sigue normal hasta que un carruaje tiene un gran accidente frente su humilde casa, dicho carruaje era el transporte de una elegante dama y joven hija, la cual queda desmayada y no puede concluir su viaje. Al ver la extraña situación el padre de Laura se compromete a cuidar de la joven hasta que se recupere.

La joven, llamada Carmilla, se vuelve muy amiga de ella, quien la reconoce como la joven que la tuvo en sus brazos cuando niña pero no le toma mucha importancia.

Desde un principio Carmilla muestra un comportamiento bastante extraño como: despierta después de medio día y se encierra en su habitación sin dar señales de que este en el cuarto. Lo más extraño de su comportamiento es que muestra mucho interés en Laura, tanto que se convierte en casi un enamoramiento por parte de ella.

Temas [editar]La historia en sí muestra muchas características del terror gótico resaltando el estereotipo popular del vampiro y la perplejidad de los personajes frente a los sucesos sobrenaturales, la aumenta hasta convertirse en un éxtasis y terror a la vez.

También se debe destacar la sutil influencia del contenido erótico, que relaciona con los vampiros, es de carácter lésbico. Sheridan Le Fanu tomo ese tema que era tipo tabú para esa época pero supo como plantearlo de tal forma que el lector de la época se fuera acercando al tema.

Precursora en su género [editar]Carmilla fue una de las primeras historias de vampiros en ser escritas, siendo la precursora de muchas obras de éxito, uno de esos casos es Drácula de Bram Stoker quien se basó en muchas características de Sheridan Le Fanu para escribir su obra. Esto es resaltado en el encuentro de Jonathan Harker con las vampiresas del castillo.

Casi todos los relatos de vampiros tienen la estructura básica de Carmilla, empezando por la parte de “ataque” pasando a “muerte – resurrección” por parte del vampiro, y finalmente a la parte de “caza – destrucción” donde la criatura es perseguida para destruirla.

Le Fanú se basó en la legendaria historia real de la hermosa Condesa Elizabeth Bathory (La Condesa Sangrienta) para crear a la bellísima Carmilla (Condesa Mircalla), cosas como la descripción fisica de Carmilla, el oscuro carruaje en donde ella pasea por la noche para seducir a sus víctimas, su Tutora (Madre o Tia) muy parecida a Dorotoya Csentens (Darbula) o que Mircalla fuera la última de su dinastia maldita son ejemplos evidentes y similares entre historia real y literaria. No hace falta mentar que el lesbianismo o bisexualidad de los personajes real y ficticio o la aparición del gato en ambos casos, ya que se decía que en el Castillo de Elizabeth Bathory había un ejercito de diabólicos gatos negros, gatos que ella conjuraba y tambien, segun se cuenta, adquiría la forma de estos para atacar. Carmilla se transforma en gato nocturno para atacar. Hay que hacer incapié en el aspecto físico del personaje de la realidad y literario: Dama perteneciente a la alta nobleza, muy alta y con un elegante porte que roza la melancolía, pelo exquisitamente largo y negro, ojos felinos grandes llenos de misterio y muy muy negros, boca roja sensual y menuda, manos largas como agujas y piel muy blanca.

Adaptación al cine Carmilla fue llevada el cine por primera vez como Vampyr, la bruja vampiro en 1932 por Carl Dreyer, siendo esta película una adaptación que sigue el estilo del libro completo A glass darkly en el que se incluía Carmilla. Décadas después, con sus personajes se construyó la llamada Trilogía de los Karstein, formada por The Vampire Lovers (Las amantes vampiros) dirigida por Roy Ward Baker en 1970, Lust for a Vampire (Lujuria para un vampiro en España, Ataúd para un vampiro en Argentina) dirigida por Jimmy Sangster en 1971, y Twins of Evil (Drácula y las mellizas) dirigida por John Hough el mismo año.

historia de mircalla
Imaginen ustedes que un individuo, suficientemente perverso, se mata. En determinadas circunstancias, los suicidas pueden transformarse en vampiros. Este vampiro empieza a visitar a los seres vivos mientras duermen. Estos últimos se mueren y, una vez sepultados, se transforman casi invariablemente en vampiros. Eso fue lo que le sucedió a la bellísima Mircalla, que era visitada por uno de esos monstruos. Mi antepasado Vordenburg, cuyo título llevo, descubrió esta historia y en el curso de los estudios a los cuales se había dedicado profundizó mucho en esta materia. Entre otras cosas, llegó a la conclusión de que se sospechaba del vampirismo de la condesa que, en vida, fue su ídolo. Se horrorizó ante la idea de que sus restos pudieran ser profanados en una póstuma ejecución. Dejó un curioso documento que demuestra que el vampiro, una vez privado de su doble existencia, queda condenado a otra aún más terrible. Y decidió, en consecuencia, preservar de esa posibilidad a su amada Mircalla. Simulando un viaje de estudios, se trasladó a Karstein y consiguió hacer desaparecer el rastro y el recuerdo de la tumba de Mircalla. Pero, pasados unos años y próximo el final de sus días, pensando en el mundo que pronto iba a abandonar, consideró bajo otro aspecto lo que había hecho y se sintió aterrado.

Lilit como reina de los vampiros

condición diabólica de Lilith le ha llevado a ser también la Reina de los Vampiros. No sólo mantiene relaciones sexuales con hombres a los que después asesina, sino que también se alimenta de su sangre. Es en esa encarnación donde Lilith se asimila a diferentes divinidades y monstruos femeninos presentes en la mitología clásica: Lamia, Empusa y las lamias, hijas de Hécate, diosa de la brujería; las harpías y las estriges, también macabras visitantes nocturnas; las harpías, ayudantes de las erinias o furias; las moiras o parcas, las grayas y las gorgonas, siniestras ancianas habitantes de los infiernos. En todas estas figuras se repiten las alusiones a muerte de hombres y niños.

Otras referencias mitológicas afines a Lilith se pueden encontrar en la Brunilda de los Nibelungos, o en la diablesa babilonia Lilu. La misma Reina de Saba de Salomón es un trasunto de Lilith. Etimológicamente viene del hebreo layil, (noche), y aparece representada como un demonio nocturno peludo o como una mujer de cabellos muy largos.Las variaciones del mito llevan a Lilith a convertirse en seductora de los propios hijos de Adán y Eva (abordando a Caín con palabras de consuelo y reposo tras la muerte de Abel), o a asimilarla con la propia serpiente del Paraíso dando cuerpo de serpiente mientras Satán daba cara humana y la voz que sedujo a Eva (como en los frescos de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina). Un relato de Primo Levi nos recuerda que Lilith es la amante del mismo Dios creador, y que vive en el Mar Rojo comandando una corte de demonios. Y otra tradición afirma que Samael, luego Satán, el ángel caído, se convierte en pareja de Lilith, e incluso que juntos seducen a Eva para que engendre a Caín.

ERINIAS O FURIAS
En la mitología griega, las Erinias (en griego antiguo Έρινύες Erinúes, de ἐρίνειν erínein, ‘perseguir’) eran personificaciones femeninas de la venganza, que perseguían a los culpables de ciertos crímenes. También se les llamaba Euménides (en griego antiguo Εύμενίδες, ‘benévolas’), antífrasis usada para evitar su ira cuando se pronunciaba su verdadero nombre. Según la tradición, este nombre se habría utilizado por primera vez tras la absolución de Orestes por el Areópago (que se describe más adelante), y luego se usó para aludir al lado bueno de las Erinias.

En Atenas se usaba también eufemísticamente la perífrasis σεμναί θεαί semnai theai, ‘venerables diosas’. También se aludía a ellas como χθόνιαι θεαί chthóniai theaí, ‘diosas ctónicas’, y se les aplicaba el epíteto Praxídiceas (Πραξιδικαι), ‘ejecutoras de las leyes’. Por último, en la mitología romana se les conoce como Furias (en latín Furiæ o Diræ, ‘terribles’).

seres asociados a la mujer fatale relacionados con el mal y la oscuridad

2008-06-09T01:39:00.000-07:00

Cuando hablamos de brujas, solemos imaginarnos a la típica anciana vieja y decrépita, de nariz larga y ganchuda, y ropajes negros y gastados.

No obstante, hace varios siglos se consideraba bruja a cualquier mujer capaz de lanzar conjuros y preparar pociones, sin importar cual fuese su verdadero aspecto o condición.
Brujas de todo tipo han existido en cualquier civilización, desde las comunes brujas de la Edad Media hasta las actuales que habitan en las tribus del centro y el sur de África.
Por definición, una bruja es una persona de quien se cree que posee poderes sobrenaturales que utiliza para distintos fines, desde lanzar maldiciones hasta curar enfermos con hierbas mágicas. Son creencias comunes que las brujas son capaces de sanar hasta las enfermedades más irreparables con extraños ungüentos, de matar con la mirada o mediante algún tipo de hechizo, de controlar el clima, volar e incluso transformarse en cualquier clase de animal. Aunque muchas de ellas podían usar sus técnicas mágicas para un buen fin, en la mayoría de culturas, las brujas eran vistas como agentes del mal y portadoras de la desgracia. En la antigua literatura griega y romana abundaban los cuentos sobre brujas, de las que se decía que pasaban la mayor parte del tiempo elaborando pociones mágicas con hierbas y partes de animales. Eran descritas como mujeres descalzas, de melena larga y despeinada. Se decía que frecuentaban los cementerios, donde podía encontrárselas a medianoche desenterrando huesos y recogiendo plantas o adorando a Diana, diosa de la Luna y la caza, o a Hécate, la diosa de la fertilidad y reina de la noche. Incluso se decía que algunas eran capaces de despertar a los espíritus de los muertos o matar con una simple mirada. Durante la Edad Media, la palabra "bruja" se usaba la mayoría de veces para referirse a la mujer sabia de la localidad, quien usaba las hierbas con fines curativos, preparaba amuletos para mantener alejados a los malos espíritus o practicaba la adivinación para localizar objetos perdidos o identificar criminales, Algunos creían que incluso que podían realizar proezas tan impresionantes como conjurar la lluvia, predecir el futuro o conseguir buenos vientos para la navegación. Por todo ello eran temidas y respetadas por sus vecinos, quienes acudían a ellas en busca de ayuda y consejo; no obstante, siempre existía alguna clase de recelo por el temor a su furia si llegaban a enojarse
La mayor diferencia entre un brujo y una bruja radica en su poderes mágicos, pues los brujos han sido considerados desde siempre como seres más poderosos, por lo que eran más respetados y temidos.

Estas mujeres sabias de los pueblos fueron las primeras en ser acusadas y condenadas por prácticas demoníacas en la llamada ,caza de brujas época de terror y persecución que se extendió por Europa durante los siglos XVI y XVII. No obstante, estos cargos no tardaron en afectar a mujeres y hombres de cualquier oficio o condición; aunque siempre prevaleció el género femenino. Consideradas herejes (enemigos de la Iglesia cristiana) y adoradoras y sirvientes del Diablo, las acusadas eran culpadas por cualquier cosa, desde una mala cosecha a la muerte repentina de un niño. Se decía que las brujas estaban asociadas con los demonios, a quienes debían sus poderes, y que participaban de manera regular en espantosos asesinatos rituales, actos de vampirismo o canibalismo. Las reuniones más populares en las que participaban eran los conocidos aquelarresEn una sociedad dominada por los hombres, en la que las mujeres no solían tener derechos ni propiedades, una mujer que no estuviera bajo el control de un padre o de un marido era vista como una amenaza para la sociedad, o, en el mejor de los casos, con desconfianza.

Es evidente que las brujas actuales ya no tienen el aspecto aterrador de las brujas que conocí con una nariz ganchuda, ojos saltones, manos flacas y afiladas, ataviadas con un sombrero cónico y vestiduras con capas negras, y piloteando su escobas voladoras que tal vez le sirvieron de inspiración a J. K. Rowling en su invención del juego del quiditch donde intervenían los afamados pupilos de Dumbledore en la escuela de magos de Hogwarts.

La literatura le ha brindado su hospitalidad a estas mujeres con poderes especiales, y recuerdo por ejemplo a Andrea y Puella que eran unas brujas muy bellas, tal como las describe Michael Burt en su interesante novela El caso de las trompetas celestiales que fuera lectura favorita de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares.

John Updike, aunque no hace una alusión estética de la fisonomía de las tres mujeres con poderes mágicos en su novela Las brujas de Eastwick, sí las presenta como mujeres normales que en el curso del cuento llegan a ser manipuladas por un siniestro personaje para el ejercicio de sus maleficios

Como todas las cosas evolucionan a través de la historia podemos señalar que la siniestra figura de la bruja medieval se ha transformado ahora en brujas bellas, llenas de ternura, amables, risueñas, adorables, delicadas y exquisitas, soñadoras y emotivas, mentirosas y encantadoras, hiperactivas y resueltas. Hoy los poetas sabemos que es un oficio santo perseguir a las brujas para quemarlas en la hoguera de la pasión amorosa, muy lejos de las marmitas de las brujas de Macbeth.

Sin embargo, como apunta el profesor Sheldon Cashdan, profesor emérito de la Universidad de Massachussets, centenares de brujas de los cuentos de hadas y sus homólogas – hechiceras, ogresas, reinas vengativas y diabólicas madrastras han tenido un final triste y violento.

sacado del articulo CESAR YOUNG NUÑEZ CUANDO LAS BRUJAS DEJARON DE VOLAR
http://mensual.prensa.com/mensual/contenido/2006/01/08/hoy/mosaico/20061613224.html

LAS MOIRAS
Las Moiras son seres pertenecientes a la mitología griega (su equivalente romano son las Parcas o Fatum). Aunque se las reconoce en ciertos pasajes como hijas de Zeus y Temis, es más probable, sin embargo que sean hijas de Nix, la Noche, diosa que concebía por sí sola (Teogonía de Hesíodo).

Las Moiras son tres, Cloto, Láquesis y Átropos, "la que hila", "la que asigna el destino" y "la inflexible". Son la personificación del destino, y su misión en el horizonte mitológico griego, es la de asignar el destino a los seres que nacen, deparándoles suertes y desgracias.

Como diosas del destino velan porque el destino de cada cual se cumpla, incluyendo el de los propios dioses. Asisten al nacimiento de cada ser, hilan su destino y predicen su futuro. Se las representaba como tres mujeres de aspecto severo: Cloto, con una rueca; Laquesis, con una pluma o un mundo y Átropos, con una balanza.

La representación más comúnmente usada era las tres viejas hilanderas o unas melancólicas doncellas. Shakespeare se inspiró en este mito para crear las tres brujas que aparecen en Macbeth, cuya intervención es determinante en el destino del protagonista.

Son las Parcas de los romanos (Nona, Décima y Morta). La mitología nórdica cuenta con un equivalente: las Nornas.

Otra acepción: La moira se entiende en la mitología griega no sólo como las parcas sino como el destino en si. Es la fatalidad que rige la vida y hechos de los héroes, por ejemplo el ineludible karma que arrastra Edipo.

HECATE

Hécate (en griego antiguo Ἑκάτη Hekátē o Ἑκάτα Hekáta) fue originalmente una diosa de las tierras salvajes y los partos, nacionalizada primero en la Grecia micénica[1] o en Tracia, pero originada entre los carios de Anatolia,[2] la región donde se atestiguan la mayoría de sus nombres teofóricos, como Hecateo o Hecatomno,[3] y donde Hécate permaneció como Gran Diosa hasta tiempos históricos, en su inigualable[4] lugar de culto en Lagina. William Berg señala que «dado que los niños no son bautizados en honor de espectros, es seguro asumar que los nombres teofóricos carios que incluyen hekat- aluden a una deidad importante libre de los oscuros y desagradables lazos con el inframundo y la brujería que tuvo Hécate en la Atenas clásica.»

Los monumentos a Hécate en Frigia y Caria son numerosos pero tardíos.[6] Los cultos populares que la veneraban como diosa madre hicieron que fuese integrada en la mitología griega. En la Alejandría ptolemaica terminaría adquiriendo sus connotaciones de diosa de la hechicería y su papel como «Reina de los Fantasmas», bajo cuyo aspecto triplicado fue transmitida a la cultura postrenacentista. Uno de sus aspectos es representado en la Trivia romana.

Las inscripciones más antiguas se han encontrado en el Mileto arcaico tardío, cerca de Caria, donde Hécate es una protectora de las entradas.[7

MUCHOS GRUPOS DE MUSICA TOMAN NOMBRES RELACIONADOS CON ESTAS MUJERES
BRUJERIA , HECATE ETC

la imagen femme fatale desde distintos puntos de vista

2008-06-08T15:12:00.000-07:00

Machismo

El machismo engloba el conjunto de actitudes, conductas, prácticas sociales y creencias destinadas a justificar y promover el mantenimiento de actitudes discriminatorias contra las mujeres y contra hombres cuyo comportamiento no es adecuadamente "masculino" a los ojos de la persona
REPRESENTACIONES ANIMALISTICAS negativas asociadas a mujeres y más concretamente a la mujer fatal

La serpiente (DEPENDIENDO DE CULTURAS PUES EN ALGUNOS LUGARES TIENE SIGNIFICADO POSITIVO )
Las serpientes han sido apreciadas en diversas culturas, pero repudiadas en otras.

En occidente, las creencias cristianas y del islam la identifican con el demonio, en este caso con Satanás de acuerdo a la Biblia y el Corán, donde relata su condena por tentar a Adán y Eva. Incluso en los primeros capítulos y versículos del génesis, después de cometer la tentación, relata como Dios (Yavé, Jehová o Alá, aparte de decirle que se arrastrará y andará sobre su pecho, también habrá una enemistad entre ella y la mujer que le morderá su talón y la mujer le quebrará la cabeza. Este relato bíblico ha inspirado a la iglesia católica a representar la Virgen María como la Inmaculada Concepción pisando a una serpiente tal como relata el génesis, pero el reptil en vez de morderle el talón solo lleva una manzana en su boca. En algunos casos también se han representado a Jesucristo pisando una serpiente, pero no inspirado en el génesis de la Biblia sino como una representación de lucha entre el bien y del mal, los cual también puede aplicarse al caso de la Virgen María. Aunque en el islam no se ha atribuido con ninguna representación diferente al génesis como lo ha hecho el cristianismo.

Por contra, en el Lejano Oriente la serpiente es considerado un animal sagrado, divino y protector contra las energías negativas, que representa fuerza, energía y sabiduría. Además es venerada principalmente dentro de la cultura hindi, lo que ha inspirado su Santísima Trinidad. En el cristianismo el Espíritu Santo es representado en una paloma blanca, pero aquí, el Dios Siva, es representado como una serpiente, sobre todo una cobra. La cultura China la considera también una entidad protectora; un ejemplo de ello lo encontramos en la Gran Muralla China construida sobre un terreno montañoso y ubicada en el centro de color amarillo. En esta región también es utilizada como un símbolo en algunas artes marciales orientales.

De igual forma, en Mesoamérica era veneradas por gran parte de las culturas que allí florecieron. El ejemplo más famoso es el del Dios Quetzalcoatl, la Serpiente Emplumada, Kukulcan para los Mayas.

Leyenda de la llorona

Consumada la conquista y poco más o menos a mediados del siglo XVI, los vecinos de la ciudad de México que se recogian en sus casas a la hora de la queda, tocada por las campanas de la primera Catedral; a media noche y principalmente cuando había luna, despertaban espantados al oír en la calle, tristes y prolongadisimos gemidos, lanzados por una mujer a quien afligía, sin duda, honda pena moral o tremendo dolor físico. Vestía la mujer traje blanquísimo, y blanco y espeso velo cubría su rostro. Con lentos y callados pasos recorría muchas calles de la ciudad dormida, cada noche distintas, aunque sin faltar una sola, a la Plaza Mayor, donde vuelto el velado rostro hacia el oriente, hincada de rodillas, daba el último angustioso y languidísimo lamento; puesta en pie, continuaba con el paso lento y pausado hacia el mismo rumbo, al llegar a orillas del salobre lago, que en ese tiempo penetraba dentro de algunos barrios, como una sombra se desvanecía.
"La hora avanzada de la noche, - dice el Dr. José María Marroquí- el silencio y la soledad de las calles y plazas, el traje, el aire, el pausado andar de aquella mujer misteriosa y, sobre todo, lo penetrante, agudo y prolongado de su gemido, que daba siempre cayendo en tierra de rodillas, formaba un conjunto que aterrorizaba a cuantos la veían y oían, y no pocos de los conquistadores valerosos y esforzados, que habían sido espanto de la misma muerte, quedaban en presencia de aquella mujer, mudos, pálidos y fríos, como de mármol. Los más animosos apenas se atrevían a seguirla a larga distancia, aprovechando la claridad de la luna, sin lograr otra cosa que verla desaparecer en llegando al lago, como si se sumergiera entre las aguas, y no pudiéndose averiguar más de ella, e ignorándose quién era, de dónde venía y a dónde iba, se le dio el nombre de La Llorona."
La tradición de La Llorona tiene sus raíces en la mitología de los antiguos mexicanos. "La Llorona - cuenta D. José María Roa Bárcena -, era a veces una joven enamorada, que había muerto en vísperas de casarse y traía al novio la corona de rosas blancas que no llegó a ceñírse; era otras veces la viuda que veía a llorar a sus tiernos huérfanos; ya la esposa muerta en ausencia del marido a quien venía a traer el ósculo de despedida que no pudo darle en su agonía; ya la desgraciada mujer, vilmente asesinada por el celoso cónyuge, que se aparecía para lamentar su fin desgraciado y protestar su inocencia." Poco a poco, al través de los tiempos la vieja tradición de La Llorona ha ido, como decíamos, borrándose del recuerdo popular. Sólo queda memoria de ella en los fastos mitológicos de los aztecas, en las páginas de antiguas crónicas, en los pueblecillos lejanos, o en los labios de las viejas abuelitas, Tomado del libro: Las calles de México, Leyendas y sucedidos.
Luis Gonzalez Obregón,
Ed. Porrua, México, 1997.

la diosa Cihuacóatl, “ Mujer serpiente” ,Cihuacóatl es la diosa de la guerra, pero es también una advocación de la tierra como generatriz divina. Es decir, la presencia de esta mujer en el sexto presagio tiene un mensaje evidente, marca el fin

la medusa
La Medusa es una de las criaturas más bellas que habita en los mares. De sus bordes, nacen multidud de tentáculos, largos y delgados, que crean trampas mortales para los peces, pues gracias a las células venenosas, inmovlizan a todo pequeño animal que las toque

En la mitología griega, Medusa (era una mujer de exuberante belleza que con su mirada convertía a los hombres en piedra y fue castigada por Atenea.
Algunas referencias clásicas la describen como una de las tres hermanas Gorgonas, la única mortal de ellas. Medusa, Esteno y Euríale eran despiadados monstruos de manos metálicas, colmillos afilados y cabellera de serpientes venenosas vivas, lo que indicaba su naturaleza ctónica.En la versión más conocida del mito, Medusa era originalmente una hermosa mujer humana. Poseidón se enamoró de ella, y la sedujo (o violó) en un templo dedicado a Atenea. Ambos dioses eran rivales desde que compitieran por el patronazgo de Atenas y los habitantes de la ciudad prefiriesen el olivo de Atenea a la fuente o los caballos de Poseidón.

Tras descubrir la profanación de su templo, Atenea transformó a Medusa como castigo hasta tener la misma forma de sus hermanas Gorgonas. Sus cabellos se convirtieron en serpientes y su mirada tenía el poder de petrificar a cualquier criatura viva (según algunas versiones, fue Afrodita quien, celosa de su cabellera, la cambió por serpientes). Fue desterrada a las tierras hiperbóreas.

Mientras Medusa estaba embarazada de Poseidón, fue decapitada por el héroe Perseo con la ayuda de Atenea y Hermes. De la sangre que cayó al suelo o, según las versiones, de su cuello brotó su descendencia: el caballo alado Pegaso y el gigante Crisaor. Perseo usó la cabeza de Medusa para rescatar a Andrómeda, matar a Polidectes y, en algunas versiones, petrificar al titán Atlas. Entonces se la ofreció a Atenea, quien la colocó en su escudo, la égida.

sirenas
En la mitología griega, las sirenas son una clase difusa que comprende varios seres que se distinguen por una voz musical y prodigiosamente atractiva; las representaciones artísticas más antiguas, que las muestran como aves con rostro o torso femenino, se deben probablemente a la asociación de las aves con el canto, así como al frecuente uso iconográfico de los seres alados para representar a los espíritus de los muertos. Muchas de las huellas gráficas más tempranas de las sirenas están en monumentos y ofrendas funerarias.
Episodios literarios [editar]En la leyenda de Jasón y los Argonautas, los marineros encantados por la voz de las sirenas se salvaron del desastre gracias a la habilidad de Orfeo, que logró con su canto tapar la música de aquellas y distraer a los Argonautas que se hubieran encallado de otro modo en los sirenum scopuli donde estas habitaban. Derrotadas por la superior habilidad de Orfeo, las sirenas se transformaron en piedra, o en otras versiones se arrojaron al mar para morir.

En la Odisea (XII, 39), Ulises preparó a su tripulación para evitar la música de las sirenas tapándoles los oídos con cera; deseoso de escucharlas él mismo, se hizo atar a un mástil para no poder arrojarse a las aguas al oír su música.

Las sirenas aparecen también en algunos de los cuentos de Las mil y una noches.

Muy distinta es la sirena del relato de Hans Christian Andersen La Sirenita, capaz de entender y hablar la lengua de los hombres, pero condenada al silencio por su pacto con la bruja del mar.

Atractivo de las sirenas [editar]Aunque en la iconografía moderna las sirenas se representan por lo general como de abrumadora belleza, es probable que en la tradición clásica su único atractivo radicase en su voz, y que su apariencia fuese poco menos que monstruosaSe ha comentado que posiblemente las sirenas que tanto intrigaron a Sigmund Freud son la intelectualización tardía de un hecho narrativo que aúna peligro y belleza. En todo caso, ése sería un añadido elaborado a lo largo de los siglos a su origen como horrendas y extraordinarias cantantes que ocultaban el asesinato y la antropofagia.(sacado de WIkipedia)

OIARÁ
En Brasil, es una muchacha de largos cabellos negros cubiertos de guirnaldas que atrae a los hombres a las aguas profundas. A veces, los machos de las Oiará fecundan a las mujeres nativas.

ARAÑA Y LA VIUDA NEGRA

LA VIUDA NEGRA
Mujeres envenenadoras” de maridos –Este nombre les viene pos las arañas así apodadas
Algunos ejemplos

Cadena perpetua para la "viuda negra" de Alemania por asesinar a cuatro jubilados
03.07.08 | 12:00. Archivado en Crimen

(PD).- La llamada 'viuda negra' de Alemania, una ex-prostituta de 69 años, fue condenada a cadena perpetua por el asesinato de cuatro jubilados para quedarse con su dinero y propiedades.
De acuerdo con su versión, la mujer se encargaba de embaucar a sus víctimas para hacerse con sus cartillas de ahorros y dinero, y hacía que les confiaran sus jubilaciones o les dejaran sus inmuebles de herencia.

Una vez se había asegurado el control de sus pertenencias, sedaba a sus víctimas echando un fármaco en la sopa y luego su cómplice los estrangulaba.

Una de sus víctimas fue un hombre de 84 años, con el que Lydia L. llego a contraer matrimonio, y podría haber sido el crimen perfecto, ya que fue enterrado tras considerarse que falleció de muerte natural.

Sus restantes víctimas fueron asimismo jubilados de la región, de 81, 74 y 71 años, cuyos cadáveres fueron enterrados por el cómplice, en uno de los casos en su propio jardín y en otro en un descampado.

LEYENDA MITO ARGENTINO
La Viuda Negra Leyenda Mito Historia Argentina

La Viuda Negra: Leyenda / Historia, Mitos Argentinos.-
El Mito Argentino De la Viuda Negra (Black Widow´s Legend History).-
Mito o verdad? La Viuda Negra es el temor de quienes engañan a sus mujeres.-

Por Luis Borelli para MINUTOUNO.COM: La leyenda de la viuda pertenece a la tradición cultural de los pueblos del norte, que boca a boca la llevaron hasta nuestros días.
A lo largo de todo el territorio argentino hay distintos mitos y leyendas. Éstos son relatos de determinados sucesos que pueden haber ocurrido o no, con personajes reales o supuestos, que basan las pruebas en indicios naturales, creencias religiosas o supersticiones. Si bien los relatos parten de una base histórica, la imaginación popular los dibuja para dar forma a las leyendasque hacen, en parte, a la identidad y patrimonio cultural de un pueblo o una región.
En la provincia de Salta, varios autores han llevado al papel algunas historias de la tradición popular. Tal es el caso del escritor Luis Borelli, que se dedicó a la historia de la Viuda Negra. La Viuda de la leyenda tiene, para empezar, distintas versiones acerca de su apariencia.
Los salteños dicen que es esbelta y joven , de unos cuarenta años. Si bien nunca nadie pudo verle el rostro, versiones describen a una mujer alta y aparentemente bella. Mientras tanto, en los valles de Lerma y Calchaqui la descripción de la viuda corresponde a una anciana a la que tampoco se le ve el rostro.
En cualquiera de las dos versiones las viudas hielan la sangre, y por supuesto, usan ropa y mantón de color negro, con el cual las "vallistas" se cubren de pie a cabeza, mientras que las "chaqueñas", esconden la cara pero muestran un tanto las piernas.
Según las versiones, las viudas se hacen presente frente a hombres, a los cuales atemorizan y hacen “temblar de espanto”, como relata Luis Borelli en el portal de la provincia de Salta.
Si usted es hombre y ha engañado a una mujer, o bien alguna de sus historias amorosas terminaron con la muerte de la dama, tenga sumo cuidado al caminar a la medianoche por senderos, caminos o puentes, dado que se encuentra a la suerte de la viuda, que seguramente aparezca para vengar a la damnificada o a quien le haya hecho daño.
Pero tenga cuidado, porque según relata la leyenda, los motivos por los cuales este espectro justiciero de mujeres puede aparecer son varios. Desde engaño a amoroso seguido de muerte (que no suele ser tan común, pero téngalo en cuenta por las dudas) hasta el asesinato por otra mujer que haya participado en el “fatídico triángulo de amor y muerte”.
Si leyendo los párrafos anteriores usted todavía no entró en ninguna de las categorías por las cuales la viuda puede venir a atormentarlo, no se sienta a salvo aún, porque si usted no dio cumplimiento al juramento de fidelidad-seguramente obtenido bajo presión- de no volver a casarse o juntarse, en el caso que ella haya muerto, correrá peor suerte.En ambos casos, las apariciones tendrían por objeto atormentar - más bien continuar- a sus ex maridos por la nueva vida que hace junto a otra mujer después de su muerte.
De ser así, esto es lo que sentencia el relato de Borelli:"Lo perseguirá y asustará de tal forma, que el pobre hombre terminará por enfermar, ser abandonado por la concubina o nueva esposa, hasta finalmente morir casi seco de espanto. Pero esta Viuda, surgida de la tragedia y la traición -según cuenta- no se contentará con asustar a su ex marido, sino que también lo hará con todos aquellos infieles -que por suerte son poquísimos- aprovechando toda oportunidad para "espeluznarlos" de miedo y terror, sobretodo cuando distraídos vuelven a deshora a sus casas, medio "machaditos" y envueltos en vahos de alcohol."

Otra Version: http://www.mirioturbio.com.ar/: Hace muchos años, sin fecha estimada o probable, en tiempos en que la seguridad en el laboreo minero en interior de mina, era escasamente precaria, los derrumbes y accidentes eran frecuentes, en esa época sucedió lo que hoy relatamos:
Un día comenzó a “llover el cerro”. Las vigas o puntales que sostenían el “techo” no soportaron la soberbia presión del cerro, ocasionando un derrumbe. Cada vez que algo así sucedía, en el mejor de los casos era solo uno el que moría, un minero, un compañero. Es de imaginar la desesperación que rodeaba a la familia, cada vez que un minero, padre, marido tenia que ir a “sacar el turno”.
Así ocurrió lo inevitable. La muerte arrebata desde el vientre de la tierra un hombre minero, la esposa que lo esperaba en el hogar, al no verlo regresar a la hora habitual, temiendo lo peor se abrigo y fue a buscarlo hasta la misma boca de mina, donde los compañeros de su marido, comentaban acongojados los detalles del accidente, sin advertir la presencia de la mujer.
Ella, presa del miedo, angustia y llanto se adentra en la mina para rescatar a su esposo, o quizás para tener la certeza ante lo evidente. Un segundo derrumbe sorprende la vida de la mujer mientras hurgaba las toscas que pudieran ocultar el cuerpo de su amado.

De allí en mas, una sombra con forma de mujer suele aparecer en interior de mina. Dicen que es el espíritu de ella en busca de su esposo. Se presenta siempre a los mineros cuando se encuentran solos.
Algunos sostienen, que esas apariciones “presagian” accidentes, desgracias, muerte en el lugar de trabajo.
Lo cierto es, se crea o no, que este relato mítico vive en la memoria y la palabra de nuestro pueblo, dándole forma y hasta un nombre propio: “La viuda negra”.

ARAÑA
Latrodectus es un género de arañas araneomorfas de la familia Theridiidae; son arañas venenosas, conocidas popularmente como viudas negras. El género contiene numerosas especies en todo el mundo, como por ejemplo:

Latrodectus tredecimguttatus, viuda negra europea
Latrodectus mactans, la más conocida de las viudas negras americanas, de las que existen una docena de especies.
La araña Viuda Negra (Latrodectus mactans tredeangutatus) se llama así porque después del apareamiento devora a su compañero.

De esta manera, ella puede liquidar a 25 pretendientes en un solo día.

COMIC DE MARVEL
Natasha Romanov, también conocida como la Viuda Negra, siempre ha llevado una vida excitante. Primero, como espía de la Unión Soviética, luchando en primera línea de fuego de la Guerra Fría. Luego, como disidente, y más tarde dentro de Los Vengadores. Ahora ha irrumpido en escena su mayor rival: Yelena Belova. Su objetivo es eliminar a la que considera una auténtica traidora que no merece llevar el nombre de Viuda Negra. Yelena ha sido entrenada en combate por los mejores y está dispuesta a todo por lograr su objetivo.
Edición original: Marvel Knights: Black Widow Nº 1 a 3 USA
Fecha de edición: enero de 2008
Guión: Devin Grayson
Dibujo: J. G. Jones
Tinta: Dave Kemp

PELICULA

El caso de la viuda negra 1987
Más información Intriga. Policiaco / SINOPSIS: Alex Barnes es un agente federal volcada en su trabajo y sin tiempo para tener una vida privada satisfactoria. Lo que le ocasiona no pocas reprimendas por parte de sus superiores. Las cosas se van a complicar aún más para ella cuando descubra, casi por caualidad, la muerte, en muy corto espacio de tiempo, de dos ricos hombres de negocios... de los que aparentemente no hay relación entre ellos. (FILMAFFINITY)
TROZO DE NOTICIA SACADO DE UNA WEB LLAMADA EL JACINTARIO 23 de Mayo de 2007

Las grandes comilonas de La Viuda Negra
No es raro ver al final de algún noticiero una nota sobre algún concurso cuyo objetivo es comer un montón de algo en una cantidad reducida de tiempo. Mirar esos clips no es precisamente apetitoso: los concursantes se embarran toda la cara de comida, meten sandwiches enteros en un vaso de agua para tragarlo mejor y amontonan cualquier cantidad de comida en sus bocas.
Los premios para este tipo de concursos no son nada despreciables: Automóviles último modelo, un año gratis de comer en equis restaurante hasta un millón de dólares son parte de los buenos motivos por los que alguien pareciera querer participar en una competencia de estas.
Por lo general, los concursantes son hombres fortachones, y a veces gordos, muy gordos. Pero no es inusual ver entre ellos a una menuda mujer. Ella se llama Sonya Thomas, es una estadounidense de origen coreano, tiene 37 años, pesa 47 kilos (casi 104 lbs.) y es una de las grandes campeonas de los concursos de comilonas rápidas.
Entre sus impresionantes comilonas ha marcado los siguientes récords mundiales:

• Ha comido 56 hamburguesas en 8 minutos
• 65 huevos duros en 6 minutos y 40 segundos
• 5 kilos de cheesecake en 10 minutos
• 80 nuggets de pollo en 5 minutos
• 2.60 kilos de puntas de espárragos fritos en 10 minutos
• 167 alitas de pollo a la salsa barbacoa en 32 minutos
• 40 pasteles de cangrejo en 12 minutos
• 44 langostas (5.2 kilos de carne) en 12 minutos,
• 46 docenas de ostras (552 ostras) en 10 minutos
• 10 libras y 3 onzas de albóndigas en 12 minutos

Admito que el sólo leer esta lista me da dolor de estómago...

La Thomas ha sido apodada “La Viuda Negra” porque según ella misma dice en su página web, quiere eliminar a todos los hombres de las competencias y comer más y más rápido que ellos. Según dice, no se prepara de ninguna manera en particular para estas comilonas y por lo general, se recupera en un promedio de entre 8 a 12 horas. Dice alimentarse de manera saludable, con mucha fruta y verdura, poca azúcar y cosas fritas y hace ejercicios aeróbicos 2 horas 5 días a la semana.
Su ambición es ser la número uno de las competencias de comer rápido y eventualmente abrir su propio restaurante... de comida rápida, claro.

GRUPO MUSICAL

Viuda Negra es el grupo de rock más importante del último período de la música ecuatoriana, sus años de constante crecimiento, una primera producción nacional ciento por ciento profesional y su último trabajo realizado en el prestigioso Fusao V.M.T Studios en Sao Paulo – Brasil, les ha permitido ser nominados y premiados con los principales reconocimientos al género en todo el país. Han liderado los festivales de rock locales más importantes y han sido invitados a tocar junto a las más destacadas bandas del género que han visitado el Ecuador. Una exitosa gira colombiana y la distribución de su trabajo en España, Argentina, México, Chile y Venezuela, son solo los primeros pasos conseguidos para la internacionalización definitiva de su carrera.
Su música pretende influenciar las vidas y conciencias de quiénes los escuchen para motivar la búsqueda de nuevos paradigmas acerca de nuestro rol como seres humanos, nuestros modelos de comportamiento social y de pensamiento y las interrelaciones con el universo que nos rodea.

chicas malas (articulo sacado de uan revista)

2008-06-05T15:04:00.000-07:00

Amy winehouse canta como los angeles y vive como el diablo

.Otras siguen su estela hasta crear un patrón peculiar , un talante de seduccion el de la mujer tragedia que anuncia ruina como un caserón mal mantenido, la mujer en destrucción que estimula los anhelos de los que están enteros.Modelo de contracultura que no es ninguna novedad , imagen renovada del ideal ebrio y poético del simbolismo literario decimonónico , hembras emanadas de la resaca del opio , del hachis comido a cucharadas , de la dama verde bebida a tragos

Las putas de Charles Baudelaire , las flores del mal .Las mujeres que se dirigen al abismo solo porque ellas son el abismo .La femme fatale de la que en su compañia solo resta esperar el fin , erotizadas por su insoportable frivolidad de morbosidad .Pero como decía Espronceda "Me gusta ver caer la bomba nerviosa desde el cielo .No nos gusta cabalgar las bombas ni recibirlas , ni vivirlas , pero si verlas caer en páginas de papel" -concluye "seguir absortos su trayectoria y no estar allí cuando estalle"

Un bésame el culo borde, irreverente , inaccesible , para titular el perenne de mujeres que beben la vida sin secarse los labios , que leen espectadores que se secan los labios

Sacado de
Valerie Tasso , escritora experta en sexo